Гравированный портрет художника в Государственном Эрмитаже (XVI-XVIII века): техники, мастера, история коллекции и культурный контекст

В 1764 году, когда будущая императрица Екатерина II начала формировать свои художественные коллекции, именно тогда были заложены основы того, что впоследствии станет одним из величайших музеев мира – Государственного Эрмитажа. Среди первых приобретений, определивших судьбу этого собрания, было не только живописное искусство, но и тысячи гравюр, которые с первых дней существования Эрмитажа стали неотъемлемой частью его фондов, сформировав одно из крупнейших и наиболее значимых графических собраний планеты.

Введение: Исследование феномена гравюрного портрета в Эрмитаже

Коллекция гравюрных портретов западноевропейских художников XVI-XVIII веков в Государственном Эрмитаже представляет собой уникальный источник для исследования истории искусства, социокультурных трансформаций и эволюции графических техник. Несмотря на ее колоссальный масштаб и исключительную ценность, системный и глубокий анализ этого специфического сегмента эрмитажного собрания часто остается за пределами подробных академических изысканий. Существующие обзоры, как правило, ограничиваются анонсами выставок или поверхностным перечислением имен, не углубляясь в методологические, исторические и иконографические нюансы. И что из этого следует? Подобный подход не позволяет в полной мере раскрыть потенциал коллекции как зеркала эпохи, отражающего изменения в статусе художника и динамике художественных процессов.

Данный доклад призван восполнить этот пробел, предложив исчерпывающий, многогранный анализ коллекции гравюрных портретов художников XVI-XVIII веков, хранящихся в Эрмитаже. Мы рассмотрим как технические особенности гравюры, так и вклад выдающихся мастеров, проследим историю формирования этого собрания и раскроем социокультурный контекст, в котором создавались и функционировали эти произведения. Актуальность темы для искусствоведения и музееведения обусловлена не только уникальностью графического собрания музея, но и необходимостью переосмысления роли гравюрного портрета как важнейшего документа эпохи, средства коммуникации и инструмента формирования художественного имиджа. Научная новизна работы заключается в комплексном подходе, объединяющем детальный искусствоведческий анализ с историческим и культурологическим контекстом, что позволит глубже понять значение этого феномена.

Эволюция и технические особенности западноевропейской гравюры XVI-XVIII веков

Развитие гравюрного искусства в XVI-XVIII веках было динамичным процессом, ознаменовавшимся появлением и совершенствованием множества техник, каждая из которых предлагала художнику уникальные возможности для выражения. Эти технические инновации не просто расширяли инструментарий мастера, но и глубоко влияли на художественный язык, стилистику и даже социокультурную функцию гравюры, особенно в жанре портрета. Понимание этих нюансов критически важно для полноценного анализа коллекции Эрмитажа, где представлены образцы почти всех значимых техник этого периода, что позволяет проследить весь путь развития гравировального искусства.

Определение гравюры и ее основные виды

Прежде чем углубляться в специфику техник, необходимо четко определить, что такое гравюра. В искусствоведении гравюра (от французского *gravure*) понимается как печатный оттиск, полученный с специально обработанной доски или пластины, на которой вырезан или протравлен рисунок. Одновременно гравюра является самостоятельным видом графического искусства, включающим в себя как сам процесс создания матрицы (доски), так и метод печати оттисков.

Ключевым дифференцирующим признаком в мире гравюры является принцип печати, который делит это искусство на два основных вида:

• Выпуклая гравюра: В этом случае краска наносится на выступающие части печатной формы, а углубленные участки остаются нетронутыми. Классическим примером является ксилография (гравюра на дереве), где фон вырезается, а рисунок остается выпуклым.
• Углублённая гравюра: Здесь, напротив, краска заполняет углубления, вырезанные или протравленные в поверхности доски, а выступающие части очищаются. Этот вид гравюры предоставляет художникам более широкие возможности для тонкой тональной проработки и детализации, что сделало его особенно популярным в портретном жанре. Именно к углублённой гравюре относится большинство техник, представленных в эрмитажной коллекции портретов художников XVI-XVIII веков.

Углублённая гравюра: от резца к меццо-тинто

Эпоха XVI-XVIII веков стала временем расцвета углублённой гравюры, когда мастера активно экспериментировали с материалами и инструментами, добиваясь всё большей выразительности.

Резцовая гравюра на металле (или стальная гравюра) является одной из старейших техник углублённой гравюры. Её истоки восходят к ювелирному делу и искусству чеканки, что объясняет точность и виртуозность, требуемые от мастера. Возникнув в Италии во второй половине XV века, эта техника позволяла создавать четкие, графичные изображения с тончайшими линиями, формирующими объем и светотень. В резцовой гравюре художник использует специальный инструмент – резец (штихель), которым вручную прорезает линии на медной или стальной доске. Глубина и толщина линий регулируются нажимом и углом резца, что требует огромного мастерства и твердой руки. Именно эта техника заложила основы для многих последующих инноваций.

С началом XVI века появляется офорт — техника, которая совершила настоящую революцию в графике. Первая датированная гравюра в технике офорта относится к 1513 году. В отличие от резцовой гравюры, офорт предлагает художнику большую свободу и легкость в работе. Вместо ручного прорезания линий, здесь используется кислота (азотная кислота), которая протравливает металлическую доску. Доска покрывается кислотоупорным лаком, а художник процарапывает рисунок специальной иглой, обнажая металл. Затем доска погружается в кислоту, которая «выгрызает» линии по процарапанным местам. Чем дольше доска находится в кислоте, тем глубже и темнее становятся линии. Эта «легкость в изготовлении» позволила офорту развиться как реакции на «обезличенную плавную штриховку репродукционной резцовой гравюры», привнеся в изображение эмоциональность, живописность и свободную динамику штриха.

Середина XVII века ознаменовалась появлением меццо-тинто (от итал. *mezzo* – средний, *tinto* – окрашенный), известной также как «чёрная манера». Эта техника зародилась в Германии и стала единственной, способной создавать по-настоящему плавные тональные переходы, имитирующие живописную светотень. Процесс создания меццо-тинто начинается с шершавления всей поверхности медной доски специальным инструментом – качалкой (рокером), который создает множество мельчайших углублений. Если в таком состоянии напечатать доску, оттиск будет абсолютно черным. Затем художник полирует и сглаживает те участки, которые должны быть светлыми, удаляя углубления. Чем сильнее полировка, тем светлее будет участок. Меццо-тинто ценится за свою глубину и бархатистость тона, что делает ее идеальной для создания драматических и атмосферных портретов.

Наряду с этими ведущими техниками, существовали и развивались другие виды углублённой гравюры:

• Акватинта: Появилась в XVIII веке и предназначалась для воспроизведения тональных эффектов рисунка тушью или акварелью. Техника основана на протравливании доски сквозь поры прилипшего смолистого порошка (канифоли). Смола нагревается и образует на поверхности доски зернистую структуру, которая затем травится кислотой, создавая равномерные тональные пятна разной интенсивности.
• Пунктирная манера: Также популярная в XVIII веке, эта техника основывалась на создании изображения с помощью множества точек, нанесенных на доску. Точки могли быть выбиты пунсонами, процарапаны иглами сквозь лак или нанесены специальными рулетками, а затем протравлены. Это позволяло добиться мягких тональных переходов и особой изящности.
• Сухая игла: Известная с конца XV века, эта техника пережила второе рождение в XVII веке, часто применяясь в сочетании с офортом. Художник процарапывает металлическую доску острой иглой без использования лака и кислоты. При этом по краям процарапанной линии образуется заусенец (барб), который при печати задерживает краску и создает мягкий, бархатистый, немного размытый штрих.

Комбинированные техники и новаторство

Мастера XVI-XVIII веков редко ограничивались одной техникой, стремясь к богатству тональных оттенков и максимальной выразительности. Использование комбинированных техник стало нормой, позволяя сочетать четкость резца с живописностью офорта, бархатистостью сухой иглы или тональностью меццо-тинто.

Вершиной этого стремления к разнообразию стала цветная французская гравюра XVIII века. В этот период гравюра перестала быть только черно-белой. Мастера начали использовать несколько досок, каждая из которых была подготовлена для печати определенного цвета, или наносили краску на одну доску вручную, как в технике à la poupée. Цветная гравюра XVIII века преимущественно воспроизводила оригинальное искусство, такое как живопись и рисунок, становясь роскошным элементом интерьера и средством распространения эстетических идеалов рококо и неоклассицизма. Это демонстрирует, как техническое новаторство шло рука об руку с изменениями в культурном и социальном запросе. Что это значит для нас? Это доказывает, что искусство гравюры всегда было в авангарде художественного процесса, адаптируясь к новым запросам общества и технологическим возможностям.

Коллекция Государственного Эрмитажа: портреты западноевропейских художников XVI-XVIII веков

Государственный Эрмитаж, один из крупнейших и наиболее значимых музеев мира, обладает поистине уникальной коллекцией западноевропейской графики, в которой гравюрные портреты художников XVI-XVIII веков занимают особое место. Это собрание не только представляет собой энциклопедию стилей и техник, но и служит бесценным источником для понимания эволюции искусства, статуса художника и визуальной культуры этих трех столетий.

Масштаб и структура гравюрного собрания Эрмитажа

Масштабы графического собрания Эрмитажа поражают воображение. Оно насчитывает свыше 486 тысяч гравюр и литографий в отдельных листах, альбомах и увражах. Общее же собрание гравюр и рисунков западноевропейских мастеров в Эрмитаже превышает 600 тысяч работ, что составляет пятую часть всей коллекции музея. Внутри этого колоссального массива портретная часть гравюрного кабинета Эрмитажа насчитывает около 65 тысяч листов и по праву считается одной из самых крупных в мире коллекций этого искусства.

Особое место в этой обширной коллекции занимает Галерея автопортретов и портретов живописцев, скульпторов, граверов, которая чрезвычайно обширна и представляет собой своего рода визуальную историю художественного мира Западной Европы. Однако, несмотря на богатство и значимость, эта обширная графическая коллекция, включая портреты, не представлена в постоянной экспозиции. Причина кроется в специфике материалов: бумага, на которой выполнены гравюры, чрезвычайно хрупка и чувствительна к свету, влажности и температурным колебаниям. Необходимость соблюдения строгих условий сохранности графических листов не позволяет им длительное время находиться на открытом свете, что делает их доступными для изучения и осмотра преимущественно на временных выставках или по запросу в специализированных хранилищах. Этот аспект подчеркивает особую ценность каждого экспонируемого листа и требует от кураторов тщательного планирования выставочной деятельности.

Имена и шедевры: панорама художников в эрмитажных гравюрах

Коллекция Эрмитажа охватывает три столетия развития западноевропейской гравюры, представляя работы величайших мастеров. Среди них:

• Дюрер, Микеланджело, Тициан, Тинторетто, Караваджо – столпы эпохи Возрождения и раннего барокко, чьи портреты, выполненные другими граверами или ими самими (в случае автопортретов), отражают становление нового взгляда на художника.
• Рубенс, Снайдерс, Рембрандт, Бернини – гении XVII века, чьи изображения демонстрируют зрелость барочного стиля и глубокое психологическое раскрытие личности.
• Пиранези, Буше, Канова – представители XVIII века, от классицизма до рококо, чьи портреты завершают этот период, отражая новые веяния в искусстве и обществе.

Особого упоминания заслуживает одна из крупнейших в мире коллекций офортов Рембрандта Хармена ван Рейна, насчитывающая свыше 600 гравюр. Это собрание позволяет проследить весь творческий путь мастера в графике, от ранних экспериментов до поздних шедевров, и является бесценным для исследователей его творчества.

Кроме того, в собрании Эрмитажа представлены листы других выдающихся мастеров XVII-XIX веков, которые формировали лицо европейской графики:

• Голландский мастер А. ван Остаде, известный своими жанровыми сценами и портретами.
• Английские художники У. Хогарт и Т. Роулендсон, чьи гравюры отличаются остротой сатиры и живым отображением общества.
• Венецианские живописцы Дж. Б. Тьеполо и А. Канале (Каналетто), привнесшие в графику живописность и архитектурную точность.
• Крупнейший французский офортист Ж. Калло, мастер динамичных композиций и гротескных образов.

Тематические выставки и их роль в популяризации коллекции

Учитывая особенности хранения графических листов, временные тематические выставки играют ключевую роль в популяризации и научном осмыслении коллекции гравюр Эрмитажа. Такие проекты позволяют широкой публике и специалистам ознакомиться с раритетами, которые редко покидают фонды.

Примерами таких значимых выставок являются:

• «Портреты художников в западноевропейской гравюре XVI — XVIII веков. FECIT AD VIVUM». Эта выставка, название которой переводится как «Сделано с натуры», демонстрирует широкий хронологический период наивысшей популярности жанра гравированного портрета художника, акцентируя внимание на реалистичности и жизненности образов.
• «Мастера старонидерландской гравюры» в Галерее графики Эрмитажа, охватывающая период с конца 1500 — 1510-х годов до середины 1580-х годов. На ней были представлены работы таких мастеров, как Лукас ван Лейден, Мартен ван Хермскерк, Франс Флорис, Питер Брейгель Старший, Ян ван дер Страт, что позволило глубоко погрузиться в специфику нидерландской школы гравюры.

Эти выставки не только делают уникальные произведения доступными для зрителей, но и способствуют углубленному научному исследованию, стимулируя создание каталогов и публикаций, которые становятся важными источниками для искусствоведов и студентов. Они подчеркивают живой диалог между музеем, его коллекциями и академическим сообществом.

Выдающиеся граверы и их вклад в развитие портретной гравюры

История гравюры XVI-XVIII веков неотделима от имен тех мастеров, которые не просто виртуозно владели техникой, но и совершали настоящие художественные революции, формируя новые подходы к изображению человека, его внутреннего мира и социального статуса. Их вклад в портретную гравюру, особенно в портреты художников, является фундаментальным для понимания развития этого жанра.

Альбрехт Дюрер: революция в ксилографии и «вечный памятник»

Альбрехт Дюрер (1471–1528) – одна из центральных фигур Северного Возрождения и, безусловно, один из главных мастеров гравюры в истории мирового искусства. Его влияние на развитие печатной графики трудно переоценить, особенно в жанре гравюры на дереве (ксилографии), где он совершил настоящую революцию.

До Дюрера ксилография часто воспринималась как более примитивная техника по сравнению с гравюрой на металле, с преобладанием контурного рисунка и ограниченными возможностями в передаче объема и тона. Однако Дюрер радикально реформировал традиционную манеру работы, применив технические приемы, сложившиеся в гравюре на металле, к ксилографии. Он начал использовать разнообразные штрихи – параллельные, перекрестные, точечные – для передачи формы предметов, объема, светотени и даже различных текстур. Это позволило ему достичь необычайной выразительности и тончайших градаций тона, что ранее считалось невозможным для гравюры на дереве. Таким образом, Дюрер сделал гравюру высоким искусством, способным состязаться с живописью, обогатив печатную графику приемами, впечатляющими своим разнообразием и сложностью. Его известные циклы, такие как «Апокалипсис», «Жизнь Марии» и «Страсти Христовы», хранящиеся в Эрмитаже, служат ярким доказательством этого новаторства.

В контексте портретов художников, Дюрер также был новатором. Его концепция «портрета за парапетом» символизировала стремление к созданию «вечного памятника» человеку и его деяниям уже при жизни. Этот тип портрета, продолживший традицию нидерландской живописи, изображал модель, часто погрудно или поясным, за невысоким барьером или подоконником. Кубическ��я форма в основании парапета в эпоху Возрождения служила мощным символическим знаком вечности, незыблемости и устойчивости. Парапет мог нести на себе латинскую надпись, прославляющую деяния, добродетели и внутренние качества изображенного человека. Такие надписи, часто выполненные элегантным шрифтом, подчеркивали академический и прославляющий характер портрета, утверждая бессмертие духа и творческого наследия художника. Что здесь важно? Дюрер не просто изображал человека, он стремился зафиксировать его вклад в историю, превращая портрет в монумент.

Рембрандт: мастер офорта и психологического портрета

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) – еще один титан европейского искусства, оказавший колоссальное влияние на развитие офорта. Он поднял эту технику до высокого и значительного вида искусства, став одним из величайших мастеров мировой графики. В Эрмитаже хранится одна из самых обширных коллекций его офортов, насчитывающая более 600 листов, что позволяет детально изучить его новаторский подход.

Рембрандт отличался исключительной смелостью в экспериментах с офортом. Он активно применял многократное травление, поочередно покрывая части доски лаком и вновь погружая ее в кислоту, чтобы добиться различных глубин и оттенков линий. Он мастерски использовал «сухую иглу» и резец, часто комбинируя несколько видов техник в одном офорте. Например, мягкий, бархатистый штрих сухой иглы мог сочетаться с четкими линиями резца и живописными эффектами офорта, создавая уникальное богатство текстур и тональных переходов.

Особое внимание Рембрандт уделял «затяжке» – растиранию краски на пластине. Этот прием позволял ему создавать тончайшие градации тона, мягкие переходы светотени, которые придавали его работам почти ирреальное, мистическое ощущение. Художник также экспериментировал с различными типами бумаги, например, использовал желтоватую «японскую бумагу» для более выразительных и теплых оттисков, способных лучше передать тонкие цветовые нюансы и глубину черного.

Новаторство Рембрандта проявлялось не только в технических приемах, но и в его подходе к изображению света. Свет стал структурным элементом в его офортах, не просто освещая, но и формируя пространство, выделяя главное, создавая драматическую экспрессию и глубокое психологическое раскрытие характеров. Он умело использовал разные состояния офортной доски (так называемые «состояния оттиска») как художественное средство, внося изменения в процессе печати, что позволяло ему создавать многомерные произведения искусства, каждое из которых уникально.

Другие знаковые мастера и их школы

Помимо Дюрера и Рембрандта, многие другие граверы и художники внесли значительный вклад в развитие портретной гравюры:

• Лукас ван Лейден (1494–1533): Один из самых значительных художников первой половины XVI века в Нидерландах, пионер Северного Возрождения и «открыватель» нидерландской гравюры для всего мира. Его ранние работы, такие как гравюра «Мухаммед и монах», созданная им в 14 лет, уже демонстрировали необычайную зрелость и мастерство. В серии из 9 круглых гравюр на меди «Страсти Христовы» (1509 год) он проявил глубокий психологический анализ персонажей и кропотливое изучение поз. Ему приписывают первенство в использовании меди вместо железа для офортов, что открыло новые возможности для тонкой работы. Его творчество отличается острыми сюжетами, характерными персонажами, тонкостью тонального перехода и мастерством штриха, сравнимым с Дюрером.
• Питер Пауль Рубенс (1577–1640): Хотя Рубенс не был гравером в прямом смысле, он создал уникальную систему мастерской, в которой собрал лучших граверов резцом своего времени. Такие мастера, как Корнелис Галле, Лука Ворстерман, Пауль Понциус и братья Болсверты, работали под его руководством, воспроизводя живописные оригиналы Рубенса и его учеников (Ван Дейка, Снайдерса, Йорданса). Эта система способствовала широчайшему распространению его стиля и иконографии по всей Европе, утверждая Рубенса как одного из самых влиятельных художников своей эпохи.
• Георг Фридрих Шмидт (1712–1775): Выдающийся художник-график XVIII столетия, оставивший заметный след в Германии, Франции и России. Его мастерство было признано французской академией живописи и скульптуры, которая приняла его в свои ряды за гравированный портрет Пьера Миньяра, выполненный по живописному оригиналу Гиацинта Риго. Шмидт олицетворяет виртуозность граверов XVIII века, способных передавать тончайшие нюансы живописного оригинала.
• Николо делла Каза (работал в Риме в 1543–1547): Примечателен тем, что выполнил автопортрет Баччо Бандинелли, знаменитого скульптора, в технике офорта и резца, демонстрируя раннее сочетание этих двух методов.
• Антонис ван Дейк (1599–1641): Блистательный портретист, который также занимался офортом. В его наследии есть портрет Адама Ван Норта, выполненный в этой технике, что подчеркивает его универсальность и интерес к графике.
• Французская школа XVII века: Клод Меллан и Роберт Нантёй были известными мастерами портретной гравюры во Франции. Их работы отличались исключительной чистотой линейного стиля и стремлением к глубокой передаче характера модели, часто с использованием одной непрерывной, изящно модулированной линии.
• Немецкая школа XVII-XVIII веков: Среди известных немецких граверов XVII века выделяется Мельхиор Кюзель (1626 – около 1683). В XVIII столетии важное место занимала гравюра, создаваемая гравером по собственному рисунку, примером чего является творчество Христиана Вильгельма Эрнста Дитриха (1712–1774), который не только гравировал, но и сам создавал оригинальные композиции. Крупнейшими художественными центрами, взрастившими немецких граверов с XVI века, были Аугсбург и Нюрнберг, где традиции гравюрного искусства были особенно сильны.

Вклад этих мастеров, каждый из которых привносил свои уникальные черты в гравюру, формировал богатое и многообразное наследие, представленное сегодня в собрании Государственного Эрмитажа.

История формирования и культурная значимость гравюрного собрания Эрмитажа

История формирования графического собрания Государственного Эрмитажа – это захватывающая повесть о коллекционировании, страсти к искусству, государственных приобретениях и щедрых дарениях, которая неразрывно связана с историей самого музея и, в особенности, с личностью его основательницы – императрицы Екатерины II. Эта коллекция, особенно ее часть, посвященная гравюрным портретам художников, имеет колоссальное значение не только для российского, но и для мирового искусствоведения и музееведения.

Первые приобретения и роль Екатерины II в основании коллекции

Годом основания Эрмитажа традиционно считается 1764-й. Именно тогда из Берлина в Зимний дворец прибыла крупная партия картин, купленная императрицей Екатериной II у готторпского купца И.Э. Гоцковского, ставшая основой дворцовой галереи. В том же году началось возведение особого павильона рядом с Зимним дворцом, получившего название Эрмитаж (от фр. *Ermitage* — место уединения), где разместились быстро растущие художественные коллекции императрицы.

Гравюры стали появляться в собрании Эрмитажа с самого начала его формирования. Изначально, в 1764 году, коллекция Екатерины II уже включала «38 000 книг и гравюр», что свидетельствует о первоначальном понимании гравюры как важной части просвещенного собрания. Однако настоящий импульс к развитию графического собрания дало приобретение в 1768 году более 5 тысяч рисунков из коллекции графа Кобенцля в Брюсселе. Эта коллекция была чрезвычайно богата и включала в себя такие раритеты, как «Портрет неизвестного» Жана Фуке – один из жемчужин французской графики XV века.

Основа собрания западноевропейской гравюры Эрмитажа сформировалась именно при Екатерине II, которая активно приобретала целые коллекции. Одним из важнейших поступлений стало приобретение коллекции Генриха фон Брюля в 1769 году. Брюль, министр саксонского курфюрста Августа III, был страстным коллекционером и собрал обширную библиотеку и коллекцию произведений искусства, включая гравюры. Его собрание значительно обогатило эрмитажные фонды, заложив прочную основу для будущих приобретений.

Систематизация этого огромного материала требовала специальных усилий. Так, в 1805 году был создан Кабинет эстампов, где около 157 тысяч листов гравюр были впервые систематизированы, что стало важным шагом в превращении собрания из частной коллекции в полноценный музейный фонд.

Вклад русских коллекционеров: Д.А. Ровинский и Ю.Б. Иверсен

После екатерининской эпохи коллекция продолжала расти и развиваться, во многом благодаря вкладу русских коллекционеров и меценатов. Среди них особо выделяются две фигуры, чьи имена навсегда вписаны в историю Эрмитажа.

Коллекция нидерландской гравюры Эрмитажа, например, формировалась кропотливо, с поступлениями от собрания Генриха фон Брюля до коллекции Ровинского. Дмитрий Александрович Ровинский (1824–1895) был не только известным юристом и государственным деятелем, но и выдающимся коллекционером, историком искусства и, по сути, основателем русской науки о гравюре. Его страсть к собирательству и глубокие знания позволили ему собрать уникальную коллекцию, насчитывавшую около 100 тысяч русских и западноевропейских гравюр. В 1897 году, по его завещанию, это бесценное собрание было передано Эрмитажу.

Особое значение в коллекции Ровинского имела западноевропейская графика, в частности, его собрание офортов Рембрандта и его школы, которое насчитывало 968 листов и являлось одним из самых полных в мире. Этот дар не только значительно пополнил эрмитажные фонды, но и обеспечил музею лидирующие позиции в изучении графического наследия великого голландца.

Еще одно существенное пополнение произошло в 1919 году, когда коллекция Эрмитажа обогатилась ценнейшим собранием известного нумизмата Юрия Борисовича Иверсена. Хотя Иверсен был известен прежде всего как нумизмат, его коллекция также включала значительное количество графических произведений, которые укрепили и расширили фонд музея.

Помимо крупных поступлений, коллекция пополнялась и другими путями, например, за счет приобретений, таких как часть уникальной коллекции О. и Л. Шушковых, в которой были собраны ценнейшие произведения изобразительного и декоративно-прикладного искусства Западной Европы IX – XVII веков.

Кураторская работа, публикации и доступность коллекции

Как уже отмечалось, большая часть собрания «старой» гравюры мастеров XV-XVIII веков доступна для изучения и осмотра только на временных выставках или в хранилище. Это обусловлено не только хрупкостью бумаги, но и особенностями техник, которые делают произведения чувствительными к внешним воздействиям. Такая ситуация накладывает особую ответственность на кураторов и хранителей, чья работа по обеспечению сохранности, изучению и каталогизации этих фондов является непрерывной и крайне важной.

Эрмитаж активно занимается научной и издательской деятельностью, посвященной графическим коллекциям. Издания серии «Галерея графики» Государственного Эрмитажа посвящены истории графики и истории коллекционирования, шедеврам прославленных мастеров, своеобразию техник и материалов. Эти каталоги, альбомы и монографии позволяют исследователям и ценителям искусства глубоко погрузиться в мир гравюры.

Кроме того, «Труды Государственного Эрмитажа», публикуемые с 1956 года, включают многочисленные научные статьи, в том числе по западноевропейскому искусству и графике. Это свидетельствует о непрерывной академической работе с коллекцией, ее постоянном изучении и осмыслении, что является залогом сохранения и приумножения ее культурной значимости. Таким образом, гравюрное собрание Эрмитажа не просто хранит произведения искусства, но и является живым организмом, постоянно исследуемым и интерпретируемым.

Роль, иконография и символика портретов художников в XVI-XVIII веках

Гравированный портрет художника в Западной Европе XVI-XVIII веков был гораздо больше, чем просто изображением. Он выполнял множество функций: от средства популяризации до сложного символического заявления о статусе и роли творца в обществе. Изучение его иконографии и символики позволяет глубже понять культурные и социальные процессы этой эпохи.

Портрет как средство популяризации и утверждения статуса

С XVI века, с развитием печатных технологий, гравированный портрет стал мощным инструментом тиражного искусства, обеспечивая беспрецедентную известность и широкое распространение изображений. Он подтверждал престиж изображенного лица и стимулировал интерес к нему не только среди элиты, но и среди более широких слоев населения. Художники, чьи портреты тиражировались в гравюре, обретали известность далеко за пределами своих городов и стран.

Гравюры XV-XVII веков выступали в роли своего рода предшественников фоторепортеров и хроникёров своего времени. Они фиксировали важнейшие события: битвы, осады городов, восхождения на трон монархов, торжественные церемонии. В этом контексте портреты художников также играли роль своеобразной хроники культурной жизни, представляя общественности лица тех, кто формировал художественный ландшафт эпохи. Таким образом, гравюра была одним из первых массовых искусств, способных распространять изображения и идеи с невиданной ранее скоростью и охватом. В Германии XVI века, например, портретная гравюра получила широчайшее распространение, став важной частью визуальной культуры. Разве это не показывает, как технологии могут радикально менять восприятие искусства и его роль в обществе?

Иконографические типы и их значение

Иконография гравированных портретов художников в XVI-XVIII веках развивалась, принимая различные формы, каждая из которых несла определенное смысловое наполнение. Иконографические источники для создания таких изображений могли быть разнообразными: от подготовительных рисунков и живописных портретов до скульптурных бюстов.

Среди основных иконографических типов выделяются:

• Погрудное или поясное изображение на нейтральном фоне: Это был наиболее распространенный и классический тип, позволяющий сосредоточиться на чертах лица, выражении, характере модели. Простота фона подчеркивала значимость изображенной личности.
• Портрет, заключенный в раму с посвятительными и авторскими текстами: Многие гравированные портреты, особенно в XVI-XVII веках, были оформлены в сложную архитектурную или орнаментальную раму. Сверху и снизу от изображения располагались латинские или национальные надписи. Они могли содержать посвящения меценатам, панегирики, биографические сведения о художнике, его достижениях, а также информацию об авторе гравюры и оригинального произведения. Такой портрет мог служить как самостоятельной листовкой, распространяемой среди ценителей искусства, так и иллюстрацией к повествованию в книге – биографическому сборнику, художественному трактату или каталогу, что еще раз подчеркивает его роль в распространении информации и идей.

Особое значение приобрела концепция «портрета за парапетом», которую активно использовал, например, Альбрехт Дюрер. Этот тип портрета, продолживший традицию нидерландской живописи, изображал модель за невысоким барьером, подоконником или каменной плитой, создавая ощущение дистанции между зрителем и изображенным. В эпоху Возрождения такой парапет воспринимался не просто как элемент композиции, но как символический барьер, отделяющий земное от вечного. Дюрер использовал этот прием для создания «вечного памятника» человеку и его деяниям уже при жизни, символизируя бессмертие духа и творческого наследия. Кубическая форма, часто лежащая в основании парапета или изображенная на нем, в эпоху Возрождения служила мощным символическим знаком вечности, незыблемости и устойчивости. Как и в древности, на парапете могла размещаться латинская надпись с прославлением деяний и внутренних качеств человека, что придавало портрету характер мемориального или торжественного заявления. Многие гравированные портреты художников, особенно немецкой школы XVI века, сопровождаются такими латинскими надписями, что подчеркивает их академический и прославляющий характер, утверждая высокий статус творческой личности.

Концепция «disegno» и возросший статус художника в обществе

В XVI веке в Италии, особенно благодаря трудам Джорджо Вазари, слово «disegno» (дизеньо) было наделено особым, глубоким смыслом. Изначально означая «рисунок» или «набросок», Вазари поднял его до уровня фундаментальной эстетической и философской категории. Для него «disegno» стало термином, означающим выраженную в рисунке общую идею, лежащую в основе любого произведения искусства, будь то живопись, скульптура или архитектура. Это была не просто технический навык, а интеллектуальная концепция, предшествующая и направляющая материальное воплощение.

Такое концептуальное понимание «disegno» напрямую отражало возросший статус художника в обществе. От простого ремесленника, каким его часто считали в Средние века, художник превращался в интеллектуала, мыслителя, творца, обладающего божественным даром созидания. Портретные гравюры художников этого периода, с их часто серьезным, задумчивым выражением лица, атрибутами, намекающими на интеллектуальный труд (например, книги, инструменты), и прославляющими латинскими надписями, служили визуальным подтверждением этого нового статуса. Они не просто показывали внешность человека, но и утверждали его как носителя идеи, как творца, который через «disegno» способен постичь и воплотить универсальные принципы красоты и гармонии. Эта эволюция от ремесла к свободному искусству, от простого изображения к символическому утверждению гения, находит яркое отражение в богатой коллекции гравированных портретов Эрмитажа.

Заключение

Исследование коллекции гравюрных портретов западноевропейских художников XVI-XVIII веков в Государственном Эрмитаже позволило не только систематизировать значительный объем информации, но и углубить понимание многомерного феномена, выходящего за рамки простой визуализации. Мы убедились, что эта коллекция является не только обширной и количественно впечатляющей, насчитывая более 65 тысяч портретных листов, но и обладает исключительной научной и художественной ценностью, представляя собой панораму европейского графического искусства трех столетий. Какой важный нюанс здесь упускается? За этими цифрами и именами скрывается живая история взаимодействия художников и их эпох, что делает каждое произведение не просто экспонатом, но и капсулой времени, хранящей в себе дух давно ушедших времен.

Доклад расширил понимание как технических аспектов гравюры – от тонкости резца и живописности офорта до бархатистости меццо-тинто и виртуозности комбинированных техник, – так и социокультурной роли портрета художника. Было показано, что гравюра служила мощным инструментом популяризации, утверждения статуса творческой личности и распространения идей, а иконографические элементы, такие как «портрет за парапетом» и латинские надписи, несли глубокое символическое значение, прославляя художника как интеллектуала и творца.

Отдельное внимание было уделено истории формирования коллекции, начиная с просвещенной деятельности Екатерины II и заканчивая неоценимым вкладом русских коллекционеров, таких как Дмитрий Александрович Ровинский, чей дар офортов Рембрандта стал одним из крупнейших в мире. При этом была подчеркнута специфика кураторской работы с графикой, обусловленная хрупкостью материала и требующая особых условий хранения и экспонирования, что делает временные выставки и научные публикации Эрмитажа ключевыми для доступа к этим сокровищам.

Перспективы дальнейших исследований в этой области огромны. Они могут включать более детальный анализ конкретных серий портретов, сравнительный анализ иконографии художников разных национальных школ, а также изучение влияния социально-экономических факторов на развитие и восприятие гравюрного портрета. Несомненно, коллекция Государственного Эрмитажа остается неисчерпаемым источником для новых открытий в мире западноевропейской графики.

Список использованной литературы

1. Большая Советская Энциклопедия.
2. Гравюра в 17м и 18м веках. URL: https://oldgravure.ru/gravjura-v-17m-i-18m-vekax/ (дата обращения: 27.10.2025).
3. Гравюра: основные виды техник. URL: https://v-art.center/gravyura-osnovnye-vidy-texnik/ (дата обращения: 27.10.2025).
4. Гравюра. Дальневосточный художественный музей. URL: https://www.fegallery.ru/articles/gravyura (дата обращения: 27.10.2025).
5. Немного о гравюре. URL: https://www.museum.ru/N38973 (дата обращения: 27.10.2025).
6. FECIT AD VIVUM. Портреты художников в западноевропейской гравюре XVI — XVIII веков. URL: https://artinvestment.ru/news/exhibitions/20131121_fecit_ad_vivum.html (дата обращения: 27.10.2025).
7. Fecit ad vivum. Портреты художников в западноевропейской гравюре XVI-XVIII веков. URL: https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/news/state-hermitage-news/2009/news_140/ (дата обращения: 27.10.2025).
8. Западноевропейская гравюра — Эрмитаж. URL: https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/explore/collections/category/15394 (дата обращения: 27.10.2025).
9. Основные иконографические типы портретных изображений в немецкой гравюре XVI века. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/osnovnye-ikonograficheskie-tipy-portretnyh-izobrazheniy-v-nemetskoy-gravyure-xvi-veka (дата обращения: 27.10.2025).
10. Альбом. Портреты художников в западноевроп. гравюре XVI-XVIII вв. СПб.: Изд-во Гос. Эрмитажа, 2009. Масюлионите Н.К.
11. Очерки по истории и технике гравюры. URL: https://litlife.club/books/318042/read?page=93 (дата обращения: 27.10.2025).
12. Немецкая живопись и гравюра XVII – начала XX века. URL: https://www.artmuseum.by/ru/vystavki/proshlye-vystavki/nemetskaya-zhivopis-i-gravyura-xvii-nachala-xx-veka (дата обращения: 27.10.2025).
13. «Мастера старонидерландской гравюры»: гид по выставке в Эрмитаже. URL: https://tochka.art/news/masters-of-old-netherlandish-engraving (дата обращения: 27.10.2025).
14. История Эрмитажа в электронной коллекции Президентской библиотеки. URL: https://tochka.art/news/history-of-the-hermitage (дата обращения: 27.10.2025).
15. Мастер и его творение. В Иркутском художественном музее проходит выставка из собраний Эрмитажа. URL: https://vsp.ru/2011/10/04/master-i-ego-tvorenie/ (дата обращения: 27.10.2025).
16. Гравер короля. Король гравюры. URL: https://spbvedomosti.ru/news/culture/graver-korolya-korol-gravyury/ (дата обращения: 27.10.2025).
17. Галерея графики — Государственный Эрмитаж. URL: https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/explore/collections/category/15396 (дата обращения: 27.10.2025).
18. Труды Государственного Эрмитажа. URL: https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/science/publications/hermitage-proceedings/ (дата обращения: 27.10.2025).
19. Серия «Галерея графики». URL: https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/science/publications/graphic-art-gallery-series/ (дата обращения: 27.10.2025).
20. Граверы и художники: конфликты и сотрудничество. URL: https://www.artmajeur.com/ru/magazine/2-graver-i-ego-xudozhnik-konflikt-i-sotrudnichestvo/331398 (дата обращения: 27.10.2025).
21. Приобретение произведений искусства Западной Европы IX – XVII веков. URL: https://hermitagefoundation.ru/news/priobretenie-proizvedenij-iskusstva-zapadnoj-evropy-ix-xvii-vekov/ (дата обращения: 27.10.2025).
22. Гравюры Альбрехта Дюрера впервые показали за пределами Эрмитажа. URL: https://culture.ekburg.ru/news/63/121876/ (дата обращения: 27.10.2025).
23. Hermitage Online. От картины к гравюре и обратно. Собрание Отделения гравюр Эрмитажа. URL: https://www.youtube.com/watch?v=F0S5c7JgWjY (дата обращения: 27.10.2025).
24. Выставка «Французская манера. Гравюры и рисунки XV – начала XVII века». URL: https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/news/state-hermitage-news/2019/news_456/ (дата обращения: 27.10.2025).