История русского искусства: комплексный анализ стилей, периодов и социокультурных трансформаций

История русского искусства — это не просто хроника стилей и имен, а живой организм, отражающий тысячелетние трансформации общества, веры и мировоззрения. Подобно древним летописцам, мы обращаемся к произведениям, чтобы прочесть в них отголоски эпох, понять стремления и идеалы поколений. В рамках данного академического исследования мы предпримем глубокое погружение в русский художественный ландшафт, охватывающий период с IX века до начала XX века. Актуальность такого анализа для современного искусствоведения и культурологии обусловлена необходимостью не только систематизировать знания о прошлом, но и выявить глубинные взаимосвязи между искусством и общественными процессами, которые формировали уникальный облик России.

Данная работа ставит своей целью не просто обзор, а комплексное, междисциплинарное изучение истории русского искусства. Мы последовательно рассмотрим этапы его развития, ключевые стили и проявления, уделяя особое внимание социокультурным факторам, которые определяли эти этапы. Отдельное внимание будет уделено углубленному анализу архитектуры и истории русского костюма – двух областей, наиболее ярко демонстрирующих как европейские влияния, так и самобытность национальной культуры. Такой подход позволит студенту гуманитарного или искусствоведческого вуза не только освоить базовые знания, но и сформировать целостное представление о богатстве и сложности русского художественного наследия, подготовив фундамент для создания полноценной и оригинальной курсовой работы.

Методологические основы исследования русского искусства

Изучение истории русского искусства — это многогранный процесс, требующий не только обширных знаний, но и владения разнообразными аналитическими инструментами. Методология, применяемая в современном искусствоведении, представляет собой сложный комплекс подходов, призванных обеспечить строгость, глубину и объективность анализа. Она призвана помочь студентам в профильных занятиях по архитектурному проектированию, формируя художественно и содержательно осмысленный подход к собственному творчеству, а также осознать место и своеобразие русского изобразительного искусства среди мировых художественных ценностей. Для этого в лекциях используются дополнительные примеры из ранее изученного курса истории зарубежного искусства, включая раннехристианское, византийское и средневековое искусство, что помогает при сравнительном анализе.

Историко-культурный и сравнительный анализ

В основе изучения эволюции стилей и взаимосвязей русского искусства лежит историко-культурный метод. Этот подход позволяет рассматривать произведения искусства не как изолированные феномены, а в тесной связи с социальными, культурными, экономическими и политическими процессами эпохи. Применяется историко-генетический метод, который прослеживает зарождение и развитие художественных явлений, выявляя их корни и трансформации на протяжении времени. Например, при анализе древнерусского искусства, историко-культурный метод позволяет понять, как языческие традиции восточных славян взаимодействовали с византийским влиянием, формируя уникальный синтез, что является ключом к пониманию ранних этапов становления национального стиля.

Сравнительно-исторический метод становится незаменимым инструментом для сопоставления русского искусства с византийским и западноевропейским искусством. Это не только позволяет выявить общие черты и заимствования, но и, что особенно важно, подчеркнуть уникальные особенности и самобытность русской художественной традиции. Например, при изучении древнерусской иконописи, сравнение с византийскими образцами позволяет увидеть, как русские мастера творчески интерпретировали каноны, придавая им свои национальные черты.

Диахронический метод, охватывающий изучение объекта в его развитии во времени, дополняет эти подходы, позволяя проследить эволюцию стилей и жанров через столетия. Работа с литературными, документальными и архивными источниками является фундаментальной частью историко-культурного метода, обеспечивая надежную фактическую базу для анализа.

Иконографический и формально-стилистический методы

Когда речь заходит о детальном исследовании конкретных произведений искусства, в дело вступают более специализированные методы.

Иконографический метод сосредоточен на атрибуции изображенных персонажей, трактовке сюжетов и интерпретации символического смысла элементов изображения. Он основан на глубоком знании устойчивых изобразительных систем, канонов и традиций, что особенно важно при изучении древнерусской иконописи, где каждый жест, цвет и предмет несет определенный богословский или символический смысл. Иконография помогает понять «что» изображено и «каково» его значение в рамках заданной культурной парадигмы.

Параллельно с ним используется формально-стилистический метод. Он ориентирован на анализ приемов изобразительной техники, исследование особенностей художественной манеры и образно-пластического языка произведения в целом. Этот метод позволяет углубиться в «как» произведение создано: как художник использовал цвет, линию, композицию, свет и тень для достижения определенного эстетического и выразительного эффекта. Например, при анализе фресок или икон, этот метод позволяет выявить характерные черты новгородской, московской или псковской школ, определить индивидуальный почерк мастера.

Междисциплинарные подходы

Современное искусствоведение не ограничивается рамками чисто художественного анализа. Для глубокого и всестороннего понимания искусства необходима интеграция междисциплинарных подходов.

Социологические аспекты позволяют изучать влияние социальных структур, классов и общественных движений на развитие искусства. Например, как промышленная революция или изменения в социальной формации государств (как в случае с Российской империи) отразились на художественной жизни, появлении новых жанров или изменении запросов к искусству.

Культурологические аспекты помогают рассматривать искусство как часть более широкого культурного контекста, выявляя его связи с философией, религией, литературой и повседневной жизнью. Именно культурологический подход позволяет осознать, например, как языческие традиции восточных славян продолжали существовать в христианской культуре Древней Руси, проявляясь в синкретизме праздников и обрядов.

Психология искусства, включая психологию зрительного восприятия, позволяет понять, как произведение воздействует на реципиента, какие эмоции и ассоциации оно вызывает. Это особенно актуально при изучении иконописи, где икона рассматривается как «художественный текст», доступный как грамотным, так и неграмотным, подчиняющийся определенным правилам зрительного восприятия, обусловленным ее функциональной направленностью как посредника между миром «дольним» и «горним».

Таким образом, комплексное применение этих методов – историко-культурного, сравнительного, иконографического, формально-стилистического и междисциплинарного – обеспечивает всесторонний и глубокий анализ истории русского искусства, позволяя не только описать его развитие, но и понять его сущность и значение в контексте мировой культуры.

Древнерусское искусство (IX-XVII вв.): От истоков до Московского царства

Погружение в древнерусское искусство – это путешествие во времени, к истокам национальной идентичности, где каждый артефакт, будь то фреска, икона или архитектурный памятник, несет в себе отголоски ушедших эпох. Этот обширный период, охватывающий IX-XVII века, стал временем формирования и кристаллизации уникального художественного мира, явившегося результатом сложного синтеза восточнославянских традиций и мощного византийского влияния. Он подразделяется на два основных этапа: искусство Киевской Руси (IX — первая треть XII века) и искусство во времена формирования Московского государства (первая четверть XVI—XVII века).

Дохристианский и христианский периоды: Синтез культур

Истоки древнерусского искусства неразрывно связаны с формированием державы Рюриковичей и богатым культурным наследием восточных славян, включавшим кузнечное дело, резьбу по камню и дереву, а также древние сказания. До принятия христианства, в период с IX до конца X века, на Руси доминировала языческая вера с политеизмом, поклонением и идолам, и верой в мистических существ. Эта первозданная культурная основа, впитавшая достижения окружавших Русь народов – хазар, булгар, печенегов, половцев, угро-финнов и балтов – заложила тот глубокий пласт, на котором предстояло вырасти новой, христианской цивилизации.

Переломным моментом стало Крещение Руси в 988 году. Это событие не только изменило духовный вектор развития государства, но и привело к включению Древнерусского государства в круг стран Византийского содружества, открыв широкие каналы для византийской культуры. Однако, вопреки ожиданиям полного вытеснения, языческие традиции восточных славян не исчезли бесследно, а слились с христианским мировосприятием. Произошло уникальное явление религиозного синкретизма, когда многие христианские праздники были приурочены к датам языческих празднований.

Рассмотрим примеры этого удивительного слияния:

• Коляда (праздник зимнего солнцестояния) органично совпала с Рождеством Христовым.
• День бога Велеса (покровителя скота) трансформировался в День святого Власия (покровителя животных).
• Масленица (отмечаемая за 50 дней до Пасхи) приобрела новые смыслы рядом с Благовещением.
• День бога Ярилы (бога весны) стал ассоциироваться с Перенесением мощей святого Николая Весеннего.
• Языческая троица Триглав обрела параллели со Святой Троицей.
• День Ивана Купалы слился с Рождеством Иоанна Крестителя.
• День бога Перуна был приурочен ко Дню святого Илии Пророка.
• Праздник рожениц нашел свое отражение в Рождестве Богородицы.

Этот синтез не просто наполнил новые формы старым содержанием, но создал уникальную духовную ткань, которая пронизала все сферы древнерусской культуры, включая искусство. Принятие христианства способствовало бурному развитию зодчества и живописи в средневековых формах, распространению кириллической письменности и книжной традиции, а также формированию новых ремёсел, таких как каменное зодчество, мозаика и иконопись. Кириллица, разработанная в Первом Болгарском царстве учениками Кирилла и Мефодия, проникла в Древнюю Русь в конце X века и к XI веку стала главным алфавитом всех восточнославянских народов.

Архитектура: Каменное зодчество и его особенности

С приходом христианства на Русь пришло и монументальное каменное зодчество. Византийские мастера, а затем и их русские ученики, начали возводить храмы, которые стали не только центрами духовной жизни, но и символами новой веры и государственности. Главным типом планировки, заимствованным из Византии, стал крестово-купольный храм.

Первой каменной храмовой постройкой после Крещения Руси стала Десятинная церковь в Киеве, возведенная в конце X века. За ней последовали знаменитые Софийские соборы в Киеве и Новгороде, а также Успенский собор во Владимире. Эти грандиозные сооружения не только поражали своими размерами и великолепием, но и служили проводником форм классической культуры и византийской иконографии.

Важной особенностью древнерусского зодчества, как и всего искусства того времени, был глубоко укоренившийся патриотизм. Этот мотив и призыв к объединению народных сил против внешних врагов ярко выражался не только в архитектуре, которая своей монументальностью символизировала мощь государства, но и в литературных произведениях. Такие шедевры, как «Слово о полку Игореве» (вторая половина XII века), «Задонщина» и «Сказание о Мамаевом побоище» (XIV–XV века), отражали общественно-патриотический подъем и идею братолюбия и самопожертвования во имя единства Русской земли в период борьбы с монголо-татарским игом. Архитектура, с ее устремленными ввысь куполами и могучими стенами, воплощала эту идею защиты и стойкости, становясь зримым символом национального духа. Как эти монументальные строения вдохновляли людей веками, так и они по-прежнему поражают наше воображение сегодня?

Живопись: Иконопись, фрески и мозаики

Живопись Древней Руси, как и архитектура, развивалась под мощным влиянием Византии, но при этом приобрела свои неповторимые черты. Иконопись, фрески и мозаики были важнейшими видами изобразительного искусства, отражающими мировоззрение и эстетические идеалы того времени.

Иконопись, возникшая под византийским влиянием, быстро стала главным способом Богообщения. Икона была не просто изображением, а окном в иной мир, посредником между человеком и Богом, что было невероятно важным для русской культуры в целом. Русские мастера не просто копировали византийские образцы, но творчески интерпретировали их, придавая им свои уникальные черты.

Отличия между византийскими и древнерусскими иконами были существенными:

Признак	Византийская иконопись	Древнерусская иконопись
Фигуры	Более вытянутые, утонченные, идеализированные	Часто приземистые, массивные
Лики	Строгие, аскетичные, глубокие	Крупные, выразительные, с особым внутренним светом
Линии	Изящные, тонкие, ритмичные	Тяжелые, подчеркнутые, создающие ощущение монументальности
Композиция	Часто многослойная, сдержанная, глубинная	Плоскостные композиции, открытые, «выступающие» к зрителю
Светотеневая лепка	Мягкая, моделирующая объемы, создающая иллюзию пространства	Контрастная, четкая, порой экспрессивная
Орнаментальное начало	Присутствует, но подчинено общей гармонии	Более выражено, активно используется в деталях одежды и фона
Эмоциональность	Сдержанная, возвышенная	Более открытая, доступная, иногда драматичная

В Домонгольской Руси также активно развивалось мозаичное ремесло, заимствованное из Византии. Мозаики, переливающиеся золотом и насыщенными цветами, украшали интерьеры храмов, создавая ощущение неземного великолепия. Примеры сохранились в Софийском соборе в Киеве, где центральное место на куполе занимало изображение Христа Пантократора, а в своде главного алтаря — Богоматери Оранты. Фрагменты мозаик были обнаружены в районе Десятинной церкви в Киеве, а из Михайловского Златоверхого монастыря сохранились такие шедевры, как «Евхаристия», «Архидьякон Стефан», «Архидьякон Фаддей» (ныне в Киевском Софийском музее) и «Дмитрий Солунский» (ныне в Третьяковской галерее). Однако мозаичное ремесло просуществовало недолго, только до начала XII века. Оно было вытеснено фресками, которые допускали более гибкую технику и не были ограничены необходимостью подбора цветных камней и стекол. Трудоемкая мозаика постепенно уступила место более простой в исполнении фреске, а монголо-татарское нашествие и вовсе прервало стекольное производство на Руси, которое возобновилось только в XVII веке.

В XII веке важным центром художественной жизни становится Новгород. Здесь выработался особый стиль, проявлявшийся в суровой простоте и сдержанном величии фресок и икон, отражавший сильное народное воздействие. Примером новгородского стиля XII века является храм Спаса Нередицы, заложенный в 1198 году князем Ярославом Всеволодовичем.

Золотой век иконописи и кризис XVII века

С переходом к Московской Руси в XIV-XV веках живопись начала развиваться в новых направлениях, отражая изменения в общественной и религиозной жизни. XIV век стал временем расцвета самостоятельного художественного направления в Москве, отражавшего идеи борьбы за освобождение Руси от монголо-татарского ига и создания единого общерусского государства. Этот период по праву считается «золотым веком русской иконописи», когда возникли и расцвели новгородские, псковские, московские, тверские, вологодские и ростовские школы живописи. Основной темой русской иконографии стало создание образа Богоматери, насчитывается более 800 типов таких икон. Новгородская иконопись этого периода отличалась изображением одного святого или нескольких в фас, а псковская — особыми типами лиц и смелостью композиции. Выдающимися мастерами этой эпохи стали Андрей Рублев, Феофан Грек и Дионисий, чьи работы являются вершинами древнерусского искусства, воплощая духовность, гармонию и глубокое понимание человеческой души.

Однако в XVII веке иконописание столкнулось с глубоким кризисом. Несмотря на утверждения о прогрессивном переходе к перспективе и реализму, произошли значительные изменения, которые привели к деградации традиционных принципов. Кризис был вызван комплексом факторов:

• Обмирщение церковной жизни: Утрата прежней духовной строгости и проникновение светских веяний в церковную среду.
• Сознательное подражание Западу: Желание перенять западноевропейские художественные приемы, которые, однако, не всегда органично вписывались в православный канон.
• Коммерциализация иконы: Икона стала товаром, что снизило требования к ее духовному и художественному качеству.

Эти факторы привели к утрате величественной простоты и классической мерности иконных образов. Характерными стали сложные, многофигурные композиции, мелкое, дробное письмо деталей. Информативность стала превалировать над символизмом, что привело к примитивизации духовного содержания. Иконопись стала делом государственных интересов, но при этом ушла из-под контроля Церкви, что негативно отразилось на качестве. Ярким примером направления стала Строгановская школа, отличавшаяся иконной миниатюрой, тщательным мелким письмом, изощренным рисунком и полихромным колоритом с серебром и золотом.

В этот период возник новый жанр – парсуна (от лат. persona — «личность, лицо»), светский портрет, выполненный иконописными средствами. Парсуна стала своего рода мостом между иконописью и зарождающимся светским искусством. Протопоп Аввакум, один из виднейших деятелей старообрядчества, в своих сочинениях резко критиковал «живоподобие» в «новых» иконах, указывая на их западное (католическое) происхождение и отход от канонической традиции, что свидетельствует о глубоком внутреннем конфликте, переживаемом русским искусством на пороге нового времени.

Русское искусство XVIII века: Становление светской культуры и европейские веяния

XVIII век в истории России – это эпоха грандиозных перемен, начало которых было положено Петром I. Эти трансформации затронули все сферы жизни, включая искусство, которое из преимущественно религиозного и канонического стало стремительно развиваться в направлении светской культуры, активно впитывая европейские веяния. Это был период становления национальной художественной школы, отмеченный как радикальными реформами, так и поиском собственной идентичности.

Реформы костюма Петра I и Екатерины II: Европейский вектор и национальные отголоски

Начало XVIII века ознаменовалось революционными изменениями в дворянском костюме. Указы Петра I 1700-1701 годов предписывали обязательное ношение европейской одежды, что стало символом отказа от «старомосковского» быта и ориентации на западные стандарты. Мужчины-дворяне и горожане должны были носить короткие кафтаны и камзолы, штаны-кюлоты, длинные чулки, башмаки с пряжками, белые парики или напудренные волосы, а также — брить бороды. Сопротивление реформам было значительным, особенно среди купечества и горожан, для которых борода была символом статуса и веры. В связи с этим, 5 сентября 1698 года Петром I был введен налог на бороду, подтвержденный указом 16 (27) января 1705 года. Размеры пошлины варьировались: царедворцы, дворяне и чиновники платили 60 рублей в год; купцы 1-й статьи — 100 рублей; средней и мелкой статьи, посадские люди — 60 рублей; слуги, ямщики, извозчики, церковные причетники — 30 рублей. Крестьяне платили 2 деньги при въезде и выезде из города. Для контроля выдавался специальный металлический жетон — бородовой знак, служивший квитанцией об уплате налога и дававший право носить бороду в течение года.

Женский костюм также претерпел изменения, включив плотно облегающий лиф с глубоким декольте, широкую юбку, туфли на высоких каблуках и парик, а также требовалось белиться и румяниться. Любопытно, что уже в 1718 году появился указ, предписывающий ношение одежды из российских мануфактур, что способствовало развитию отечественного производства тканей. Указ «Велеть людям боярским Либерии (ливреи) или платья носить из сукон российской мануфактуры, а заморских не носить» хотя и был направлен на развитие местной промышленности, но при этом многие мануфактуры, производившие ткани, находились под управлением иностранцев.

В 1730-1740-е годы русский придворный костюм попал под мощное влияние стиля рококо, который принес с собой изысканную роскошь и утонченность. Появились платья на пышных фижмах, ширина которых иногда достигала 2,5 метров, корсажи-корсажи, большие декольте, обилие вышивки золотыми и серебряными нитями, блестками. Мужской костюм включал рубашки, камзолы из шелковых тканей, бархата, парчи, подбитые мехом, короткие штаны-панталоны, чулки и башмаки.

Эпоха Екатерины II (вторая половина XVIII века) принесла новый виток в эволюции костюма. Указом 1782 года «Об уборе дам, имеющих приезд ко двору» императрица предписала шить придворные костюмы из русских парчовых и шелковых тканей, рекомендовала соблюдать «более простоту и умеренность в образе одежды» и ограничила ширину отделки платьев и высоту головных уборов (не шире двух вершков или 9 см). Более того, один из указов Екатерины определял форму придворного женского платья в праздники — национальный сарафан, распашную одежду из дорогой ткани, надевавшуюся на корсаж и каркасную юбку. Наблюдалось увлечение стариной и имитация древнерусских одежд, когда дамы являлись во дворец в сарафанах и высоких кокошниках, что стало своего рода «национальными отголосками» в придворной моде. В конце века, под влиянием Великой французской революции, в России распространились тонкие платья-рубашки с высокой талией, прически с локонами или греческими узлами, мягкие туфли без каблуков, что отражало стремление к естественности и простоте. При этом крестьяне на протяжении всего XVIII века сохраняли традиционные формы одежды: рубахи, порты, кафтаны, лапти с онучами, а женщины – рубахи, сарафаны, юбки-поневы, душегрейки.

Архитектура: От нарышкинского барокко к елизаветинскому и рококо

Архитектура XVIII века в России демонстрирует удивительное разнообразие стилей, отражающее как национальные традиции, так и интенсивное европейское влияние.

Переход от XVII к XVIII веку ознаменовался расцветом Московского барокко, также известного как нарышкинское барокко (1680-е — 1710-е годы). Этот стиль тесно связан с традициями архитектуры Древней Руси и является её органичным продолжением. Для него характерны:

• Многоярусность церквей, устремленность ввысь, напоминающая о шатровых храмах.
• Сочетание красного кирпича стен с белыми резными белокаменными элементами, создающее яркий и нарядный контраст.
• Использование ордерных элементов (колонны, полуколонны) и декоративных мотивов западноевропейского барокко и позднего ренессанса (разорванные фронтоны, раковины, картуши, маскароны), но в более умеренном и изящном ключе.
• Пронизывающая вертикальная энергия и пышные волны узоров, создающие ощущение праздничности и динамики.

В отличие от петровского барокко, в создании архитектуры нарышкинского стиля отметились в основном русские мастера. Примеры включают Церковь Покрова в Филях (1690—1694 гг.), Надвратную церковь Покрова Пресвятой Богородицы в Высоко-Петровском монастыре, Троицкую церковь в Троице-Лыково (1698—1703 гг.), Церковь Воскресения в Кадашах, Успенскую церковь на Покровке, храм иконы Божией Матери «Знамение» на Шереметевом дворе (1680-е гг.), Большой собор Донского монастыря.

С началом петровских реформ в Петербурге формируется Петровское барокко (начало XVIII века). Оно было радикально иным и отражало новую государственную идеологию:

• Строгая геометрия фасадов, отсутствие излишней пышности.
• Минимализм в декоративных деталях (пилястры, не отделяющиеся от плоскости стены).
• Умеренные размеры и сдержанная цветовая гамма (бежевый, серый, светло-зеленый, иногда красный или синий).
• Завершения зданий часто имели островерхие шпили или криволинейные крыши с окнами-люкарнами.

Примеры: Петропавловский собор, Меншиковский дворец на Васильевском острове, Здание Двенадцати коллегий, Кунсткамера, Адмиралтейство.

Середина XVIII века, особенно период правления Елизаветы Петровны, стала временем расцвета Елизаветинского барокко. Это был период общественного подъема и расцвета искусств, в 1757 году в Петербурге была основана Академия художеств, а в 1755 году — Московский университет. Для елизаветинского барокко характерны:

• Богатая декоративная отделка, монументальные сооружения и яркие цветовые акценты.
• Ощущение динамики, создаваемое ритмом одиночных и сгруппированных колонн и пилястр.
• Внимание к внутреннему пространству, создание сложных анфиладных систем и парадных лестниц.

В этот период было построено множество роскошных дворцов, в основном по проектам Бартоломео Растрелли. Примеры: Строгановский дворец, Шереметевский дворец, Зимний дворец (Эрмитаж).

К этому же периоду относится и стиль рококо, который в России проявился в основном в интерьерах, отличаясь легкостью, изяществом, асимметрией и обилием орнамента.

Живопись и скульптура: Формирование национальной школы и вклад мастеров

Развитие светской культуры в XVIII веке привело к формированию национальной школы живописи и скульптуры. В первой половине века значительный вклад внесли Иван Никитич Никитин (около 1680—1741) и Роман Никитич Никитин (1691—1753/1754). Иван Никитин считается одним из основоположников русской школы светской живописи, особенно портретного жанра в стиле петровского барокко. Он стремился передать психологическую достоверность и реалистическую убедительность, избегая лести. Среди его работ — портреты Петра Великого, в том числе «Пётр I на смертном ложе», а также «Портрет А. К. Швальбе». Роман Никитин также был живописцем, работал в Париже, и его творчество включало церковную живопись, а из сохранившихся работ известен «Портрет Вассы Строгановой».

В середине XVIII века в Россию активно приезжали иностранные мастера, которые оказали значительное влияние на развитие русского искусства, привнося европейские художественные традиции. Среди них были живописец Пьетро Ротари, портретист Георг Христофор Гроот, театральный декоратор Джузеппе Валериани, исторический живописец Стефано Торелли и портретист Луи Токке. Их работы и педагогическая деятельность способствовали внедрению новых техник и стилей.

Однако истинный расцвет национальной школы произошел благодаря Академии художеств, основанной в 1757 году. Она стала кузницей талантов, воспитавшей плеяду выдающихся русских мастеров. Среди них:

• Живописцы: Антон Лосенко — основоположник русского исторического жанра; Дмитрий Левицкий — мастер парадного и камерного портрета, отличавшийся глубоким психологизмом; Владимир Боровиковский — выдающийся портретист, чьи работы пронизаны сентиментальностью и лиризмом.
• Скульпторы: Федот Шубин — один из крупнейших мастеров классицизма, создавший галерею портретных бюстов; Михаил Козловский — автор монументальных и героических композиций.

Таким образом, XVIII век стал временем радикальной трансформации русского искусства. Отказ от жестких канонов древнерусского периода, активное освоение европейских стилей (барокко, рококо, ранний классицизм) и создание собственной академической школы заложили фундамент для дальнейшего бурного развития, ведущего к расцвету национального самосознания в XIX веке.

Русское искусство XIX века: Национальное самосознание и расцвет реализма

XIX век в России – это эпоха, наполненная драматическими событиями и грандиозными культурными достижениями, которые сформировали облик национального искусства. Первая половина столетия прошла в обстановке всенародного подъема, связанного с Отечественной войной 1812 года, что определило характер русской культуры, наполнив ее героическим пафосом и стремлением к самобытности. Этот период стал временем утверждения классицизма, расцвета романтизма и, главное, формирования и утверждения реализма как доминирующего направления.

Архитектура и скульптура: Русский ампир и героический классицизм

В начале XIX века преобладающим направлением в литературе и искусстве был классицизм, стремившийся к воплощению идей просветительской философии о гармоничном общественном строе. Главенствующий архитектурный стиль этого времени – зрелый или высокий классицизм, часто именуемый русским ампиром. Этот стиль отличался монументальностью, строгими формами, использованием античных ордеров и символики, призванной прославлять мощь империи и ее победы.

Крупнейшими архитекторами эпохи классицизма были:

• В Санкт-Петербурге: А. Н. Воронихин (Казанский собор), Тома де Томон (здание Биржи на Стрелке Васильевского острова), А. А. Захаров (Адмиралтейство), К. И. Росси (Михайловский дворец, ансамбли Дворцовой и Сенатской площадей), В. П. Стасов (Нахимовское училище, казармы Павловского полка).
• В Москве: О. И. Бове (Большой театр, Манеж, Триумфальные ворота, перестройка Красной площади и создание Александровского сада у Кремлевской стены), Д. И. Жилярди (здание Опекунского совета), О. Монферран (Исаакиевский собор).

Эти мастера создали парадные ансамбли русских столиц, которые и по сей день являются их визитной карточкой.

Скульптура также переживала подъем, оставаясь верной принципам классицизма, но при этом наполняясь новым, героическим содержанием. Выдающимися памятниками, вошедшими в ансамбль русских столиц, стали:

• Памятник Минину и Пожарскому в Москве (скульптор И. П. Мартос), символизирующий народное единство и победу над интервентами.
• Статуи Барклая-де-Толли и М. И. Кутузова (скульптор Б. И. Орловский) перед Казанским собором в Петербурге, увековечившие героев Отечественной войны.

Скульпторы Ф. Щедрин, И. И. Теребенев, В. И. Демут-Малиновский, С. С. Пименов продолжали развивать традиции классицизма, создавая как монументальные произведения, так и скульптуру малых форм. Русский классицизм также выразился в изящных рельефах-медальонах Ф. Толстого, посвященных войне 1812 года, которые удивительным образом соединяли героическое с лирическим, отражая тонкие переживания и патриотические чувства.

Музыка: Формирование национальной оперы

Первая половина XIX века стала поворотной для русской музыки. Именно в этот период формируется национальная музыкальная школа и создается русская национальная опера. Огромный, поистине основополагающий вклад внесло творчество М. И. Глинки (1804–1857). Его оперы «Жизнь за царя» (также известная как «Иван Сусанин») и «Руслан и Людмила» стали вехами в развитии русской музыки, заложив основы для будущих поколений композиторов. Глинка сумел органично соединить европейские оперные традиции с русской народной мелодикой и сюжетами, создав подлинно национальное искусство, отражающее культурное самоопределение России. Другими значительными композиторами этого периода были Александр Даргомыжский (например, «Меланхолический вальс», романс «Юноша и дева») и Антон Рубинштейн.

Живопись: От романтизма к бытовому жанру и историческим полотнам

Русская живопись XIX века пережила небывалый подъем, произошла настоящая революция в её развитии, восполнившая существовавшие ранее жанровые лакуны. Если в XVIII веке станковая живопись была представлена почти исключительно портретным жанром, то в XIX веке активно развивались и стали самостоятельными такие жанры, как бытовой, исторический, пейзажный и другие.

Направления в живописи первой трети века — романтизм и академизм, которые часто соединялись и способствовали формированию реалистического стиля. Романтизм, сложившийся в западноевропейском искусстве на рубеже XVIII-XIX веков, пришел в Россию под знаком общественно-патриотического подъема, вызванного отголосками Великой французской революции и Отечественной войны. Идейным ядром русского романтизма стал патриотический подъём в стране после победы над Наполеоном I. Это проявилось в портретной галерее героев-современников, защитников Отечества, созданной Орестом Кипренским в 1812–1815 годах.

Первым художником новой эпохи романтизма стал Орест Кипренский (1782—1836), создавший портретную галерею героев-современников. Его работы, такие как «Портрет А. К. Швальбе» (1804), «Портрет лейб-гусарского полковника Е. В. Давыдова» (1809), «Портрет Василия Жуковского» (1816), «Портрет Александра Пушкина» (1827), а также портреты Великого князя Николая Павловича, графа Дмитрия Шереметева, отличались глубоким психологизмом и умением передать внутренний мир человека.

Другой выдающийся мастер, Алексей Венецианов (1780—1847), избрал основной темой своего творчества крестьянский бытовой жанр. В его работах, таких как «На пашне. Весна» (первая половина 1820-х гг.), «На жатве. Лето» (середина 1820-х), «Гумно» (1822–1823), «Очищение свеклы» (1822), «Спящий пастушок» (1824) и портреты крестьянок, присутствуют черты бидермайера и стремление к жизнеподобию. Венецианов соединил традиции столичного академизма и русского романтизма с идеализацией крестьянской жизни, став родоначальником бытового жанра и предвосхитив реалистические тенденции.

Особое место занимают «мастера одной картины»: Карл Брюллов (1799—1852) с его грандиозным полотном «Последний день Помпеи» (1833) и Александр Иванов (1806—1858) с монументальной работой «Явление Христа народу» (1837-1857). Эти картины стали знаковыми явлениями XIX века, продемонстрировав высочайшее мастерство и глубокое философское осмысление исторических и религиозных тем.

Реализм второй половины XIX века: Идеи передвижников

Вторая половина XIX века стала временем расцвета реализма, который был тесно связан с общественными настроениями и идеями народности. Это был период, когда художники стремились отразить правду жизни, социальные проблемы и быт простого народа. Разнообразие направлений — характерная черта искусства XIX столетия.

Ведущие мастера живописи этого времени, такие как И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. М. Васнецов, В. Е. Маковский, продолжали плодотворно работать, создавая шедевры, которые и по сей день являются гордостью русского искусства.

Реалистические тенденции ярко проявились и в скульптуре. Среди выдающихся скульпторов этого периода:

• М. М. Антокольский (1840—1902) — известный произведениями на исторические и религиозные темы: «Иван Грозный» (гипс, 1871), «Пётр I» (1872), «Христос перед судом народа» (1874), «Мефистофель» (1883), «Нестор-летописец» (1890).
• М. А. Чижов (1838—1916) — чьи произведения по сюжетам из народной жизни были близки творчеству передвижников: «Крестьянин в беде (На пепелище)» (бронза, 1872), «У колодца (Первая любовь)» (мрамор, 1870), «Мать-крестьянка, обучающая свою дочь грамоте» (гипс, 1873).
• А. М. Опекушин (1838—1923) — скульптор-монументалист, создатель таких реалистичных произведений, как памятник А. С. Пушкину в Москве (1880), памятник М. Ю. Лермонтову в Пятигорске (1889), памятник Петру I (бронза, 1872).

В 1890-е годы традиции передвижников нашли развитие в произведениях молодого поколения художников, связанных с жизнью народа. Среди них Абрам Архипов (1862—1930), чье творчество прослеживается в темах жизни простого народа: «Келейник» (1891), «Прачки», «Радоница (Перед обедней)», «Лёд прошёл» (1895), а также серия картин с крестьянками в ярких народных костюмах, например, «Женщина в красном» (1919). Николай Касаткин (1859—1930) — один из последних передвижников, работавший в направлении «демократического реализма». Его произведения, отражающие жизнь обычных людей, включают «Нищие на церковной паперти» (1883), «Семья рабочего» (1891), «Тяжело (Буревестник)» (1892), «Кузница» (1897), «Арестантки на свидании» (1899), «Уральский рабочий» (1899) и ряд работ, посвященных событиям 1905 года.

Эволюция костюма: Усиление городского влияния и региональное многообразие

На протяжении XIX века русский костюм продолжал эволюционировать под воздействием различных факторов. К началу века западная одежда стала основной среди горожан, вытеснив традиционный русский наряд из повседневного обихода дворянства и интеллигенции. После 1820-1830-х годов наблюдалось увеличение влияния городского, западного костюма на народный. Это проявлялось в упрощении форм и снижении декоративности. В мужской одежде это выражалось в преобладании темных цветов (часто черного), меньшем количестве декоративных элементов, акценте на галстуке и запонках. В женском костюме проникали такие элементы, как кофточки с баской.

Однако, несмотря на усиливающееся влияние городской моды, русский народный костюм сохранял яркие региональные различия, обусловленные географией, климатом, историей и местными традициями. Например, на Русском Севере традиционный комплекс женской одежды с сарафаном сохранялся вплоть до конца XIX — начала XX века, демонстрируя удивительную устойчивость к внешним влияниям. Каждая губерния, а порой и отдельный уезд, могли похвастаться своим уникальным набором элементов одежды, вышивки, головных уборов и украшений, отражая богатство и многообразие народной культуры.

Именно это региональное разнообразие стало объектом пристального внимания исследователей. Этнографические исследования русского костюма достигли своего пика в конце XIX — начале XX века. Среди значимых исследователей этого периода можно отметить И. Е. Забелина, который в своих работах полно отразил «превращение истории в описание материального быта», а также работы Сурженко Н. В. и Сизовой О. А. по изучению народного костюма восточных славян в 1890—1917 годах. Эти исследования стали бесценным источником для сохранения и понимания уникального наследия русского народного костюма.

Русское искусство рубежа XIX-XX веков: Модерн и преддверие авангарда

Рубеж XIX-XX веков в России — это период бурных трансформаций, когда старый мир неумолимо уступал место новому. Это было время пролетарского этапа освободительного движения, предчувствия революционных потрясений и глубоких изменений в общественном сознании. Все эти события не могли не отразиться на искусстве, которое переживало множество сложностей и противоречий, находясь в поиске новых форм и смыслов.

Художественные объединения и новые течения

На рубеже XIX-XX веков русское искусство характеризовалось сосуществованием и борьбой множества художественных группировок, где роль передвижников, доминировавшая в предыдущую эпоху, уже не была определяющей. Это было время активного диалога и противостояния различных эстетических принципов.

Рассмотрим ключевые объединения этого периода:

1. «Мир искусства» (основано в 1898 году в Петербурге). Во главе с А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым, оно объединяло таких художников, как К. А. Сомов, Л. С. Бакст, М. В. Добужинский, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева. Объединение издавало одноименный журнал и проводило выставки. Для «Мира искусства» был характерен рафинированный эстетизм, обращение к прошлому (пассеизм) и выраженный «европеизм», что проявлялось в интересе к западноевропейским художественным традициям и стремлении к красоте как самоцели.
2. «Голубая роза» (выставка 1907 года, Москва). Это объединение художников-символистов, включая П. В. Кузнецова и М. С. Сарьяна. Они стремились к выражению мистических и философских идей через символику цвета, формы и образа, создавая атмосферу таинственности и мечтательности.
3. «Союз русских художников» (основан в 1903 году, Москва). Это объединение художников-реалистов, которые продолжали традиции передвижников, фокусируясь на изображении жизни народа, пейзажей и бытовых сцен, но уже с более свободной живописной манерой.
4. Объединение «Бубновый валет» (выставка 1912 года). Его представители (П. П. Кончаловский, А. В. Куприн, А. В. Лентулов, И. И. Машков, Р. Р. Фальк) активно обращались к новейшим течениям французского искусства, таким как сезаннизм, кубизм, фовизм. Это объединение стало одним из предвестников русского авангарда, открывая новые пути для экспериментов с формой и цветом.
5. Общество художников «Супремус» (основано в 1916 году, Москва). Основанное К. С. Малевичем, оно ознаменовало переход к супрематизму – абсолютному беспредметному искусству, ставящему во главу угла чистую форму и цвет, что стало одним из наиболее радикальных авангардных течений.

Таким образом, рубеж веков стал временем художественной свободы и смелых экспериментов, когда традиционные формы искусства сосуществовали с поиском совершенно новых выразительных средств.

Архитектурный модерн: Национальные черты, новые материалы и региональные стили

Русский модерн в архитектуре (конец XIX — начало XX века) представлял собой уникальное явление, отличающееся от западноевропейских аналогов. Главной объединяющей тенденцией модерна была антиэклектическая направленность, стремление к органичной целостности архитектурной композиции, где каждая деталь подчинена общему замыслу.

Специфика русского модерна определялась историко-культурными особенностями развития русского искусства на рубеже веков: декадентство, настроения романтического ретроспективизма и символизма. Отличительной чертой русского модерна стало активное включение национальных мотивов (славянских и византийских) в декоративную ткань произведений искусства, отсылающих к древнерусскому зодчеству и народному искусству.

В архитектуре русского модерна существовали произведения не только в «стиле модерн» (ар-нуво), но также композиции в духе историзма, стилизации в русле национально-романтического движения, формировался неорусский стиль и северный модерн.

• Неорусский стиль — художественное направление конца XIX — начала XX века, интерпретирующее древнерусские формы и народные мотивы. Примеры: Церковь Спаса на Крови в Санкт-Петербурге, Романовский музей в Костроме (1909—1911, архитектор Н. И. Горлицын), а также особняки Константина Мельникова на Арбате с майоликовым декором.
• Национально-романтическое движение (или «русский стиль») — с 1840 года художники обращались к народной культуре в поисках национального стиля. Федор Солнцев заложил основы русско-византийского искусства. Абрамцевский кружок, с участием таких художников, как Василий Поленов, синтезировал народное искусство и современные тенденции.

Северный модерн, наиболее ярко представленный в Санкт-Петербурге в работах Федора Лидваля, Романа Мельцера и Александра Васильева, отличался суровостью, лаконичностью и стилистикой средневековых замков (шпили, башни, витражи). Он активно декорировал дома рустикой (грубо тесаным камнем), рельефами, металлодекором с флоральным орнаментом, керамической плиткой и майоликой, используя природные фактуры, асимметрию, массивные формы и гранит. Среди работ Лидваля выделяются: Доходный дом Иды Амалии Лидваль (Каменноостровский проспект, 1899—1904), гостиница «Астория» (Большая Морская улица, 39, 1910-е годы), Доходный дом Эммануила Людвиговича Нобеля (1910—1911). Архитектор Ф. О. Шехтель перестроил Ярославский вокзал в Москве (1902 год) в стиле северного модерна.

Ключевыми факторами формирования русского модерна были промышленный рост, развитие инженерной мысли, появление новых строительных материалов (железобетон, крупнолистовое стекло) и стремление к национальному самосознанию. Эти достижения позволили архитекторам экспериментировать с формами и конструкциями, создавая здания, которые были одновременно функциональными и художественно выразительными.

Декоративно-прикладное искусство и проникновение модерна в быт

Модерн как декоративно-прикладное искусство обрел широкую популярность благодаря массовому изготовлению продукции, что обеспечило его проникновение в быт. Художники модерна стремились к созданию «тотального произведения искусства», где каждый элемент, от архитектуры до предметов интерьера, был бы подчинен единому стилю.

• Массовое производство: Плакатная продукция, журналы (например, «Мир искусства» с 1898 года, «Весы» с обложкой Н. Феофилактова 1904 года), изделия из фарфора и стекла, мебель, украшенные ткани и бижутерия стали воплощением стиля модерн. Это позволило стилю стать доступным для широких слоев населения, принеся ощущение причастности к творчеству и искусству даже тем, кто был далек от него.
• Вклад художников: Михаил Врубель создавал эскизы для мозаичных панно (например, для Метрополя) и гобелен «Царь Салтан». Александр Бенуа создал иллюстрации к поэме Пушкина «Медный всадник» (1916—1918) и эскизы к костюмам для Русского балета Дягилева. Активно развивались кустарные промыслы, например, керамика Абрамцевского кружка. В быту появились предметы и мебель в русском стиле, такие как кресло «Тише едешь — дальше будешь» по эскизам Василия Шутова.

Модерн не просто украшал предметы, он преображал повседневную жизнь, делая ее более эстетичной и выразительной.

Открытие древнерусской иконописи

На фоне бурного развития новых художественных течений, в начале XX века произошло удивительное «открытие» русской иконописи. До этого момента древние иконы были в основном скрыты под потемневшими записями (поздними слоями краски и лака) и не подвергались систематической реставрации, поэтому их художественная ценность была неизвестна широкой публике.

Начало реставрационных работ, предпринятых такими исследователями, как И. Э. Грабарь и Н. П. Сычев, позволило очистить древние образы от поздних наслоений и явить миру их первозданную красоту. Выставка 1913 года (хотя конкретные организаторы и полный список икон не найдены, но её проведение вызвало широкий резонанс) стала подлинным откровением, изумив всех и открыв для публики художественную ценность древнерусской иконы как самостоятельного и глубокого искусства. Это событие не только вернуло икону в контекст мирового художественного наследия, но и стало источником вдохновения для многих художников авангарда.

Преддверие авангарда и новые социальные идеи

Рубеж XIX-XX веков был временем, когда искусство не просто отражало действительность, но и активно формировало новые идеи. В этом контексте значимую роль сыграло творчество М. Горького, в частности его роман «Мать» (1906). Написанный «с намерениями агитационными», этот роман стал примером воплощения принципов партийности (служение делу революции) и народности (связь с простыми людьми и их борьбой) в искусстве.

Произведение противопоставляет рабочего-отца, не находящего удовлетворения в жизни, его сыну Павлу, который посвящает себя делу раскрепощения рабочих и крестьян. Мать, Ниловна, под влиянием сына превращается из богобоязненной женщины в активную участницу революционного движения, символизируя прозрение и силу народного духа. Роман был воспринят как «апология движения в народ для проповеди социализма и анархии», что отражает принципы партийности и народности. «Мать» Горького не только стала образцом для искусства социалистического реализма, но и открыла новые пути для искусства будущего, социалистического мира, став своего рода предвестником авангардных трансформаций в части их социальной направленности и стремления к переустройству мира.

Этот сложный и многогранный период, балансирующий между традициями и новаторством, стал плодородной почвой для рождения русского авангарда, который вскоре потрясет весь художественный мир.

Заключение: Вклад русского искусства в мировую культуру

История русского искусства – это грандиозная панорама, простирающаяся от сакральных образов Древней Руси до смелых экспериментов рубежа XIX-XX веков. На протяжении веков оно развивалось, впитывая влияния и трансформируясь, но всегда сохраняя свою уникальную самобытность. Мы проследили ключевые этапы этого пути, начиная с формирования древнерусского искусства, где языческие традиции восточных славян вступили в плодотворный синтез с византийской культурой после Крещения Руси. Могучие крестово-купольные храмы, наполненные глубоким патриотическим смыслом, иконы, фрески и мозаики, в которых византийские каноны обретали неповторимые русские черты, стали фундаментом национального художественного наследия. Мы видели расцвет «золотого века» иконописи, подарившего миру гениев уровня Андрея Рублева, и последующий кризис XVII века, который, несмотря на негативные тенденции, породил новые формы, такие как парсуна, предвещая приход светского искусства.

XVIII век ознаменовал собой радикальный сдвиг в сторону европейских веяний, инициированных Петром I. Реформы костюма, введение налога на бороды, становление светской культуры и архитектурное многообразие – от нарышкинского барокко с его связью с древнерусскими традициями до строгого петровского и пышного елизаветинского барокко – все это отражало стремление России к интеграции в европейское культурное пространство. В этот период сформировалась национальная художественная школа под эгидой Академии художеств, воспитавшая выдающихся живописцев и скульпторов.

XIX век стал временем утверждения национального самосознания, во многом обусловленного героикой Отечественной войны 1812 года. Русский ампир в архитектуре и скульптуре прославлял мощь державы, а в музыке Михаил Глинка заложил основы русской национальной оперы. Живопись прошла путь от романтизма Ореста Кипренского и бытового жанра Алексея Венецианова до расцвета реализма передвижников, таких как Репин, Суриков, Васнецов, и скульпторов Антокольского и Опекушина, которые стремились к отражению правды жизни и народных идеалов. Эволюция русского костюма, несмотря на западные влияния, сохраняла региональное многообразие, став предметом тщательных этнографических исследований.

Рубеж XIX-XX веков стал эпохой бурных художественных поисков, борьбы многочисленных группировок – от эстетизма «Мира искусства» до экспериментов «Бубнового валета» и зарождения супрематизма Малевича. Русский модерн в архитектуре сочетал европейские формы с национальными мотивами, а развитие декоративно-прикладного искусства сделало модерн частью повседневной жизни. На этом фоне произошло «открытие» древнерусской иконописи, которая была признана самостоятельным художественным явлением, а творчество Максима Горького предвосхитило новые социальные идеи в искусстве.

Таким образом, русское искусство представляет собой уникальный, глубоко взаимосвязанный с социокультурными, философскими и историческими процессами феномен. Его самобытность, способность творчески перерабатывать внешние влияния, постоянный поиск новых форм и глубокое духовное содержание делают его влиятельным компонентом мирового художественного наследия. Изучение этой богатой истории не только обогащает наше понимание прошлого, но и имеет актуальное значение для формирования национального самосознания и развития современного искусствоведения, позволяя студентам глубже понять корни собственной культуры и ее вклад в глобальный диалог искусств.

Список использованной литературы

1. Гаврилов С. А. О начале строительства церкви Вознесения в Коломенском (гипотеза). URL: http://www.rusarch.ru/gavrilov_s2.htm
2. Заграевский С. В. Первый каменный шатровый храм и происхождение шатрового зодчества. URL: http://www.rusarch.ru/zagraevsky19.htm
3. Москва. Энциклопедический справочник. М., 1992.
4. Окрестности старой Москвы (Юго-восточная и южная части территории от Камер-Коллежского вала до нынешней границы города) / Баталов А. Л., Кириченко Е. И., Посохин М. М., Кузьмин А. В., Щёболева Е. Г. — М.: Искусство — XXI век, 2007. — 360 с.
5. Подъяпольский С. С. Архитектор Петрок Малой. URL: http://www.rusarch.ru/podyapolsky6.htm
6. Палагина. ОСНОВЫ РУССКОГО ИСКУССТВА XIX века. СГУ. URL: https://www.sgu.ru/sites/default/files/textdocsfiles/2015/09/25/palagina_osnovy_russkogo_iskusstva_xix_veka.pdf
7. Древнерусское искусство. Википедия.
8. Архитектура русского модерна. Википедия.
9. Русский модерн: что это, истоки. Что такое модерн? Стиль модерн в России. Какой бывает модерн? Правила жизни. URL: https://www.pravilamag.ru/design/674712-russkiy-modern-chto-eto-istoki/
10. Древнерусская живопись: история, традиции и наследие славянского искусства. АртМосква. URL: https://artmoscow.art/blog/drevnerusskaya-zhivopis/
11. В чём особенности московского барокко как архитектурного стиля? Вопросы к Поиску с Алисой (Яндекс Нейро). URL: https://yandex.ru/q/question/v_chem_osobennosti_moskovskogo_barokko_kak_232a513f/
12. История древнерусского искусства (Х — ХVII). URL: https://mirznanii.com/referat/istoriya-drevnerusskogo-iskusstva-h-hvii-16167
13. FAQ: Древнерусское искусство. История русской живописи. URL: https://www.russianpaintings.net/articles/faq-drevnerusskoe-iskusstvo/
14. Русский модерн. Дизайн-Капитал. URL: https://design-capital.ru/articles/russkiy-modern/
15. Русский модерн. Контора К. URL: https://kontora-k.ru/stati/russkij-modern
16. Искусство Древней Руси — уникальный сплав языческих традиций восточных славян и византийского влияния на местную культуру. Veryimportantlot. URL: https://veryimportantlot.com/ru/news/blog/iskusstvo-drevney-rusi-unikalnyy-splav-yazycheskih-tradiciy-vostochnyh-slavyan-i-vizantiyskogo-vliyaniya-na-mestnuyu-kulturu
17. Дворянская мода XVIII- начала XX вв. Брянское государственное училище олимпийского резерва. URL: http://guor-bryansk.ru/istoriya-otechestvennoy-kultury/zhizn-russkogo-dvoryanina-xix-v-dvoryanskaya-moda-xviii-nachala-xx-vv.html
18. Особенности русского модерна в архитектуре. RU DESIGN SHOP ® Всё лучшее. URL: https://ru-design-shop.ru/blog/osobennosti-russkogo-moderna-v-arhitekture/
19. Презентация по истории на тему «Культура Руси в IX-XII веках» (6 класс). Инфоурок. URL: https://infourok.ru/prezentaciya-po-istorii-na-temu-kultura-rusi-v-ix-vekah-klass-4361005.html
20. Русский костюм XVIII века. afield.org.ua. URL: https://afield.org.ua/fashion/xviii_rus.html
21. Классицизм. Архитектура России второй половины XVIII – первой половины XIX века. URL: https://myslide.ru/presentation/klassitsizm-arhitektura-rossii-vtoroj-poloviny-xviii-pervoj-poloviny-xix-veka
22. «Связи древнерусского искусства с культурой Византии и Западной Европы». Лекция О.Е. Этингоф. YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=R9t7l6Qk5m0
23. Костюм в России XVIII — начала XX века из собрания государственного Эрмитажа. URL: https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/digital-collection/08.+applied+arts/425501/
24. Ранние иконы / Лекция. YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=F5v6i-k-F2c
25. История моды: Русский костюм в 18-ом веке. Петровская реформа одежды. URL: https://fashionhistory.ru/moda-v-rossii/russkiy-kostyum-v-18-om-veke.html
26. Русский национальный костюм. Википедия.
27. Русское искусство конца 19 — начала 20 веков. URL: https://studfile.net/preview/1769493/page:11/
28. Русская народная одежда XIX — начала XX в. Сергиево-Посадский музей-заповедник. URL: https://www.sergiev-posad.ru/museum/kollektsii/russkaya-narodnaya-odezhda-xix-nachala-xx-v/
29. Что такое Барокко московское? Академик. URL: https://dic.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/1690989
30. Мужской костюм, Женский костюм — Эволюция русского костюма в XVIII-XIX веках. URL: https://studfile.net/preview/1660183/page:14/
31. Светский костюм русского дворянства XVIII-XIX столетий. Инфоурок. URL: https://infourok.ru/svetckiy-kostyum-russkogo-dvoryanstva-xviii-xix-stoletiy-1090029.html
32. Древнерусская иконопись. YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=P62k6k0H7Xo
33. Изобразительное искусство Византии и соседних стран: параллели, влияния или интерпретации? YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=d_k8y089W_8
34. Hermitage Online. Экспозиция древнерусской иконописи XIV – начала XVIII века. URL: https://www.youtube.com/watch?v=gT8jL-vU9-4
35. На месте разрушенного Успенского храма на улице Покровка в Москве освятили памятную доску. Православный журнал «Фома». URL: https://foma.ru/na-meste-razrushennogo-uspenskogo-hrama-na-ulicze-pokrovka-v-moskve-osvyatili-pamyatnuyu-dosku.html
36. Русская архитектура первой половины 19 века. YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=e_k8fP8f2U8
37. Архитектура русского классицизма. Ирина Киселева. 1990 г. Видео от CultureLabs | ВКонтакте. URL: https://vk.com/video-63519968_456239023
38. «Византия или Русь?» Лекция о том, как отличать русскую икону от греческой. YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=2Tz8g5jW7C4
39. История русской архитектуры в 10 шедеврах. YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=02fVj6xN3oA
40. «Золотой век объединений». Русское искусство рубежа XIX-XX веков. YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=68D0q2n8fBw
41. “Рождение иконы”. Лекция о том, как появилась иконопись. YouTube. URL: https://www.youtube.com/watch?v=nK8x3R8S8hM