Стилистические и предметно-пластические особенности творчества М.А. Врубеля: Глубокое искусствоведческое исследование

В конце XIX – начале XX века русский художественный ландшафт был охвачен вихрем перемен, породившим плеяду уникальных мастеров, чье творчество до сих пор продолжает вдохновлять и вызывать глубокие размышления. Среди них особняком стоит фигура Михаила Александровича Врубеля (1856–1910), художника, чей гений не просто отразил эпоху, но и стал ее символом, предвосхитив многие открытия искусства грядущего столетия. Александр Бенуа, один из проницательнейших критиков своего времени, провидчески утверждал, что будущие поколения будут оглядываться на последние десятки XIX века как на «эпоху Врубеля». Это смелое, но в то же время удивительно точное предсказание, опубликованное в журнале «Мир искусства» в 1903 году, подчеркивает не только масштаб дарования художника, но и его центральную роль в формировании новых эстетических парадигм.

Творчество Врубеля — это не просто набор блестящих произведений, а сложная, многогранная система, где каждая деталь, каждый мазок, каждый цветовой нюанс служит выражению глубоких философских и эмоциональных переживаний. Он стал одним из активнейших творцов русского модерна, его имя неразрывно связано с символизмом, но при этом его искусство избегает узких стилевых рамок, постоянно трансформируясь и выходя за пределы привычных категорий.

Настоящая курсовая работа ставит своей целью не просто обзор творчества Врубеля, а глубокое искусствоведческое исследование, направленное на систематизацию и анализ стилистических и предметно-пластических особенностей его живописи. Мы сосредоточимся на ключевых вопросах: каковы основные стилистические черты и их эволюция? В чем уникальность его предметно-плапластического языка? Каково влияние символизма и модерна? Как он использовал цвет, свет, композицию и фактуру? Какие темы и образы преобладали и как они воплощались? И, наконец, какова его новаторская роль в контексте русской и европейской живописи, и какие методы анализа наиболее адекватны для понимания его гения? Данное исследование призвано не только углубить понимание феномена Врубеля, но и предоставить студенту-искусствоведу необходимую методологическую базу для дальнейшей научной работы.

Теоретические основы исследования: Ключевые искусствоведческие термины

Прежде чем погружаться в глубины творчества Михаила Врубеля, необходимо вооружиться точным инструментарием – ключевыми искусствоведческими терминами, которые станут нашими проводниками в этом сложном и многогранном мире. Понимание этих понятий формирует академическую базу и позволяет говорить о художественных явлениях на адекватном научном языке.

Символизм: Мироощущение и художественное направление

Символизм, как одно из наиболее влиятельных культурных явлений рубежа XIX-XX веков, представляет собой не только художественное направление, но и целое мироощущение, устремленное к постижению и художественному ознаменованию «вещей в себе», идей, лежащих за пределами непосредственного чувственного восприятия. Его корни уходят в платонические и христианские символические концепции мира, находящиеся в оппозиции к торжествующему буржуазному мещанству, позитивизму и натурализму в искусстве, которые в тот период воспринимались как поверхностные и лишенные истинной глубины.

В основе символизма лежит вера в поэтический символ как более действенное художественное орудие, нежели образ. Символ, в отличие от простого изображения, позволяет возводить факты «опыта» к сверхвременной идеальной сущности мира, раскрывая скрытые связи и аналогии между явлениями. Основные черты символизма включают:

• Интуитивное постижение мирового единства: через символическое обнаружение «соответствий» и аналогий, намеков, а не прямых высказываний.
• Музыкальная стихия: воспринимаемая как праоснова жизни и искусства, она определяет лирико-стихотворное начало, ритмичность и мелодичность в произведениях.
• Господство лирико-стихотворного начала: проявление субъективных переживаний, внутреннего мира художника и его героя.
• Обращение к древнему и средневековому искусству: поиск вдохновения в мифологии, легендах, сказках, религиозных сюжетах, которые воспринимались как хранилища глубинных символов.

Исторически символизм получил наиболее полное развитие в Европе в 1880–1890-е годы. В России же его расцвет приходится на 1900-е годы, когда активно действовали такие выдающиеся представители, как А. Блок, А. Белый и В. Брюсов, чьи произведения стали классикой русского символизма. Важно отметить, что символизм, будучи скорее мироощущением, нежели строгим стилем, не создал единообразного художественного языка, подобного классицизму или барокко, что давало художникам большую свободу в выборе выразительных средств. Символизм, как мироощущение, всегда находится в поиске истинной, глубинной сущности мира.

Модерн (Art Nouveau): Стилевые особенности и национальные вариации

Модерн (от фр. Art Nouveau, «новое искусство») — это всеохватывающий художественный стиль, который доминировал в европейском и американском искусстве на рубеже XIX и XX веков. Возникнув в Европе в 1880-х годах, он достиг своего пика между 1890 и 1905 годами, после чего постепенно стал уступать место новым течениям.

Ключевой характеристикой модерна является стремление к созданию «синтетического искусства», где взаимопроникают станковые и декоративно-прикладные формы. Произведения живописи и скульптуры не существовали изолированно, а включались в общий ансамбль интерьера, становясь частью единого, гармоничного пространства. В живописи модерна преобладающее значение получают панно, предназначенные для украшения стен, а в скульптуре — рельефы, органично вписывающиеся в архитектурные формы.

Стиль модерн характеризуется:

• Сочетанием декоративной условности орнаментальных ковровых фонов с натуралистической осязательностью отдельных деталей или фигур. Это создавало эффект игры между плоскостью и объемом, абстракцией и конкретикой.
• Силуэтностью: выразительные контуры фигур и предметов, часто подчеркнутые, графичные.
• Использованием больших цветовых плоскостей и тонко нюансированной монохромии. Это придавало работам особую изысканность и эмоциональную глубину.
• Асимметрией, орнаментальностью и декоративностью. Модерн сознательно уходил от строгих симметричных композиций, предпочитая динамичные, текучие формы.
• Стилизацией природных форм. Художники модерна проявляли особый интерес к растительным орнаментам, криволинейным очертаниям, оплывающим, неровным контурам, напоминающим стебли, листья, цветы. Это было отражением идеи органичности и естественности.

Примечательно, что стиль модерн получил различные названия в зависимости от страны, что подчеркивает его универсальность и способность адаптироваться к национальным культурным контекстам:

• «Югендстиль» (Jugendstil) — в Германии и Скандинавии, по названию журнала «Jugend» («Юность»).
• «Сецессион» (Sezession) — в Австрии, по названию Венского Сецессиона.
• «Либерти» или «Флореале» (Liberty, Floreale) — в Италии, по названию лондонского магазина «Liberty & Co», предлагавшего товары в этом стиле.
• «Тиффани» (Tiffany) — в США, по имени известного ювелира и дизайнера Луиса Комфорта Тиффани.

Модерн не просто переосмысливал черты искусства разных эпох, но и выработал собственные, узнаваемые художественные приемы, став мостом между традицией и авангардом.

Пластичность (Пластика): Выразительность объемной формы в живописи

Термин «пластичность», или «пластика», в широком искусствоведческом смысле обозначает качество, присущее не только скульптуре, но и всем пластическим искусствам — архитектуре, живописи, графике, декоративно-прикладному искусству. Это художественная выразительность объёмной формы, способность материала или изображения создавать иллюзию объема, весомости и осязаемости.

В скульптуре пластичность включает в себя:

• Эмоциональность и художественную цельность лепки объёма: способность передать внутреннее состояние и характер объекта через его форму.
• Образную убедительность: достижение глубокого и узнаваемого образа.
• Гармоническое соотношение выразительности моделировки и ощущения весомости, внутренней наполненности формы: скульптура должна не только быть красивой по форме, но и восприниматься как нечто материальное, обладающее массой и внутренним содержанием.

Переходя в область живописи, понятие пластики трансформируется. Здесь «живописная пластика» — это искусство лепки форм не в физическом объеме, а через оптические средства, такие как цвет, светотень, пропорция и перспектива. Это выразительность живописных приемов, артистичность, свобода и легкость в работе кистью, которые позволяют художнику создать иллюзию трехмерности на двухмерной поверхности. Когда мы говорим о пластике в живописи, мы имеем в виду, как художник с помощью цвета и света «лепит» формы, придавая им объем, глубину и материальность, делая их «скульптурными» на холсте. Пластический язык Врубеля является уникальным проявлением этого принципа.

Колорит: Гармония цвета и ее выразительная функция

Колорит изображения — это гораздо больше, чем просто набор цветов. Это общая эстетическая оценка цветовых качеств произведения искусства, характер цветовых элементов, их взаимосвязи и согласованности оттенков. По сути, колорит представляет собой гармоничное сочетание, взаимосвязь и тональное объединение различных цветов в картине, подчиненных единой художественной идее.

В живописи колорит является одним из ключевых средств художественной выразительности. Он не просто украшает произведение, но и напрямую отображает его содержание, передавая драму, гармонию, радость или грусть. Благодаря колориту художник может выразить эмоциональное состояние, создать определенную атмосферу, подчеркнуть символический смысл изображаемого.

Различают несколько видов колорита, каждый из которых обладает своей уникальной выразительной силой:

• Теплый и холодный: основывается на преобладании теплых (красные, оранжевые, желтые) или холодных (синие, зеленые, фиолетовые) оттенков.
• Сдержанный и насыщенный: определяется степенью яркости и интенсивности цветов.
• Светлый и темный: зависит от преобладания светлых или темных тонов.
• Яркий и блеклый: связан с контрастом и чистотой цветов.
• Нюансированный: построен на тонких переходах и различиях оттенков, создавая ощущение деликатности и изысканности.
• Контрастный: использует резкие противопоставления цветов, усиливая драматизм и экспрессию.

Качество живописи часто определяется богатством колорита — разнообразием оттенков и цвето-тональных отношений внутри заданного цветового строя, их гармоническим соотношением. Чем более сложен, продуман и органичен колорит, тем глубже и многограннее воспринимается произведение.

Фактура: Качество материалов и индивидуальный почерк художника

Фактура в изобразительном искусстве — это термин, имеющий как прямое, так и переносное значение. В прямом смысле фактура характеризует качество материалов и приемов, используемых художником, а в переносном — индивидуальный почерк, особенность руки мастера, его уникальную манеру работы.

В живописи фактура — это характер красочного слоя, который определяется особенностями наложения красок на холст. Она зависит от стиля эпохи, темперамента художника, его творческих задач и используемых материалов. Фактурный мазок может быть:

• Рельефным: когда краска накладывается толстым слоем, создавая ощутимый объем на поверхности холста.
• Пастозным: еще более густое, объемное нанесение краски, часто с использованием мастихина, что придает живописи особую материальность.
• Объемным: общее свойство, когда краска создает видимую и осязаемую глубину и рельеф.

Искусство передачи фактуры в живописи тесно связано с изображением материала, из которого сделан предмет. Благодаря фактуре зритель не только видит, но и как бы осязает изображение: шероховатость камня, гладкость шелка, мягкость меха, блеск металла. Это достигается не только визуально, но и через тактильные ассоциации, которые вызывает характер красочного слоя. Индивидуальная фактура становится своего рода «отпечатком пальца» художника, раскрывая его мастерство, техническое виртуозность и эмоциональное отношение к произведению.

Стилистическая эволюция творчества М.А. Врубеля: От ранних поисков к «кристаллообразному» стилю

Творческий путь Михаила Врубеля представляет собой захватывающую одиссею, полную стилистических трансформаций и глубоких художественных поисков, ведь его искусство никогда не стояло на месте, постоянно развиваясь и обогащаясь новыми приемами. Проследить эту эволюцию — значит понять, как из ранних набросков и экспериментов вырос уникальный «кристаллообразный» стиль, ставший визитной карточкой мастера.

Киевский период (1884-1889): Зарождение стилистических черт

Первые значительные шаги в формировании уникального врубелевского стиля были сделаны в период его пребывания в Киеве с 1884 по 1889 год. Это было время активных поисков и экспериментов, когда художник, работая над реставрацией старинных фресок и создавая новые композиции для Кирилловской церкви и Владимирского собора, глубоко погружался в мир византийского и древнерусского искусства. Именно в этот период, особенно в графических этюдах цветов, Врубель начал оттачивать свой неповторимый «кристаллообразный» стиль.

Этот стиль, ставший впоследствии одним из самых узнаваемых элементов его почерка, характеризуется острыми, рублеными мазками, которые наслаиваются друг на друга, напоминая грани драгоценного кристалла или сложную мозаику. Каждый мазок, словно грань, отражает свет и цвет под своим углом, создавая эффект мерцания, внутренней динамики и глубины изображения. Это не было простым копированием натуры, а ее преображением, наделением внутренней энергией и мистическим свечением. Цвета в таком изображении не сливаются плавно, а существуют как отдельные, сияющие сегменты, которые в совокупности образуют цельное, вибрирующее поле. Эта техника позволяла Врубелю добиваться поразительной выразительности, придавая его работам особую осязаемость и даже некую «каменность», как будто образы высечены из самоцвета.

Врубель как творец русского модерна и синтез направлений

Михаил Врубель не просто вписался в контекст русского модерна — он стал его активным творцом и, по сути, одним из его основоположников, начиная с 1890-х годов. Его работы, такие как «Принцесса Грёза» (1896) или эскизы к опере «Снегурочка» (1890-е), уже демонстрируют характерные черты этого направления: стремление к синтезу искусств, декоративность, изысканность линии, силуэта и фактуры.

Однако, в отличие от некоторых представителей модерна, чьи произведения иногда скатывались в плоскостную орнаментальность и изломанную изысканность, Врубель всегда стремился к «культу глубокой натуры». Его модерн был особенным — он заключал в себе двойную содержательную функцию: предельно овеществленное, вплоть до фактуры письма, ощущение красоты и одновременно отвлеченная декоративность, которая, парадоксальным образом, создавала преграду между зрителем и «горним» царством, миром символов и идей. Это уникальное сочетание позволяло художнику не только визуально обогащать свои произведения, но и добавлять им дополнительный слой смысловой глубины, доступный лишь тем, кто готов проникнуть за внешнюю оболочку.

Творчество Врубеля представляет собой уникальный синтез не только модерна, но и символизма, а также романтизма. От символизма он взял стремление к выражению интуитивно постигаемых сущностей и идей, смутных чувств и видений, а также обращение к мифам, сказкам и литературным образам. Романтизм проявился в его глубоком интересе к внутреннему миру человека, к его страстям, борьбе, одиночеству, что особенно ярко видно в цикле «Демона». От модерна — декоративность, стремление к синтезу искусств и особый, переосмысленный взгляд на форму.

Его работы характеризуются деформацией формы, сдвигом планов, новым взглядом на натуру. Врубель не копировал реальность, а трансформировал ее, углубляясь в тончайшие детали, «планы», формы, что приводило к фантастически преображенной природе в его произведениях. Он не был рабом натуры, а извлекал из нее незримое волшебство, создавая мистические, величавые и монументальные миры. Синтез фантастического и реального является ключевым элементом его лучших работ, где даже самые обыденные предметы приобретают символическое значение и глубокую смысловую нагрузку.

Теория «камертона»: Воображение и реальность в творческом методе

Врубель, будучи художником глубоко оригинальным, разработал свою уникальную «теорию камертона», которая стала краеугольным камнем его творческого метода. Эта концепция ярко демонстрирует его отношение к натуре и процессу создания художественного образа, выходя за рамки простого копирования или идеализации.

Суть «тео��ии камертона» Врубеля заключалась в том, что художник использовал натуру не как объект для буквального воспроизведения, а как исходную точку, как «камертон», который задает тон, ритм и структуру для всего произведения. При этом натура изображалась «вполне реально», с пристальным вниманием к деталям и формам. Однако это было лишь начало. Натура, будучи «камертоном», служила отправной точкой для воображения Врубеля, мощного и неудержимого.

После того как натура была освоена и «прочувствована», художник приступал к ее преобразованию. Он не копировал ее буквально, а пропускал через призму своего внутреннего мира, раскрывая ее внутреннюю сущность, ее незримое волшебство. Этот процесс приводил к созданию фантастических образов, которые, несмотря на свою преображенность, сохраняли глубинную связь с реальностью. Именно в этом синтезе фантастического и реального, в способности извлечь из обыденного мира мистическую глубину, и заключалось новаторство Врубеля. Он как бы брал мелодию, заданную натурой, и разворачивал ее в грандиозную симфонию, где каждый звук, каждая форма, каждый цвет обретали новое, символическое значение.

Это позволяло ему создавать произведения, которые одновременно были узнаваемы в своих природных формах, но при этом переносили зрителя в иное, «горнее» царство, наполненное символами и скрытыми смыслами. Врубель доказывал, что истинное искусство не в имитации, а в творческом переосмыслении и раскрытии невидимого, но ощутимого мира, лежащего за пределами наших повседневных восприятий.

Предметно-пластический язык М.А. Врубеля: Уникальные художественные приемы

Предметно-пластический язык Михаила Врубеля — это сложный и многогранный феномен, в котором слились воедино академическая выучка, виртуозная техника и глубоко индивидуальное мировосприятие. Художник разработал уникальный арсенал приемов, позволяющих ему создавать объем, форму и текстуру в своих произведениях так, как не удавалось никому до него.

Влияние академической школы и Мариано Фортуни

Формирование предметно-пластического языка Врубеля началось еще в стенах Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге (1880–1884 годы), где его наставником был выдающийся педагог Павел Петрович Чистяков. Чистяковская школа, известная своим рационалистическим методом, приучала студентов расчленять предмет на планы, анализировать форму и не отделять рисунок от цвета. Это глубокое понимание структуры формы и ее связи с цветом стало фундаментальной основой для Врубеля. Он уже тогда демонстрировал исключительное умение передать разнообразие материальных форм и богатство оттенков цвета, закладывая базу для своего будущего мастерства. Чистяков, по сути, научил его «гранить любой образ как кристалл на сотни плоскостей, собирающихся в единую фигуру», что стало основой его «кристаллообразного» стиля.

Помимо академического образования, на Врубеля оказало влияние творчество испанского художника Мариано Фортуни. Врубель перенял у него особую технику: использование мелких, дробных мазков, которые создавали сложную, искрящуюся поверхность, напоминающую технику акварельного письма или мозаики. Эта техника, позволяющая добиться эффекта «драгоценного мерцания», органично вписалась в его собственный «кристаллообразный» стиль, придавая его работам особую живописность и глубину, будто поверхность холста сама светится изнутри.

Техника «лепки краской» и фактурные эффекты

Одной из наиболее характерных и узнаваемых черт врубелевского предметно-пластического языка является его техника «лепки краской». Он буквально лепил краской, подобно тому, как скульптор лепит глиной или воском. Его метод заключался в использовании густых, рельефных мазков, которые наносились кистью или мастихином, создавая эффект объема и осязаемости. Эти мазки не просто покрывали поверхность, а формировали ее, выстраивали форму, придавая ей физическую массу и внутреннее напряжение. Каждый такой мазок становился самостоятельным элементом, частью мозаичной структуры, которая, тем не менее, сливалась в единое, мощное изображение.

Для достижения еще более выразительных фактурных эффектов Врубель активно экспериментировал с грунтами и материалами. Он использовал покрытия из клеевого и мелового грунтов, которые позволяли ему добиваться эффектов «зернистости» и «мозаичности» поверхности. Эти грунты давали возможность эффективно применять как клеевые краски и гуашь, так и масляные, создавая многослойные, вибрирующие поверхности.

Кроме того, в некоторых своих работах, особенно в эскизах и проектах для оформления театральных постановок, Врубель использовал новаторский для своего времени прием — применение наклеек из бумаги, или коллажных элементов. Это позволяло ему создавать определенные фактурные эффекты, придавать особую материальность костюмам или декорациям, а также расставлять смысловые акценты, усиливая выразительность образа. Например, в эскизах к опере «Руслан и Людмила» или «Сказка о царе Салтане» такие элементы могли имитировать блеск драгоценностей или тяжесть парчи.

Особенности графических техник

Не менее уникальным был и подход Врубеля к графике, где он также демонстрировал исключительное мастерство в работе с формой и фактурой. В портретах, выполненных карандашом, он использовал тончайшие, короткие и мелкие штрихи, нанесенные твердым, остро отточенным карандашом. Эти штрихи то плавно ложились по форме, моделируя объем, то перекрещивались в различных направлениях, создавая сплошную, мерцающую сетку. Такая техника позволяла ему достигать невероятной тонкости в передаче нюансов лица, игры света и тени, а также создавать ощущение живой, вибрирующей поверхности, которая кажется почти осязаемой.

Особое внимание заслуживает его работа углем. Врубель часто выполнял рисунок углем непосредственно на белой поверхности грунта, а затем умело использовал его при работе красками. Он мог оставлять угольный рисунок в отдельных местах, позволяя ему просвечивать сквозь красочный слой, или слегка «проходить» по нему цветными лессировками. Это создавало эффект глубины, придавало изображению особую графическую выразительность и подчеркивало структурность формы. Таким образом, графика для Врубеля была не просто подготовительным этапом, а самостоятельной областью, где он развивал и оттачивал свои пластические приемы, предвосхищая многие открытия художников XX века.

Роль цвета, света, композиции и фактуры в передаче образности

Творчество Михаила Врубеля — это не просто сумма стилистических приемов; это сложная система, где каждый элемент — цвет, свет, композиция, фактура — работает на создание единой, глубоко эмоциональной и мистической образности. Художник виртуозно использовал эти выразительные средства для передачи не только внешней формы, но и внутреннего состояния, смысловой глубины своих произведений.

Колористические решения: Оттенки и символизм цвета

Колорит Врубеля — это не просто гармоничное сочетание цветов, а мощное средство символического выражения. Он тяготел к сложным, насыщенным цветовым решениям, и его палитра часто включала золотистые, пурпурные и сине-лиловые тона. Эти цвета не были выбраны случайно; они несли глубокий символический смысл и использовались для передачи характера персонажа и трагичности его судьбы.

• Золотистый цвет, например, часто встречается в таких работах, как «Царевна-Лебедь» (1900). Здесь он придает образу сказочность, мистицизм, ощущение неземного сияния, подчеркивая ее двойственную природу. Это цвет волшебства и иного мира.
• Пурпурный и сине-лиловый цвета, доминирующие в его знаменитом цикле «Демона» (например, в «Демоне сидящем» или «Демоне поверженном»), используются для выражения драматизма, внутренней борьбы, одиночества и трагичности судьбы. Эти оттенки сумерек и ночи, лиловый сумрак и темно-синий цвет ночного неба, пробуждают стремление к бесконечному, тоску о непознаваемом, глубокую печаль. Они окутывают фигуры Демона ореолом меланхолии и фатальности, подчеркивая его отчужденность и вечное страдание.

Уникальная техника письма Врубеля, его «кристаллообразные» мазки, создавали эффект мерцания и движения, заставляя цвета вибрировать и переливаться. Это придавало его полотнам особую жизнь, делая их не статичными изображениями, а динамичными, пульсирующими мирами. Насыщенность оттенка, мастерски подобранная и наложенная, становилась своего рода «камертоном» для эмоционального восприятия, углубляя содержание и делая его более осязаемым.

Композиционные и пространственные решения

Композиция в работах Врубеля также служила мощным инструментом для передачи эмоционального и смыслового напряжения. Он часто помещал тела в сжатое пространство, которым, казалось, было тесно в мире. Это создавало драматическое напряжение, возникающее из конфликта между мощным объемом фигур и ограниченностью окружающего их пространства. Такое решение подчеркивало внутреннюю борьбу персонажей, их невозможность найти свое место в реальном мире.

Его пристрастие к сильно вытянутым формам холстов, как, например, в монументальной работе «Шестикрылый Серафим» (1904), усиливало ощущение сдавленности пространства, но при этом подчеркивало монументальность фигуры и ее стремление вверх. Вертикальный формат не только придавал фигуре Серафима величие, но и создавал ощущение ограниченности земного пространства, из которого он стремится вырваться. Тематические, композиционные, пространственные и цветовые поиски Врубеля всегда выражали предельное духовное напряжение, что делало его мир мистическим, величавым и монументальным.

Фактура как средство создания образа

Фактура в творчестве Врубеля перестала быть просто характеристикой красочного слоя; она превратилась в активное средство создания образа, способное передавать мифические и демонические черты персонажей. С годами декоративность линии, силуэта, фактуры и цвета проявлялась в его творчестве все ярче.

Прекрасным примером является картина «Царевна-Лебедь» (1900). Здесь «шелково-перьевая фактура» наделяет образ царевны не только нежностью и эфемерностью, но и мифическими, даже демоническими чертами. Искусные мазки, едва отделяющие платье от перьев, создают эффект метаморфозы, преображения, словно фигура Царевны-Лебеди в лучах заката на темном фоне только что материализовалась из воздуха или вот-вот растворится в нем. Эта фактура заставляет зрителя не только видеть, но и почти осязать материал, из которого создан образ, погружая его в мир сказки и волшебства. Густые, рельефные мазки, характерные для Врубеля, придают поверхности холста осязаемость, что усиливает ощущение присутствия, весомости и материальности даже самых нереальных образов. Таким образом, фактура для Врубеля — это не только технический прием, но и мощное выразительное средство, способное оживлять образы и наделять их многомерным смыслом.

Основные темы и образы в контексте стилистических решений

Творчество Михаила Врубеля — это калейдоскоп знаковых тем и образов, которые стали визитной карточкой русского искусства. Его гений заключался не только в создании выразительных сюжетов, но и в умении воплощать их через свой уникальный стилистический и предметно-пластический язык, придавая им глубину, символизм и мистическую притягательность.

Образ Демона: Внутренняя драма и эволюция

Самой главной, проходящей через все творчество Врубеля темой, начиная с 1885 года, является образ Демона. Этот образ для художника стал олицетворением внутренней драмы, вечного противоречия между духовным и земным, борьбы добра и зла внутри человеческой души. Демон Врубеля — это не традиционный дьявол, а скорее падший ангел, страдающий, гордый, одинокий и прекрасный в своем отчаянии.

Цикл образов Демона включает в себя несколько ключевых произведений:

• «Демон сидящий» (1890): Эта картина стала первым значительным произведением на эту тему. Демон изображен могучим, но погруженным в глубокую меланхолию, его тело словно высечено из камня, а взгляд полон невыразимой тоски. Здесь уже прослеживаются черты «кристаллообразного» стиля, где угловатые формы и мозаичные мазки придают фигуре особую монументальность и внутреннюю динамику. Пурпурно-лиловая гамма, доминирующая в картине, усиливает ощущение драматизма и мистической атмосферы.
• «Демон летящий»: В этом образе Врубель передает стремительное движение и внутреннюю свободу, но также и обреченность.
• «Демон поверженный» (1902): Один из поздних шедевров художника, где Демон изображен распростертым среди скал, с искаженным от страдания лицом. Здесь Врубель доводит до предела свой «кристаллообразный» стиль, создавая фрагментированную, но при этом невероятно мощную композицию, которая отражает разрушение и внутренний хаос. Цвета становятся еще более насыщенными и трагичными, подчеркивая финальную, фатальную борьбу.

Через этот образ Врубель находил символ в простом, создавая фигуры, которые были одновременно реальными в своей пластичности и символичными в своей смысловой нагрузке.

Сказочно-фольклорные и литературные мотивы

Помимо Демона, Врубель активно обращался к сюжетно-тематическим предпочтениям символистов, которые чаще всего черпались из мифов, сказок, легенд и литературных произведений. Он умел вдохнуть новую жизнь в хорошо известные сюжеты, придавая им свою уникальную интерпретацию.

Среди его сказочно-фольклорных образов наиболее известны:

• «Царевна-Лебедь» (1900): Поздний шедевр, где Врубель объединяет мистицизм, сказочность и глубокую психологию. «Шелково-перьевая фактура» и золотистый колорит придают образу Царевны-Лебеди неземную красоту и загадочность, подчеркивая ее метаморфозу и двойственную природу.
• «Пан»: Этот образ, вдохновленный древнегреческой мифологией, также стал одной из визитных карточек русского искусства, демонстрируя способность Врубеля к созданию экспрессивных и глубоких образов.
• «Сирень» (1900): Еще одна работа, где художник, казалось бы, в простом мотиве цветущей сирени, находит глубокий символический смысл, наполняя ее мистическим светом и сложной фактурой.

Врубель был также выдающимся мастером литературных иллюстраций. Его работы к произведениям М.Ю. Лермонтова, включая «Герой нашего времени» и особенно поэму «Демон», теперь воспринимаются как канонические. Эти иллюстрации не просто сопровождают текст, а создают самостоятельный, визуальный мир, который углубляет и расширяет понимание литературных образов.

Врубель как мастер декораций и иллюстратор

Талант Врубеля не ограничивался станковой живописью. Он был также признанным мастером оформления оперных декораций и костюмов, что позволяло ему реализовать свою идею синтеза искусств. Среди его работ в этой области выделяются эскизы к операм:

• «Руслан и Людмила» М.И. Глинки (1896): Для Московской частной русской оперы С.И. Мамонтова.
• «Сказка о царе Салтане» Н.А. Римского-Корсакова (1900): Также для оперы С.И. Мамонтова.

В этих работах Врубель проявил свой уникальный дар, создавая не просто фоны, а полноценные художественные миры, где каждая деталь, от костюма до декорации, была продумана до мелочей. В эскизах к театральным постановкам он использовал коллажные элементы для придания особой фактуры и выразительности костюмам или декорациям, что свидетельствовало о его стремлении к объемности и материальности даже в театральном искусстве.

Таким образом, основные темы и образы Врубеля — от трагического Демона до сказочной Царевны-Лебеди — неразрывно связаны с его стилистическими и пластическими решениями. Именно через эти уникальные художественные приемы он сумел вдохнуть в них жизнь, наделить глубоким символизмом и создать миры, которые продолжают завораживать зрителя своей красотой, драматизмом и мистической глубиной.

Новаторство М.А. Врубеля и его место в истории русского искусства

Михаил Александрович Врубель занимает особое, поистине уникальное место в истории русского искусства. Его творчество не просто обогатило художественную палитру рубежа веков, но и стало катализатором глубоких трансформаций, предвосхитив многие тенденции и открытия XX столетия. Он — не только ключевая фигура своего времени, но и мост в будущее, чье новаторство продолжает вдохновлять и сегодня.

Врубель как ключевая фигура и символ эпохи

Врубель представляет собой фигуру ключевого значения в эволюции русского искусства, став подлинным символом эпохи. Символизм, как доминирующее мироощущение и художественное направление конца XIX – начала XX века, нашел в нем своего глубочайшего и наиболее оригинального выразителя. Именно в его творчестве берет начало новое художественное движение, которое не укладывалось в рамки предшествующих стилей и открывало неизведанные горизонты.

Масштаб его гения был осознан уже современниками. Александр Бенуа, один из самых авторитетных критиков и художников «Мира искусства», провидчески писал в своей статье 1903 года: «Будущие поколения будут оглядываться на последние десятки XIX века как на «эпоху Врубеля»». Это высказывание не просто дань уважения, а глубокое понимание того, что Врубель не просто художник своего времени, но и творец, чье влияние простирается далеко за его пределы. Он принадлежит к прославленной плеяде мастеров русского модерна, но его модерн был особенным, пронизанным глубоким символизмом и мощной внутренней драмой. Смелость его гения открывала новые гор��зонты и прорубала новые пути для других художников, делая его творчество живым источником вдохновения.

Возрождение архаических аспектов и влияние Чистякова

Одной из фундаментальных особенностей новаторства Врубеля стало возрождение доренессансного архаического аспекта в искусстве. Он, казалось бы, уподоблял органические тела царству камня, металлов и минералов, придавая им монументальность и величие. Однако это было не слепое подражание архаике, а результат пристального зрительного исследования реальной природы. Врубель черпал вдохновение в византийском искусстве, раннем итальянском Возрождении и древнерусской иконописи, что позволяло ему придавать своим образам особую торжественность, мистицизм и вневременность. Он, по сути, возродил духовное измерение в отечественном искусстве как ключевое и содержательное.

На формирование этой уникальной художественной манеры Врубеля оказал значимое влияние его преподаватель в Императорской Академии художеств (1880–1884 годы) Павел Петрович Чистяков. Рационалистический метод Чистякова, приучавший расчленять предмет на планы, анализировать объем и не отделять рисунок от цвета, был чрезвычайно близок Врубелю. Чистяков учил студентов видеть форму в ее структурной целостности, а не просто копировать внешние черты. Именно это научило Врубеля «гранить любой образ как кристалл на сотни плоскостей, собирающихся в единую фигуру». Этот аналитический подход, соединенный с его мощным воображением, стал основой его «кристаллообразного» стиля, где каждый мазок, словно грань, формирует объем и придает изображению внутреннюю энергию.

Предвосхищение искусства XX века

Наследие Врубеля содержит в себе черты и творческие стратегии, которые убедительно предвосхищают художественный опыт XX века. Его искусство стало своеобразным прологом к новым течениям и направлениям. Среди таких черт можно выделить:

• Переход искусства через грань предметности: Врубель не просто изображал предметы, он стремился раскрыть их внутреннюю сущность, их символическое значение, переходя от конкретного к абстрактному, от видимого к незримому. Это предвосхищало поиски художников-авангардистов, стремящихся к чистому выражению идеи и эмоции.
• Пластическая и образная экспрессивность: Его работы полны внутренней силы, драматизма и эмоционального напряжения. Деформация формы, смещение планов, динамичные мазки — все это создавало мощный экспрессивный эффект, который найдет свое развитие в экспрессионизме XX века.
• Доминирование процесса над результатом: Врубель часто переделывал свои картины, возвращался к ним, искал новые решения, что свидетельствовало о глубоком погружении в сам творческий процесс, который порой был важнее окончательного, завершенного результата. Это отношение к творчеству как к непрерывному поиску также станет характерным для многих художников XX века.

Таким образом, Михаил Врубель не просто вписал свое имя в историю русского искусства, но и заложил фундамент для его дальнейшего развития. Его новаторство, глубокий символизм, уникальный предметно-пластический язык и предвосхищение будущих художественных тенденций делают его одной из самых значительных и влиятельных фигур в мировом искусстве. Неудивительно, что современные исследователи продолжают открывать новые грани его гения.

Искусствоведческие подходы и методы анализа творчества М.А. Врубеля

Феномен Михаила Врубеля настолько многогранен и уникален, что для его полноценного анализа требуются особые искусствоведческие подходы, выходящие за рамки традиционных систем координат. Его творческий метод, пронизанный символизмом и модерном, требует глубокого погружения и систематизации методологий.

Неприменимость традиционных систем и современные интерпретации

К восприятию и анализу творчества Врубеля действительно неприменимы традиционные, линейные системы координат, которые подходят для художников с более классическим или четко выраженным стилевым развитием. Его искусство постоянно балансирует на грани различных направлений, переплетая реальность с фантазией, декоративность с глубокой психологией, академическую выучку с революционным новаторством. Это породило две основные, порой противоречивые, интерпретации его творчества:

• Как противоречивого таланта, к которому следует относиться избирательно: Этот подход предполагает, что Врубель был гением, но его путь был полон внутренних конфликтов и отклонений от нормы, что заставляло некоторых критиков воспринимать его работы с осторожностью. В рамках этой интерпретации акцент делается на отдельных, наиболее успешных произведениях, игнорируя или принижая те, что кажутся менее «совершенными» или выходящими за рамки общепринятых эстетических норм.
• Как идеального художника, чье творчество является одним совершенным произведением: Этот подход рассматривает все работы Врубеля как части единого, грандиозного замысла, где даже самые экспериментальные или на первый взгляд «незавершенные» произведения являются звеньями в цепи его непрерывного художественного поиска. Здесь ценятся целостность его художественного метода и глубина его мироощущения, а также его способность найти символ в простом, превращая каждый объект в отражение более высоких сущностей. Современное искусствоведение все больше склоняется ко второму подходу, видя в этой «противоречивости» не слабость, а силу и уникальность его гения.

Структурализм, герменевтика и концепция изобразительной поверхности

Для глубокого изучения творчества Врубеля, наряду с подходами, основанными на исследовании стиля, необходимо рассмотрение его метода, чтобы раскрыть его значение как художника-классика, создателя уникальных форм. В этом контексте особую применимость находят такие методологии, как структурализм и герменевтика.

• Структурализм позволяет анализировать произведения Врубеля как сложные системы взаимосвязанных элементов, где каждый мазок, цвет, форма, композиционный прием не случаен, а является частью общей структуры, несущей определенный смысл. Он помогает выявить внутренние законы построения его образов, понять, как отдельные «грани» его «кристаллического» стиля взаимодействуют между собой, создавая цельное и многозначное высказывание.
• Герменевтика же дает инструментарий для интерпретации скрытых смыслов, символов и аллегорий в работах Врубеля. Поскольку его искусство глубоко символично, герменевтический подход позволяет расшифровать многозначность его образов, понять, как художник через свои произведения общался со зрителем, передавая интуитивно постигаемые сущности и идеи, смутные чувства и видения.

Особое значение для анализа предметно-пластических особенностей произведений Врубеля имеет концепция В.А. Фаворского об изобразительной поверхности как объемно-пространственном рельефе. Эта концепция подразумевает, что произведение искусства воспринимается не как плоская проекция, а как объемная структура, где каждый элемент имеет свою «весомость» и пространственное положение, создавая иллюзию глубины и осязаемости. Для анализа работ Врубеля, где так важна фактура, объемность мазка и ощущение материальности, были созданы модели изобразительной поверхности, выполненные в технике пластического рельефа. Это позволяет не только визуально, но и тактильно исследовать, как Врубель «лепил краской», как он использовал рельефность мазка и слои для создания ощущения пространства и объема на двухмерной плоскости. Применение этой концепции позволяет раскрыть Врубеля как художника-классика, который не просто изображал, а создавал уникальные, скульптурные формы на холсте.

Комплексный метод исследования

Обоснование необходимости комплексного метода исследования творчества Врубеля вытекает из его сложности и многогранности. Этот метод должен включать:

• Структурный анализ: для выявления внутренней организации произведений, взаимосвязи элементов и принципов их построения.
• Типологический анализ: для классификации образов, тем и стилистических решений, определения их общих черт и различий.
• Сравнительный анализ: для соотнесения творчества Врубеля с работами других художников-современников (русских и зарубежных), а также с традициями русской и европейской живописи, чтобы выявить его новаторство и уникальность.
• Приемы формально-стилистического описания: для детального изучения конкретных художественных приемов, таких как особенности мазка, колористические решения, композиционные построения, фактурные эффекты.

Только такой комплексный подход, сочетающий глубокий теоретический анализ с внимательным формально-стилистическим описанием, позволяет раскрыть содержательную сущность произведений Врубеля через художественную форму. Это дает возможность не просто перечислить его черты, но и понять, как его уникальный художественный метод, его стилистические и предметно-пластические особенности, являлись неотъемлемой частью его мироощущения и вносили вклад в понимание русского искусства рубежа веков.

Заключение

Исследование стилистических и предметно-пластических особенностей творчества Михаила Александровича Врубеля позволяет сделать вывод о том, что перед нами не просто выдающийся художник, а подлинный феномен русского искусства рубежа XIX и XX веков. Его творчество, будучи глубоко укорененным в идеях символизма и эстетике модерна, вышло за их рамки, создав уникальный, ни на что не похожий художественный язык.

Мы увидели, как из ранних поисков Киевского периода сформировался его узнаваемый «кристаллообразный» стиль, где острые, рубленые мазки создают эффект мерцания и внутренней динамики, а деформация формы и сдвиги планов стали не просто приемами, а средством выражения глубинного смысла. Уникальность его предметно-пластического языка проявилась в виртуозной «лепке краской», в использовании густых, рельефных мазков, а также в экспериментах с грунтами и коллажными элементами, что придавало его работам особую осязаемость и фактурное богатство. Графические техники, с их тонкими штрихами и работой углем на грунте, дополняли эту палитру выразительных средств.

Врубель мастерски использовал цвет, свет, композицию и фактуру для передачи эмоционального состояния и создания мистической атмосферы. Пристрастие к золотистым, пурпурным и сине-лиловым тонам, помещающим зрителя в мир символов и глубоких переживаний, а также драматические композиции сжатого пространства и вытянутых холстов, подчеркивающие внутреннее напряжение, стали его фирменным почерком. Фактура, как, например, «шелково-перьевая» в «Царевне-Лебеди», не просто передавала материал, но и наделяла образы мифическими чертами.

Основные темы и образы, такие как трагический и величественный Демон, сказочные Царевна-Лебедь и Пан, а также его блестящие литературные иллюстрации и оперные декорации, воплощались через этот особый стилистический и пластический язык, становясь одновременно реальными и глубоко символичными.

Новаторская роль Врубеля в истории русского искусства неоспорима. Он не только стал глубочайшим выразителем символизма и создателем русского модерна, но и предвосхитил многие художественные тенденции XX века: переход искусства через грань предметности, пластическую и образную экспрессивность, доминирование процесса над результатом. Влияние рационалистического метода П.П. Чистякова и возрождение архаических аспектов, вдохновленных византийским искусством, позволили ему создать уникальный, «граненый» взгляд на мир.

Для адекватного анализа его творчества требуются комплексные искусствоведческие подходы, включая структурализм, герменевтику и концепцию В.А. Фаворского об изобразительной поверхности как объемно-пространственном рельефе. Эти методологии, наряду со структурным, типологическим и сравнительным анализом, позволяют проникнуть в самую суть художественного метода Врубеля, раскрывая его значение как художника-классика, создателя уникальных форм.

Таким образом, стилистические и предметно-пластические особенности М.А. Врубеля являются неотъемлемой частью его уникального мироощущения и его вклада в искусствоведение. Его творчество продолжает оставаться неисчерпаемым источником для исследования, предлагая все новые грани для осмысления и подтверждая его статус одного из величайших и наиболее новаторских мастеров в истории мирового искусства.

Список использованной литературы

1. Алинов, М. М. Врубель. Биография и творческая судьба: Странные пересечения / М. М. Алинов // Изобразительное искусство в школе. — 2002. — № 4. — С. 31 — 39.
2. Алленов, М. М. Этюды цветов М. Врубеля (1886-1887) / М. М. Алленов // Советское искусствознание, 77. — Вып. 2. — М., 1978. – С. 191 – 209.
3. Алпатов, М., Анисимов Г. Живописное мастерство М. Врубеля / М. Алпатов. — М.: Лира, 2000. — 274 с.
4. Вагнер, Г.К. В поисках истины. Религиозно-философские искания русских художников. Середина XIX — начало XX веков / Г. К. Вагнер. — М.: Искусство, 1993. – 138 с.
5. Врубель / Под ред. Н. Надольской. — М.: Белый город, 2001. — 64 с.
6. Врубель / Под ред. Д.В. Сарабьянова. — М.: Изобразительное искусство, 1981. — 48 с.
7. Врубель. Переписка. Воспоминания о художнике / Сборник. – Ленинград: Искусство, 1976. — 383 с.
8. Врубель. Альбом. – Ленинград: Аврора, 1989. — 262 с.
9. Гомберг-Вержбинская, Э.П. Врубель / Э. П. Гомберг-Вержбинская. — М.: Искусство, 1959. – 120 с.
10. Грибков, В. Врубель — живописец-пророк: 150-летие со дня рождения художника / В. Грибков // Юный художник. — 2006. — N 11. — С. 28-31.
11. Гусарова, А.П. Михаил Врубель. Альбом. Изд. 2-е. / А. П. Гусарова. – М.: Трилистник, 2000. – 43 с.
12. Дмитриева, Н.А. М.А. Врубель / Н. А. Дмитриева. — Л.: Художник РСФСР, 1984. — 84 с.
13. Дружинин, С. Н. О русской и советской живописи. Из творческого наследия. Сборник / С. Н. Дружинин. – Ленинград: Художник РСФСР, 1987. — 232 с.
14. Казаков, А. Демон поверженный / Алексей Казаков // Юность. — 2006. — N 9. — С. 94-95.
15. Коваленская, Т.М. Русский реализм и проблема идеала / Т. М. Коваленская. — М.: Изобразительное искусство, 1983. – 156 с.
16. Лернер, В., Каневский М., Вицтум Э. Михаил Александрович Врубель: взаимосвязь психопатологии и творчества // Независимый психиатрический журнал. — 2004. — N 1. — С. 83 — 90.
17. Лернер, Л. Последний полет Михаила Врубеля: к 150-летию художника // Художественный Совет. — 2006. — N 5. — С. 40-43.
18. Михаил Александрович Врубель 1856-1910. Альбом. – М.: Искусство, 1968. — 42 с.
19. Мочалов, Л. В. Пространство мира и пространство картины. Очерки о языке живописи / Л.В. Мочалов. – М.: Советский художник, 1983. – 375 с.
20. Плотников, В. И. Фольклор и русское изобразительное искусство второй половины XIX века / В. И. Плотников. – Ленинград: Художник РСФСР, 1987. — 284 с.
21. Рапацкая, Л. А. Русская художественная культура / Л. А. Рапацкая. – М.: Гуманитарный издательский центр «ВЛАДОС», 1997. – 476 с.
22. Русакова, А.А. Символизм в русской живописи / А. А. Русакова. — М.: Искусство, 1995. — 120 с.
23. Рябцев, Ю. С. Хрестоматия по истории русской культуры. Художественная жизнь и быт XVII-XIX вв / Ю. С. Рябцев. — М.: Владос, 1998. — 647 с.
24. Сарабьянов, Д. В. Врубель. Альбом / Вступ. ст. Д. В. Сарабьянов. – М.: Изобразительное искусство, 1981. — 14 с.
25. Сказка в творчестве русских художников / Авт.-сост. Н. Ф. Шанина. — М.: Искусство, 1969. – 56 с.
26. Суздалев, П. К. Врубель / П. К. Суздалев. – М.: Советский художник, 1991. — 364 с.
27. Суздалев, П. К. Врубель и Лермонтов / П. К. Суздалев. – Изд. 2-е. — М.: Изобр. искусство, 1991. — 237 c.
28. Суздалев, П. К. Врубель. Личность. Мировоззрение. Метод / П. К. Суздалев. – М.: Изобразительное искусство, 1984. — 478 с.
29. Суздалев, П. К. Врубель. Музыка. Театр / П. К. Суздалев. – М.: Изобразительное искусство, 1983. — 366 с.
30. Тарабукин, Н. М. Врубель / Н. М. Тарабукин. – М.: Искусство, 1974. – 175 с.
31. Федоров-Давыдов, А. А. Русский пейзаж конца XIX — начала XX века. Очерки / А. А. Федоров-Давыдов. – М.: Искусство, 1974. — 208 с.
32. Шумский, Н. Врубель. Жизнь и болезнь / Н. Шумский. — СПб.: Академический проект, 2001. — 160 с.
33. Ягодовская, А. М. Врубель / А. М. Ягодовская. — Л.: Художник РСФСР, 1966. — 68 с.
34. Воробьевский, Ю. // Русский Дом. — 2009. — N 1. — С. 52.
35. Колорит в живописи, его разновидности и историческая эволюция [Электронный ресурс] // libq.ru. URL: https://libq.ru/iskusstvo/kolorit-v-zhivopisi-ego-raznovidnosti-i-istoricheskaia-evoliutsiia (дата обращения: 26.10.2025).
36. Термины и понятия в искусстве — Колорит [Электронный ресурс] // Музей Арт-Рисунок. URL: https://art-drawing.ru/history-culture/terms-concepts/733-kolorit (дата обращения: 26.10.2025).
37. Фактура [Электронный ресурс] // ART Узел. URL: https://artuzel.com/content/faktura (дата обращения: 26.10.2025).
38. Фактура в живописи? [Электронный ресурс] // Вопросы к Поиску с Алисой (Яндекс Нейро). URL: https://yandex.ru/q/question/chto_takoe_faktura_v_zhivopisi_2209d6c4/ (дата обращения: 26.10.2025).
39. Символизм [Электронный ресурс] // Словарь литературных терминов. URL: https://www.literary.ru/literary_terms/html/s/simvolizm.html (дата обращения: 26.10.2025).
40. Символизм [Электронный ресурс] // tapemark.narod.ru. URL: http://tapemark.narod.ru/simvol.html (дата обращения: 26.10.2025).
41. МОДЕРН [Электронный ресурс] // tapemark.narod.ru. URL: http://tapemark.narod.ru/modern.html (дата обращения: 26.10.2025).
42. Пластичность (в искусстве) [Электронный ресурс] // bse.slovaronline.com. URL: https://bse.slovaronline.com/26914-PLASTICHNOST_V_ISKUSSTVE (дата обращения: 26.10.2025).
43. О пластической выразительности формы в произведениях изобразительных искусств [Электронный ресурс] // КиберЛенинка. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/o-plastichekskoy-vyrazitelnosti-formy-v-proizvedeniyah-izobrazitelnyh-iskusstv (дата обращения: 26.10.2025).
44. Основоположник русского символизма лекция смотреть, слушать и читать онлайн. Курс Михаил Врубель [Электронный ресурс] // Магистерия. URL: https://magisteria.ru/symbolism-vrubel-lecture (дата обращения: 26.10.2025).
45. Малолетков, В. Стиль модерн в творчестве Михаила Врубеля [Электронный ресурс] // malol.ru. URL: https://www.malol.ru/article/modern-vrubel/ (дата обращения: 26.10.2025).
46. Врубель Михаил Александрович [Электронный ресурс] // Сайт «График». История графики. URL: http://www.grafik.org.ru/vrubel.html (дата обращения: 26.10.2025).
47. Врубель: Жанр живописи, который покорил мир [Электронный ресурс] // Александровский сад. URL: https://as.garden/vrubel-zhanr-zhivopisi-kotoryy-pokoril-mir/ (дата обращения: 26.10.2025).
48. Дмитриева, Н.А. Михаил Александрович Врубель [Электронный ресурс] // Биографии мастеров искусств. URL: http://art-in-x.narod.ru/html/d/dmitrieva-n.a-vrubel/s2.html (дата обращения: 26.10.2025).
49. Врубель: художник на все времена [Электронный ресурс] // Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ». URL: https://www.tretyakovgallery.ru/magazine/archive/vrubel-khudozhnik-na-vse-vremena/ (дата обращения: 26.10.2025).
50. Прорыв в будущее: Михаил Врубель и русское искусство ХХ века [Электронный ресурс] // CyberLeninka. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/proryv-v-buduschee-mihail-vrubel-i-russkoe-iskusstvo-hh-veka (дата обращения: 26.10.2025).
51. Выставка Михаила Врубеля как предмет искусствоведческой рефлексии [Электронный ресурс] // CyberLeninka. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/vystavka-mihaila-vrubelka-kak-predmet-iskusstvovedcheskoy-refleksii (дата обращения: 26.10.2025).
52. Художественный метод М. А. Врубеля: интерпретации и оценки [Электронный ресурс] // CyberLeninka. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/hudozhestvennyy-metod-m-a-vrubelya-interpretatsii-i-otsenki (дата обращения: 26.10.2025).
53. Творческий путь М. А. Врубеля [Электронный ресурс] // Централизованная библиотечная система. URL: https://cbs-uzao.ru/tvorcheskii-put-m-a-vrubelya (дата обращения: 26.10.2025).
54. Художественная манера и техника поэтапно нюансированной работы М. А. Врубеля в мистико-символический период творчества [Электронный ресурс] // Молодой ученый. URL: https://moluch.ru/archive/331/74032/ (дата обращения: 26.10.2025).
55. Известные художники о своем учителе Павле Петровиче Чистякове [Электронный ресурс] // Лаврус. URL: https://lavrus.art/izvestnye-hudozhniki-o-svoem-uchitele-pavle-petroviche-chistyakove/ (дата обращения: 26.10.2025).
56. Творческий метод Врубеля [Электронный ресурс] // ВУнивере.ру. URL: https://vunivere.ru/work35031 (дата обращения: 26.10.2025).
57. Секреты мастерства Михаила Врубеля [Электронный ресурс] // Лаврус. URL: https://lavrus.art/sekrety-masterstva-mihaila-vrubelja/ (дата обращения: 26.10.2025).
58. Творческий метод М. А. Врубеля. Проблемы композиции и изобразительной меры [Электронный ресурс] // Уральский федеральный университет. URL: https://elar.urfu.ru/bitstream/10995/107559/1/ug_2021_att_028.pdf (дата обращения: 26.10.2025).
59. Кто влиял на творчество Врубеля? [Электронный ресурс] // homsk.com. URL: https://homsk.com/kultura/kto-vliyal-na-tvorchestvo-vrubelya (дата обращения: 26.10.2025).