Ювелирные украшения во французском костюме XVII-XVIII веков: эволюция стиля от Барокко к Рококо

Порой кажется, что история моды — это лишь смена фасонов и тканей. Однако за каждой линией силуэта, за каждым элементом декора скрывается целая философия, отражающая дух времени, социальные устремления и эстетические идеалы. Ювелирные украшения в этом контексте выступают не просто дополнением к костюму, но его неотъемлемой частью, молчаливым свидетелем культурных трансформаций и мощным символом статуса, власти и индивидуальности. Во Франции XVII и XVIII веков, в эпоху величественного барокко и изящного рококо, эти украшения достигли своего апогея, став настоящим зеркалом эпохи, отражающим блеск королевских дворов, утонченность аристократических салонов и технологические прорывы ювелирного дела.

Цель настоящей курсовой работы — провести комплексное исследование роли, характеристик и эволюции ювелирных украшений во французском костюме на протяжении двух столетий, охватывающих периоды барокко и рококо. Мы проследим, как художественные и культурные особенности каждого стиля формировали дизайн и символику драгоценностей, какие материалы и техники изготовления были в фаворе, и как социальный, экономический и политический контекст Франции, от абсолютизма Людовика XIV до преддверия Французской революции, влиял на их производство и потребление. Наша задача — не просто описать украшения, но понять их как неотъемлемую часть грандиозного ансамбля французской культуры, где каждый камень, каждый завиток был пропитан глубоким смыслом и свидетельствовал о величии или изяществе своего времени.

Барокко во Франции: величие и пышность (XVII век)

XVII век во Франции — это эпоха беспрецедентного величия, абсолютной монархии и расцвета искусства, получившего название барокко. Это был период, когда двор Людовика XIV, «Короля-Солнца», стал центром европейской моды и культурного влияния, а ювелирные украшения превратились в неотъемлемую часть этого грандиозного спектакля власти и роскоши, подчеркивая социальный статус и демонстрируя величие абсолютной монархии.

Художественно-культурные особенности французского барокко

Если итальянское барокко ошеломляло своей эмоциональностью и драматизмом, то французский вариант, часто именуемый «классическим барокко» или даже «французским классицизмом», отличался большей сдержанностью, рациональностью и упорядоченностью. Во Франции барокко развивалось в гармонии с идеалами классической архитектуры, где торжественность сочеталась со строгой симметрией и пропорциональностью. Это проявилось в период правления Людовика XIII (1610–1643), Людовика XIV (1643–1715) и Людовика XV (1715–1774), с заметным переходом от позднего Ренессанса к барокко между 1624 и 1661 годами.

Ярчайшими примерами этого стиля стали архитектурные шедевры, служившие величественным фоном для придворной жизни и, конечно же, для ювелирного искусства. Среди них — строгий и элегантный Люксембургский дворец (1615-1645, архитектор С. Деброс), демонстрирующий ранние черты классического барокко. Величественный замок Во-ле-Виконт (1656-1661, архитектор Луи Ле Во) стал прообразом для самого знаменитого архитектурного ансамбля эпохи — Версальского дворца, строительство которого началось в 1661 году под руководством Луи Ле Во и Жюля Ардуэна-Мансара. Версаль, с его легендарной Зеркальной галереей (1678-1684), и купол Дома Инвалидов (1675-1706, архитектор Жюль Ардуэн-Мансар) воплотили в себе идеалы французского барокко: монументальность, симметрию, пышность декора и использование ордерной системы (коринфских или композитных колонн). Творчество таких архитекторов, как Франсуа Мансар (1598-1666), Жак Лемерсье и Жюль Ардуэн-Мансар, определяло эстетику этого периода, где строгость линий фасадов контрастировала с богатством внутреннего убранства.

Сосуществование элементов барокко и классицизма было характерной чертой французского искусства XVII века. Уже в работах Соломона де Бросса прослеживались эти тенденции, а в архитектуре Лувра времен Людовика XIV барочные черты искусно переплетались с ренессансными элементами. Официальное придворное искусство первой половины XVII века развивалось преимущественно в формах помпезного барокко. «Первый живописец короля» Симон Вуэ (1590-1649) играл ключевую роль в формировании этого стиля. Его работы, декоративные, торжественные и праздничные, умело сочетали патетику барокко с рациональностью классицизма. Видный портретист Филипп де Шампень (1602-1674), пользовавшийся покровительством короля и кардинала Ришелье, оставил нам множество изображений придворной знати. Эсташ Лесюэр (1616-1655), еще один французский художник барокко, также создавал религиозные и исторические полотна, отличавшиеся изысканностью, элегантностью, текучими линиями и палитрой ярких, холодных оттенков. Эти живописцы запечатлели на своих холстах образы, которые формировали представление об идеальном придворном стиле, где украшения играли далеко не последнюю роль.

Сам стиль барокко, несмотря на свою французскую интерпретацию, все равно характеризовался пышностью, обилием декора и изогнутыми линиями, которые придавали композициям динамизм. Аристократичность сюжетов и богатая палитра с игрой света и тени, часто включающая сочетание белого с золотым, подчеркивали величие и роскошь. Среди характерных декоративных элементов французского барокко выделялись парные каннелированные колонны, широкие пролеты между ними, горельефы, скульптурные группы, пилястры и рустованные элементы, а также массивные порталы. Орнаменты изобиловали мотивами раковины, картуша и медальона, которые могли трансформироваться в формы гвоздики, веера или солнца, а также французской королевской лилии. Распространены были также трельяж (косая ромбовидная сетка с розетками) и ламбрекен (зубчатый занавес с кистями), которые, безусловно, находили свое отражение и в ювелирном дизайне.

Ювелирные украшения XVII века: формы, материалы, техники

Ювелирное искусство XVII века во Франции претерпело значительные изменения, превратившись из преимущественно функционального элемента в роскошный символ статуса. Если до XVI века украшения сводились в основном к брошам, которые служили застежками и декорировались цветными камнями, жемчугом, эмалями и камеями, то к началу XVII века ситуация начала меняться. Ранние металлические броши (фибулы) были утилитарными, изготавливались из меди, бронзы, латуни, серебра или золота и часто украшались гравировкой или чеканкой. Стоит отметить, что в Средние века светские украшения часто служили валютой и могли быть переплавлены, что подчеркивает их практическую ценность.

К началу XVII века во французском костюме стали чрезвычайно популярны высокие колье-ошейники и длинные ожерелья. Сам термин «колье» (collier) происходит от французского слова, означающего «ошейник», и такие украшения, как «коллар» (массивная золотая цепь с подвесками), являлись мощным символом власти и высокого статуса. Однако, по сравнению с пышностью рококо, количество украшений в XVII веке было относительно небольшим. Чаще всего они изготавливались из жемчуга: ожерелья, нитки жемчуга, обвивающие прическу, изящные розетки на корсаже и серьги. При этом нередко использовался натуральный жемчуг неправильной формы, известный как «жемчуг барокко», который своим несимметричным блеском идеально вписывался в эстетику стиля.

В середине XVII века дизайн серег стал заметно сложнее. Появились роскошные серьги-«шандельеры», названные так из-за их многослойной конструкции с множеством подвесок, напоминающих люстры. Еще более изысканными были «жирандоли» — серьги с тремя объемными подвесками, часто жемчужными, которые стали очень модными и ассоциируются с расцветом барокко. Броши также претерпели трансформацию, приобретя более привычный для нас вид и став преимущественно декоративным элементом. Их возросшую популярность часто связывают с маркизой де Севинье, которая, как гласит история, прикрепила подвеску к атласному банту, прикалывая его к платью. Так родилась классическая брошь-бант с подвеской, получившая название «брошь де Севинье». Броши этого периода часто украшали рукава и могли изображать цветы и животных, отражая природные мотивы.

В ювелирном искусстве барокко во Франции широко использовались жемчуг, рубины, изумруды и топазы. Золото было основным металлом для оправ, хотя серебро также применялось. Главный акцент делался на демонстрации самих камней, их природной красоты и блеска. Для огранки алмазов применялись такие формы, как «роза» с плоским основанием и куполом с 3-24 треугольными гранями, а также «мазарино», имевшая 34 грани (или 17 на павильоне). Ювелиры XVII века стремились к созданию живописных эффектов и сложных колористических сочетаний, искусно комбинируя эмали, золото и драгоценные камни, часто покрывая металлическую основу мерцающим слоем. Одной из уникальных техник того времени было изобретение эмали émail en résille, при которой рисунок вытравливался на стекле, затем покрывался золотой фольгой и заполнялся порошковой эмалью, создавая необычайную глубину и игру света.

Развитие ювелирного искусства напрямую зависело от доступности драгоценных материалов. Благодаря активной торговле с Индией, Колумбией и Шри-Ланкой, в Европу поступало огромное количество алмазов, изумрудов, рубинов и жемчуга. Индия, в частности, была монополистом на алмазном рынке до XVIII века, большинство алмазов добывалось в Голконде. Французский купец Жан-Батист Тавернье совершил шесть путешествий в Индию в середине XVII века, не только документируя индийские алмазы и методы их огранки, но и привозя в Европу знаменитые камни. Именно он доставил во Францию легендарный голубой алмаз «Тавернье» весом 115 карат, который впоследствии стал «Французским синим», а затем — знаменитым алмазом Хоупа. Этот приток новых камней стимулировал развитие искусства огранки, которая к концу XV века приобрела самостоятельное значение, породив «табличные» и «островершинные» огранки, а в XVI веке европейцы начали применять направленное раскалывание кристаллов, открывая новую эру в ювелирном деле.

Социальный контекст и роль ювелирных украшений при дворе Людовика XIV

Эпоха Людовика XIV, известного как «Король-Солнце», стала золотым веком для французского ювелирного искусства. Монарх, глубоко понимавший символическую силу роскоши, создал все необходимые условия для того, чтобы Париж превратился в бесспорную столицу высокого ювелирного дела. Его политика была направлена на активную поддержку искусства и коллекционирования. В 1648 году была основана Королевская академия живописи и скульптуры, а в 1671 году — Королевская академия архитектуры. В 1666 году открылась Французская академия в Риме, призванная обучать художников в классическом духе. Людовик XIV разместил лучших ювелиров, художников и чеканщиков монет в Большой галерее Лувра, освободив их от цехового контроля и позволив работать напрямую с публикой. Это привело к беспрецедентной концентрации талантов и стимулировало инновации в ювелирной отрасли.

Жизнь при французском дворе Людовика XIV была подчинена строжайшему этикету, представляя собой непрерывный спектакль, где сам король был центральным действующим лицом. Этот «спектакль» требовал невиданного изобилия драгоценностей, которые гармонировали с пышными нарядами и роскошными интерьерами, служа мощным символом власти, богатства и величия абсолютной монархии. Французские моды, наряду с предметами роскоши, активно экспортировались по всей Европе, устанавливая стандарты вкуса и стиля. Французские кружева, перчатки, шелковые чулки и, конечно же, ювелирные изделия доминировали на европейском рынке в течение нескольких столетий. Версальский дворец стал образцом для подражания для всех европейских дворов, а французские серебряные изделия находили покупателей в Португалии, России и Англии.

Придворные мастера создавали для Людовика XIV несравненные драгоценности, многие из которых впоследствии пополнили коллекцию Луврского музея. Король собрал крупнейшую в мире коллекцию драгоценных камней, ставшую основой сокровищницы французской короны. Среди них был знаменитый алмаз «Санси» (55,23 карата), унаследованный от кардинала Мазарини, который король носил в шляпной броши. В 1665 году Людовик XIV также приобрел редкий розовый бриллиант «Гиз» весом 33 карата.

Людовик XIV был известным модником и истинным ценителем роскоши. Существует легенда, что однажды он заказал костюм, полностью расшитый белыми бриллиантами. Его парадные наряды неизменно украшались огромным количеством самоцветов: бриллианты сверкали на туфлях, в заколках для париков, перстнях, пряжках и подвесках. Король испытывал особую страсть к бриллиантам, предпочитая их жемчугу, что повлияло на предпочтения двора. Королева Анна Австрийская, мать Людовика XIV, также способствовала распространению тяги к роскоши, заказывая мебель из серебра или со вставками из него и инициируя строительство церкви Валь-де-Грас, привлекая ведущих архитекторов барокко. От нее и кардинала Мазарини Людовик XIV унаследовал свою страсть к искусству и коллекционированию.

В XVII веке наряды были настолько пышными и обильно украшенными драгоценностями, лентами, кружевами и вышивкой, что иногда сам человек «терялся» на их фоне. Один из костюмов Людовика XIV, по некоторым данным, был расшит примерно 2000 алмазов и бриллиантов. Жемчуг нашивали на платья и использовали для украшения волос. В женском костюме украшения располагались преимущественно спереди. Это было обусловлено придворным этикетом, который обязывал дам стоять к королю лицом, демонстрируя свою преданность и, конечно же, роскошь своего убранства.

К середине XVII века женский костюм стал заметно ярче и пышнее под влиянием стиля барокко. К 1670-м годам талия стала уже и длиннее, рукава укоротились до локтя и украшались широкими кружевными оборками, а декольте изменилось с овального на неглубокое каре, что открывало новые возможности для демонстрации украшений.

Однако к концу XVII века, на фоне экономических трудностей, были введены указы «Против роскоши» (sumptuary laws), обязывающие сдавать золотые и серебряные изделия на переплавку для пополнения казны. Это стимулировало производство украшений из недрагоценных металлов и материалов, но не отменяло общего стремления к блеску. Менее привилегированные слои общества, стремясь имитировать дорогие украшения аристократии, стали использовать полудрагоценные камни, такие как горный хрусталь, турмалин, хризобериллы, вместо бриллиантов, создавая прототипы будущей бижутерии. Таким образом, даже в условиях ограничений стремление к имитации роскоши оставалось неизменным.

Рококо во Франции: изящество и интимность (XVIII век)

После величественного и порой давящего барокко, XVIII век принес во Францию новый стиль — рококо. Он стал не только логическим развитием, но и художественным антиподом своего предшественника, предложив миру эстетику грациозности, легкости и интимно-кокетливого очарования.

Художественно-культурные особенности французского рококо

Стиль рококо, название которого происходит от французского «rocaille» — раковина, щебень, зародился во Франции в начале XVIII века, в эпоху Регентства (1715-1723), после смерти Людовика XIV. Он достиг своего расцвета при Людовике XV (1723–1774) и начал постепенно уступать место классицизму с 1760-х годов, окончательно сдав позиции к 1780-м. Рококо возник как своеобразная реакция на монументальность и строгую торжественность «большого стиля» Людовика XIV. Аристократия, уставшая от помпезности Версаля, искала более комфортную, интимную и изящную обстановку. Если барокко тяготело к монументальной торжественности и масштабности, то рококо предпочло камерность, легкую игривость, сентиментальность и утонченность, перенеся акцент с внешнего величия на внутренний уют и изысканные детали.

Характерной чертой рококо стала его цветовая палитра — светлые, пастельные тона. В моду вошли розовые, голубые, сиреневые оттенки, а также бежевый, оливковый и цвета слоновой кости, часто в сочетании с золотистым. Эти нежные краски идеально гармонировали с общим настроением легкости и изящества. Основные мотивы рококо включали завитки раковины (рокайль) — главный элемент орнамента, который трансформировался в веерообразную композицию из извивающихся лепестков, с разворачивающимися лентами в гирляндах и закручивающимися листьями. Помимо этого, в орнаментике активно использовались растительные и цветочные мотивы, изображения мифологических существ, сатиров, обезьянок.

Особое место в эстетике рококо заняли элементы восточного искусства, так называемые шинуазри. С 1720-х годов «китайщина» стала заметной ветвью рококо, предлагая европейскую интерпретацию азиатской культуры. Это проявлялось в изображениях китайцев, пагод, экзотических пейзажей, а также в использовании лаковых ширм, фарфора и шелка. Эти мотивы привнесли в стиль нотку экзотики, игривости и утонченности, что идеально соответствовало новому вкусу аристократии.

Ювелирные украшения XVIII века: инновации и новые тенденции

Ювелирное искусство эпохи рококо во Франции стало воплощением изысканности, грациозной пластики и нежных красок. Оно отличалось асимметричными формами, изогнутыми линиями и необычайной легкостью, что кардинально отличало его от монументального барокко. Орнаментика стала более экстравагантной и экзотической, свободно сочетая завитки, растительные узоры и фигурки.

Революционным событием для ювелирного дела стало изобретение бриллиантовой огранки алмазов, приписываемое венецианцу Винченцо П��руцци в конце XVII века. Огранка Перуцци, или «тройная огранка», включала 58 граней и округлый контур рундиста, что значительно улучшило блеск и игру света по сравнению с более ранними формами, такими как «мазарино» (34 грани) и «роза» (до 24 граней). Алмазы, ограненные в этом стиле, стали первыми, которые начали называть бриллиантами. Их сверкание и радужная игра света идеально соответствовали эстетике рококо, благодаря чему XVIII столетие порой называют «веком цветка и алмаза». Бриллианты стали основным драгоценным камнем в украшениях.

Ювелиры рококо начали создавать изящные открытые оправы для бриллиантов, предпочитая серебро традиционному желтому золоту. Это решение было продиктовано стремлением максимально продемонстрировать красоту камня: белый металл усиливал сияние бриллиантов, тогда как желтое золото могло придавать им нежелательный желтоватый оттенок. Для мелких бриллиантов применялась закрепка «паве», позволяющая располагать камни максимально близко друг к другу, почти сплошь покрывая ими поверхность изделий, создавая эффект сплошного мерцающего полотна.

Арсенал используемых камней в рококо был чрезвычайно широк: от бриллиантов, рубинов и изумрудов до полудрагоценных гранатов, топазов, аквамаринов, аметистов, оливинов, сердоликов и полосчатых агатов. Активно использовались также жемчуг, перламутр, кораллы и эмали. Ювелиры часто комбинировали бриллианты с рубинами и изумрудами для создания изящных растительных композиций. Для усиления многоцветного эффекта под бриллианты могли подкладывать цветную фольгу, придавая им дополнительную глубину и оттенок. Для усиления естественного цвета камней также использовалась цветная фольга.

Эпоха рококо принесла и новые, уникальные виды украшений:

• Портбукеты — изящные драгоценные вазы для живых цветов, часто дополненные цветами из золота, серебра и драгоценных камней, которые дамы носили на корсаже.
• Эгреты — эффектные заколки для волос в виде султанов, асимметрия которых подчеркивалась перьями или яркими бабочками, часто инкрустированные бриллиантами. Они украшали высокие прически дам, придавая им воздушность и праздничность.
• Колье-чокеры, известные как склаважи, представляли собой плотно охватывающие шею ожерелья. Они могли быть выполнены из жемчужных нитей, ленты или черной бархотки, с подвижным центральным элементом — медальоном, бантом или цветком. Склаважи завязывались сзади на бант и могли быть также в виде цветочной гирлянды из драгоценных камней.
• Парюры — гарнитуры украшений, выполненные в едином стиле. Они могли быть малыми (2-3 предмета для повседневной носки, например, колье, брошь и серьги) или большими (до 15 предметов для торжественных случаев, включая диадему, ожерелье, брошь, серьги, браслеты, кольца, гребни и шпильки). Дизайн диадемы часто определял декоративное оформление всего комплекта.

Среди серег особой популярностью пользовались «бриолез» с длинными подвижными подвесками каплевидной или звездообразной формы, а также серьги-люстры, которые были более сложными и многоярусными. Кольца рококо отличались изяществом и небольшими размерами, часто с центральным камнем в минималистичной оправе.

XVIII век стал эпохой расцвета брошей. Они окончательно перестали быть просто утилитарными застежками и превратились в самостоятельные, полноценные украшения. Особенно модными были броши в виде бантов, букетов цветов, переплетенных ветвей, бабочек и перьев. Броши в форме бантов и цветочных букетов, инкрустированные бриллиантами, достигали внушительных размеров, некоторые из них могли весить до 98 или даже 155 граммов.

Для придания украшениям дополнительной динамики и «живости» ювелиры рококо использовали технику «ан трембла» (en tremblant), при которой камни крепились на подвижную основу (например, часовую пружинку или тонкую металлическую проволочку). Это позволяло украшениям слегка дрожать при движении, создавая эффект мерцания и игры света, идеально соответствующий игривому и легкому настроению рококо.

Социальный контекст и интеграция украшений в костюм рококо

Эпоха рококо, пришедшая на смену барокко при Людовике XV, ознаменовала собой значительный отход от торжественной пышности Версаля в сторону более камерных и интимных салонов парижской знати. Эти «интимные салоны» в городских особняках («отелях») сменили парадные залы Версаля как центры светской жизни, предлагая более комфортную, изящную и непринужденную атмосферу. Этот культурный сдвиг напрямую повлиял на интимность сюжетов и форм в искусстве, включая ювелирные украшения.

Модный костюм эпохи рококо был чрезвычайно благосклонен к драгоценным украшениям, а платье аристократок предполагало ношение большого их числа. Несмотря на обилие лент, рюшей и вышивки в нарядах, глубокие декольте женских платьев, порой доходившие до талии, способствовали моде на колье, особенно на популярные склаважи. Аристократки носили полные парюры, включающие серьги, кольца, броши, браслеты и разнообразные украшения для головы, такие как бриллиантовые эгреты. Сложные и высокие прически рококо часто дополнялись не только брошами, но и живыми цветами, лентами, шпильками, перьями, а также упомянутыми эгретами и «цитернаделями» (подвижными шпильками), создавая целые архитектурные сооружения на головах дам. Дамы рококо также украшали волосы брошами с двух сторон и прикалывали их к корсажу, подчеркивая изящество силуэта.

Привилегированные слои общества, как и прежде, диктовали моду, однако в этот период разница для других слоев заключалась лишь в материалах и искусности изготовления украшений. В конце XVII века были введены указы «Против роскоши», обязывающие сдавать золотые и серебряные изделия на переплавку, что стимулировало производство украшений из недрагоценных металлов. Менее привилегированные слои имитировали дорогие украшения, используя полудрагоценные камни, такие как горный хрусталь, турмалин, хризобериллы, вместо бриллиантов, что способствовало развитию индустрии имитации.

К сожалению, блестящая эпоха рококо завершилась драматически. К концу XVIII века, с началом Французской революции, ювелирные украшения были объявлены пережитком «старого режима». Многие драгоценности были массово вывезены из страны, переплавлены или переделаны за границей. С сентября 1792 года из Гард-Мебель де ла Куронн (хранилища королевских сокровищ) была похищена значительная часть драгоценностей французской короны, включая знаменитые алмазы «Французский синий», «Регент» и «Санси». По оценкам, в период с 1789 по 1790 год было уничтожено до 54 тонн серебряных изделий. Позднее, в 1887 году, большая часть оставшихся коронных драгоценностей была продана Третьей Французской Республикой на аукционе, чтобы предотвратить возможный монархический переворот. Таким образом, Французская революция не только изменила политический ландшафт, но и навсегда трансформировала судьбу ювелирного искусства, оставив нам лишь отголоски былой роскоши.

Выдающиеся личности и их вклад в развитие ювелирного искусства Франции

За блеском и великолепием ювелирных украшений стоят не только веяния моды и культурные трансформации, но и талант, предприимчивость и инновации выдающихся личностей. XVII и XVIII века во Франции были отмечены деятельностью мастеров, чьи имена навсегда вписаны в историю ювелирного дела.

Среди таких фигур выделяется французский купец и ювелир Жан-Батист Тавернье (1605–1689). Его можно назвать настоящим «оптовым» поставщиком алмазов для двора Людовика XIV. С 1631 по 1668 год Тавернье совершил шесть масштабных путешествий на Восток, включая Индию, преодолев более 240 000 километров. Эти экспедиции не только обогатили его самого, но и значительно пополнили королевскую сокровищницу Франции. Тавернье был не только торговцем, но и дотошным наблюдателем: его труд «Шесть путешествий» (1676) стал ценнейшим источником информации о торговле, обычаях Востока и, конечно, о методах добычи и огранки индийских алмазов. Именно он привез в Европу знаменитый голубой алмаз весом 112³⁄₁₆ карата (около 115 современных метрических каратов), который он продал Людовику XIV в 1668 году. Этот камень был переогранен в «Французский синий» (67 карат) и впоследствии стал известен как легендарный алмаз Хоупа. В 1669 году Людовик XIV даже пожаловал Тавернье баронский титул в обмен на этот бесценный камень, подчеркивая его значимость для королевской сокровищницы.

Если Тавернье был главным поставщиком «сырья», то Винченцо Перуцци из Венеции стал ключевой фигурой в развитии технологий огранки. Именно ему приписывается изобретение бриллиантовой огранки алмазов в конце XVII века – инновации, оказавшей огромное влияние на ювелирное искусство рококо. Огранка Перуцци, также известная как «тройная огранка», имела 58 граней и округлый контур рундиста. Это было колоссальным прорывом по сравнению с более ранними огранками, такими как «мазарино» (34 грани) и «роза» (до 24 граней). Новая огранка значительно улучшила игру света и блеск алмаза, сделав его по-настоящему «бриллиантовым», что идеально соответствовало эстетике легкости и сверкания, характерной для стиля рококо. Алмазы, ограненные в стиле Перуцци, стали первыми, которые начали называть бриллиантами в современном понимании этого слова.

К сожалению, несмотря на всю роскошь и обилие украшений, лишь малое количество ювелирных изделий XVIII века сохранилось в оригинальной форме до наших дней. Этому феномену есть несколько причин. Во-первых, постоянно меняющаяся мода требовала от владельцев драгоценностей обновления. Старые украшения разбирались, камни переогранялись, а металлы переплавлялись для создания новых, более актуальных форм. Во-вторых, экономические кризисы, такие как королевские декреты 1709 и 1759 годов, обязывавшие сдавать столовое серебро на переплавку для пополнения казны, приводили к массовому уничтожению ценных изделий. И, наконец, одним из самых разрушительных событий стала Французская революция (с 1789 года). Ювелирные украшения, как символ «старого режима», подвергались конфискации, переплавке или были похищены. В сентябре 1792 года из Гард-Мебель де ла Куронн была украдена значительная часть драгоценностей французской короны, включая такие алмазы, как «Французский синий», «Регент» и «Санси». По оценкам, в период с 1789 по 1790 год было уничтожено до 54 тонн серебряных изделий. Позднее, в 1887 году, большая часть оставшихся коронных драгоценностей была продана Третьей Французской Республикой на аукционе, чтобы предотвратить любой намек на возрождение монархии. Таким образом, судьба многих шедевров ювелирного искусства была трагична, что делает сохранившиеся до наших дней экземпляры еще более ценными.

Заключение

Ювелирные украшения во французском костюме XVII-XVIII веков представляют собой не просто элементы декора, но и уникальные артефакты, красноречиво свидетельствующие о глубоких культурных, социальных и технологических трансформациях эпохи. Исследование показало неразрывную связь ювелирного искусства с общекультурным контекстом, где каждый завиток барокко и каждая игра света рококо были продиктованы духом времени.

В XVII веке, в эпоху французского барокко, ювелирные изделия служили выражением величия и мощи абсолютной монархии. Под покровительством Людовика XIV Париж стал центром ювелирного искусства, где роскошь диктовалась придворным этикетом. Украшения того времени отличались пышностью, использованием натурального жемчуга (в том числе «жемчуга барокко»), рубинов, изумрудов, топазов и золота. Популярными были высокие колье-ошейники, длинные ожерелья и сложные серьги — «шандельеры» и «жирандоли». Эволюция огранки алмазов, таких как «роза» и «мазарино», а также появление техники émail en résille, подчеркивали стремление к живописным эффектам. Деятельность Жана-Батиста Тавернье, поставщика редких алмазов из Индии, стала катализатором развития ювелирного дела, наполнив королевскую сокровищницу несметными богатствами. Украшения, расположенные преимущественно спереди, идеально дополняли пышные наряды, символизируя статус и богатство придворных.

XVIII век ознаменовал собой переход к стилю рококо, который, будучи логическим развитием барокко, стал его художественным антиподом. Отход от монументальности Версаля к камерным парижским салонам привел к появлению более легких, грациозных и интимно-кокетливых форм. Ювелирное искусство рококо характеризовалось изысканными асимметричными линиями, пастельными тонами и обилием новых мотивов: рокайля, растительных орнаментов и шинуазри. Ключевой инновацией стало изобретение Винченцо Перуцци бриллиантовой огранки (58 граней), что превратило бриллианты в доминирующий камень, усиленный использованием серебряных оправ и закрепки «паве». Появились новые типы украшений: портбукеты, эгреты, колье-чокеры (склаважи) и полные парюры. Техника «ан трембла» придавала изделиям динамизм и игру света. Костюм рококо, с его глубокими декольте и высокими прическами, идеально интегрировал эти украшения, создавая образ изящной легкости.

Однако судьба многих этих произведений искусства оказалась трагичной: экономические кризисы и, в особенности, Французская революция привели к массовому вывозу, переплавке и похищению драгоценностей, которые были объявлены символами «старого режима». Отсюда следует, что политические потрясения могут не только менять государственное устройство, но и навсегда трансформировать культурное наследие, уничтожая или видоизменяя произведения искусства.

Таким образом, ювелирные украшения французского костюма XVII-XVIII веков являются не только эстетическим феноменом, но и ценным источником для изучения истории культуры. Их эволюция от помпезного величия барокко до интимного изящества рококо отражает глубокие изменения в обществе, искусстве и технологиях, делая их неотъемлемой частью нашего понимания этой блистательной эпохи.

Список использованной литературы

1. Бирюкова А. Ю. Прикладное искусство Франции XVII-XVIII веков. СПб., 2002. 340 с.
2. Галанина Г. А. Ювелирные изделия в Эрмитаже. Л., 1967. 145 с.
3. Ермилова Д. И. История домов моды. М., 2003. 350 с.
4. Захаржевская Р. В. История костюма от античности до современности. М., 2006. 380 с.
5. Киреева Е. В. История костюма. М., 1989. 286 с.
6. Комиссаржевский Ф. Ф. История костюма. М., 2005. 431 с.
7. Макаров Л. П. Ювелирные украшения. М., 2003. 332 с.
8. Мерцалова М. Н. Костюм разных времен и народов. Т. 3. М., 1993. 450 с.
9. Неклюдова Т. П. История костюма. Ростов-н-Д, 2004. 240 с.
10. Пармон Ф. М. Европейский костюм: стили и мода. М., 1982. 333 с.
11. Шаталова И. В. Стили ювелирных украшений. М., 2004. 255 с.
12. Фелькерзам А. Е. Ювелирные изделия времён Александра I // Старые годы: Ежемесячник для любителей искусства и старины. СПб., 1908. С. 529–546.
13. Ювелирные изделия. СПб., 2000. 320 с.
14. Королевские украшения Франции 18 века. URL: https://www.livemaster.ru/topic/2645607-korolevskie-ukrasheniya-frantsii-18-veka (дата обращения: 20.10.2025).
15. Людовик XIV, «изобретатель» французского высокого ювелирного искусства. URL: https://www.journaldesfemmes.fr/luxe/joaillerie/2873105-louis-xiv-inventeur-haute-joaillerie-francaise/ (дата обращения: 20.10.2025).
16. О стиле рококо в ювелирных украшениях (для специалистов ювелирной розницы – продолжение). URL: https://www.6carat.ru/about_jewelry/jewelry_news/27641/ (дата обращения: 20.10.2025).
17. Барокко и рококо в ювелирном искусстве. URL: https://www.antik-forum.ru/forum/showthread.php?t=15998 (дата обращения: 20.10.2025).
18. История украшений. Продолжение. Эпоха Роккоко, Классицизм. URL: https://art-on-ice.ru/articles/history_of_jewelry_rococo.php (дата обращения: 20.10.2025).
19. Четыре периода ювелирного искусства в картинах старых мастеров // КиберЛенинка. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/chetyre-perioda-yuvelirnogo-iskusstva-v-kartinah-staryh-masterov (дата обращения: 20.10.2025).
20. История французского костюма. URL: https://www.m-be.ru/articles/istoriya-frantsuzskogo-kostyuma/ (дата обращения: 20.10.2025).
21. Драгоценности эпохи рококо. URL: https://goldandjewellery.ru/jewellery_history/rococo.html (дата обращения: 20.10.2025).
22. Исторические художественные стили — барокко, рококо, классицизм и ампир — и их воплощение в ювелирных украшениях // Ювелирум. URL: https://juvelirum.ru/yuvelirny-e-ukrasheniya-v-stile-barokko-rokajl-klassitsizm-ampir-i-istoriya-y-uvelirnogo-dela/ (дата обращения: 20.10.2025).
23. Драгоценности французской короны // LiveJournal. URL: https://louvre-museum.livejournal.com/1826.html (дата обращения: 20.10.2025).
24. Рококо: элегантность ювелирного искусства XVIII века. 01 Окт, 2025. URL: https://alltime.ru/blog/post/rokoko-eleganciya-yuvelirnogo-iskusstva-xviii-veka (дата обращения: 20.10.2025).
25. Средневековье, возрождение, барокко, рококо // Лавка Сороки. URL: https://lavkasoroki.com.ua/novosti/srednevekovje-vozrozhdenie-barokko-rokoko/ (дата обращения: 20.10.2025).
26. КОНЕЦ XVIII ВЕКА -1820 ГОД // О искусстве. URL: https://o-iskusstve.com/konets-xviii-veka-1820-god/ (дата обращения: 20.10.2025).
27. Основные вехи в истории и развитии уникальных техник французских ювелиров – мастеров серебряных дел. URL: https://zen.yandex.ru/media/id/6314f2e29381c8188176840d/osnovnye-vehi-v-istorii-i-razvitii-unikalnyh-tehnik-frantcuzskih-iuvelirov-masterov-serebrianyh-del-6395b0c9527f050b1e32717e (дата обращения: 20.10.2025).
28. Французский костюм 2-й половины 17 века (эпохи Людовика XIV) // Mir-Kostuma.com. URL: https://mir-kostuma.com/frantsuzskij-kostyum-2-j-poloviny-17-veka-epohi-lyudovika-xiv/ (дата обращения: 20.10.2025).
29. Людовик XIV: роскошь великого века №33 // Antiqueland. URL: https://www.antiqueland.ru/magazine/33/276/ (дата обращения: 20.10.2025).
30. Французский дворянский костюм. URL: https://costume-history.ru/frantsuzskij-dvoryanskij-kostyum/ (дата обращения: 20.10.2025).