Эволюция отношения к русскому прикладному искусству: от «узорочья» до культурного феномена XXI века

В 2023 году суммарный годовой доход российских предприятий народных художественных промыслов (НХП) превысил 24 миллиарда рублей, а креативная экономика, включающая НХП, внесла 4,1% в ВВП России по итогам 2024 года, с планами увеличения этого показателя до 6% к 2030 году. Эти цифры красноречиво говорят о том, что русское прикладное искусство сегодня — это не просто пережиток старины, а живая, развивающаяся и экономически значимая часть национальной культуры. Но как формировалось это отношение, как предмет быта превратился в объект изучения и гордости, пройдя сквозь века, меняя свой статус от анонимного «узорочья» до высоко ценимого художественного выражения?

Введение: Прикладное искусство как зеркало русской культуры и мировоззрения

Русское прикладное искусство — это не просто совокупность ремесел, а глубокое отражение эстетических идеалов, социальных устоев и функциональных потребностей общества на протяжении всей его истории. Оно служит уникальным зеркалом, в котором прочитываются не только художественные предпочтения, но и мировоззрение человека, его отношение к окружающему миру, труду и красоте. Актуальность изучения этого феномена продиктована необходимостью осмысления культурного кода нации, выявления механизмов сохранения традиций и адаптации их к современным реалиям, что является ключевым для понимания идентичности и будущего русской культуры.

В данном реферате мы предпримем историко-культурологический анализ эволюции отношения к русскому прикладному искусству, охватывая ключевые хронологические этапы — от Древней Руси до XXI века. Для начала определим основные термины. Декоративно-прикладное искусство (ДПИ) — это широкая категория, объединяющая создание предметов, сочетающих в себе утилитарную функциональность и художественную эстетику. Эти произведения тесно связаны с бытовыми нуждами людей и являются неотъемлемой частью их среды обитания. Народные промыслы представляют собой более узкую нишу ДПИ, где акцент делается на традиционных методах производства, региональной самобытности и передаче мастерства из поколения в поколение. Их отличительная черта — тесная привязка к конкретным территориям. Эстетическое отношение в контексте русского прикладного искусства означает восприятие предмета не только как функциональной вещи, но и как носителя красоты, гармонии и художественной выразительности, где качество, придающее предмету ДПИ статус произведения искусства, заключается в его декоративности, проявляющейся не только в украшении отдельными деталями, но и в общем композиционно-пластическом строе. Изделия русского ДПИ всегда были пронизаны стремлением к красоте, органично вплетаясь в повседневную жизнь и украшая её художественной выдумкой.

Истоки отношения: Древняя Русь и Московское царство (X-XVII века)

В Древней Руси прикладное искусство было неразрывно связано с бытом, пронизывая все сферы жизни, от княжеских палат до крестьянских изб. Оно формировалось как неотъемлемая часть окружающей среды, наполненная глубокой символикой и функциональностью, и уже тогда являлось предметом собирательства.

«Узорочье»: Понятие и функции раннего русского ДПИ

В Древней Руси для обозначения различных видов прикладного искусства использовалось емкое и поэтичное слово — «узорочье». Этот термин объединял всевозможные украшения, узоры и декоративные элементы, будь то резьба по дереву, вышивка, ювелирные изделия или керамика. Декоративно-прикладное искусство X-XIII веков представляло собой целостное явление с общими мотивами и сюжетами, распространенными по всей территории, что свидетельствовало о чертах единой культуры Киевского русского государства.

Сохранившиеся образцы «узорочья» являются неисчерпаемым источником сведений о быте древнерусских людей всех слоев общества, от смерда до князя. Весь быт был пронизан любовью к красоте, стремлением украсить жизнь художественной выдумкой, что проявлялось повсеместно: в хитроумной резьбе на бревенчатых постройках, яркой вышивке на домотканом холсте, богато украшенной утвари. Произведения домонгольского искусства демонстрируют и тесные связи Древней Руси со Скандинавией, Византией, Западной Европой и ближневосточными странами, что обогащало ее художественный язык, не умаляя самобытности. Ведь именно через такие обмены культура обогащается, сохраняя при этом свою уникальность.

Символизм и мастерство: Ювелирное искусство и резьба по дереву

Ювелирное искусство Древней Руси было вершиной мастерства, сочетая сложнейшие техники с глубоким символизмом. Городские мастера X-XIII веков виртуозно владели такими приемами, как скань (узор из тонкой скрученной проволоки), зернь (крохотные металлические шарики, напаянные на поверхность), позолота, чернь и многоцветная эмаль. Эти техники позволяли создавать настоящие шедевры, которые были не просто украшениями, но и мощными оберегами.

Ювелирные изделия того времени изобиловали как языческими, так и христианскими символами, а также византийскими и древневосточными сюжетами. От язычества происходят привески-амулеты в виде ложек (символ сытости) и фигурок птиц, а также подвески в виде коня, часто украшенные кружочками с точкой (солнечными знаками). Ключи символизировали целостность и сохранность имущества. Женские украшения часто имели символы солнца, изготавливались из бронзы, биллона или высокопробного серебра. Лунницы использовались славянами с X века в качестве ожерелий, а иногда и серег. Знатные дамы носили украшения из чистого серебра, декорированные филигранью и зернью, а колты XI-XII веков часто были золотыми, украшенными многоцветной эмалью, жемчужной обнизью или чернью. В составе великокняжеских сокровищ встречаются бармы и колты с изображениями первых русских святых Бориса и Глеба, а также Богоматери со святыми Ириной и Варварой, выполненными в технике перегородчатой эмали. Эти украшения, такие как золотые цепи, скульптурные колты, монисто и браслеты, имели не только эстетическое, но и ритуальное значение, служа оберегами.

Параллельно с ювелирным искусством, деревянная резьба играла фундаментальную роль в быту и культуре Древней Руси. Весь быт был связан с деревом: из него изготавливались дома, посуда, орудия труда, транспорт. Мастера и простые люди создавали из дерева колыбели и игрушки для детей, прялки и веретена для женщин, ковши и солоницы для праздничного стола, а также сани и дуги. Гладкие поверхности построек и бытовых предметов мастера стремились украсить порезками, зарубками и выемками. Деревянная резьба также активно применялась в монументально-декоративном искусстве, украшая здания, суда и предметы обстановки. Одним из важных центров искусства резьбы был Новгород, отличавшийся логичностью и ясностью композиционных решений.

Особенности восприятия: Круглая скульптура и раннее собирательство

Восприятие различных видов искусства в Древней Руси имело свои особенности. Так, круглая скульптура в христианской Руси долгое время считалась «греховным, языческим» искусством и не имела широкого распространения. Ее ограниченное распространение было связано с сильным влиянием византийской традиции, отдававшей предпочтение плоским и рельефным формам, а также с ассоциациями с языческими идолами. Тем не менее, в народном искусстве языческой Руси, в деревянных идолах, выражалось развитое чувство крупной пространственной формы. С принятием христианства русское декоративное искусство, хотя и испытывало влияние византийской культуры, всегда сохраняло свою самостоятельность и художественную оригинальность.

Уже в допетровскую эпоху существовало собирательство редкостей и древностей в царских и великокняжеских семьях, а также у знати и богатых людей, накапливавших художественные ценности. Это свидетельствует о признании исторической и эстетической значимости произведений прикладного искусства. Одной из первых систематизированных коллекций владел Богдан Матвеевич Хитрово (1615–1680), возглавлявший Оружейную палату с 1657 года и руководивший всеми художественными мастерскими при ней, что указывает на институционализированный подход к сохранению культурного наследия. Из этого следует, что уже тогда осознавалась необходимость в систематизации и сохранении произведений, несмотря на отсутствие современного искусствоведческого аппарата.

Социокультурные трансформации: Прикладное искусство в Российской империи (XVIII – начало XX века)

XVIII век стал переломным моментом в истории русской художественной культуры. Эпоха Петра I и последующие годы принесли кардинальные изменения в общественную жизнь, искусство и, как следствие, в отношение к прикладному искусству. Оно стало свидетелем перехода от преимущественно религиозного контекста к светскому, развития ремесленных центров и, позднее, возрождения интереса к национальному самосознанию.

От церковного к светскому: Новые горизонты искусства

В отличие от средневековья, когда произведения декоративно-прикладного искусства преимущественно создавались по заказу церкви и были тесно связаны с религиозным культом, XVIII век ознаменовал расцвет светского искусства. Это время широкого и всестороннего развития всех видов изобразительного и прикладного искусства. Изделия ДПИ стали неотъемлемой частью интерьеров дворцов и усадеб знати, демонстрируя не только богатство, но и утонченный вкус владельцев. Мебель из ценных пород дерева со строгими формами и скульптурными элементами, как, например, в начале XIX века, стала престижным элементом оформления интерьера. Это свидетельствовало о смещении акцентов: от сакрального к эстетическому и репрезентативному.

Формирование центров народных промыслов и «неорусский стиль»

Параллельно с развитием светского искусства, с XVII века начинают формироваться и крепнуть известные центры народных художественных промыслов, которые позднее приобретут мировую известность. Среди них — Гжель, Хохлома, Палех.

• Гжельский промысел, известный своей уникальной сине-белой росписью, появился в Гжельской волости Московской губернии в XVII веке. Его изделия, изначально фаянсовые, а затем и фарфоровые, быстро завоевали популярность благодаря своей изящности и красоте.
• Хохломская роспись возникла во второй половине XVII века в деревнях на левом берегу Волги. Свое название она получила от крупного торгового села Хохлома в Нижегородской губернии, где продавались готовые деревянные изделия, расписанные характерными золотистыми узорами на черном или красном фоне с изображениями ягод и трав.
• Палехская лаковая миниатюра в ее современном виде зародилась гораздо позже, в 1924 году, когда бывшие иконописцы Палеха организовали «Артель древней живописи» и начали расписывать изделия из папье-маше. Тем не менее, палехский стиль развился из традиций иконописи, восходящих к допетровским временам и находившихся под влиянием московской, новгородской, строгановской и ярославской школ, что подчеркивает глубокую преемственность в развитии народного искусства.

На рубеже XIX и XX веков в России возрос интерес к национальному фольклору и народным традициям прикладного искусства, что проявилось в так называемом «неорусском стиле». Этот период характеризовался стремлением художников, архитекторов и меценатов возродить и переосмыслить исконно русские мотивы. Такие центры, как Абрамцевский кружок (меценатства Мамонтовых) и Талашкино (княгини Тенишевой), стали настоящими очагами национального направления в искусстве. Здесь художники, среди которых были такие выдающиеся фигуры, как Михаил Врубель (создавший потрясающую майолику и изразцы) и Евгений Лансере (известный своей художественной бронзой), обращались к народным традициям и крестьянским ремеслам, придавая им новое звучание и интегрируя в контекст русского модерна. Их произведения стали значимыми вехами в развитии декоративного искусства того времени.

Статус мастера: Влияние европейских тенденций

Изменения в отношении к прикладному искусству не могли не повлиять и на статус самого мастера. В Европе эпохи Возрождения статус художников и мастеров повысился от анонимных ремесленников до творческих личностей, чье имя и индивидуальный стиль ценились наравне с их произведениями. Это европейское влияние постепенно проникало и в Россию. Если в допетровскую эпоху большинство мастеров оставались безымянными, то в XVIII-XIX веках, с развитием светского искусства и появлением крупных ремесленных центров, имена талантливых художников-прикладников начинают выходить из тени. Возникает концепция авторства, и произведения начинают цениться не только за их утилитарность или красоту, но и за уникальный почерк создателя. Это стало важным шагом к признанию прикладного искусства как полноценной формы художественного творчества.

Между традицией и идеологией: Русское прикладное искусство в советский период (1918-1991)

После революции 1917 года русское прикладное искусство оказалось в совершенно новых социополитических условиях. В период становления советского государства, когда искусство активно использовалось как инструмент идеологии, ДПИ предстояло найти свое место между сохранением вековых традиций и адаптацией к требованиям нового режима.

Сохранение и возрождение традиций

Вопреки первоначальным опасениям, в советский период (1918-1991) традиционное прикладное искусство не только не исчезло, но и приобрело характерные черты, развиваясь в условиях индустриализации и урбанизации. Государство осознало культурную и экономическую ценность народных промыслов, и многие из них получили поддержку.

В этот период были возрождены почти исчезнувшие промыслы, такие как:

• Ростовская финифть (эмальерное искусство).
• Жостовская роспись металлических подносов, известная своими яркими цветочными букетами.
• Холмогорская резная кость, развивающаяся в Архангельской области.
• Великоустюжское чернение по серебру, с его уникальной технологией сплава серебра с медью, свинцом и серой, создающей глубокий черный графический рисунок.
• Златоустовская гравюра на стали.

Параллельно зародились и новые, получившие широкое распространение искусства, которые активно развивались в советскую эпоху:

• Лаковая миниатюра, в частности, в таких центрах, как Палех, Холуй, Мстера, которые ранее были центрами иконописи.
• Казаковская филигрань.
• Художественная обработка янтаря.

Эти примеры демонстрируют, что советская власть, несмотря на идеологические установки, стремилась сохранить и использовать богатое наследие народных промыслов, видя в них не только элемент культурной преемственности, но и потенциал для развития художественной промышленности.

Искусствоведческое осмысление и повышение статуса

Ключевую роль в изменении отношения к народному искусству сыграли исследователи и искусствоведы, которые впервые стали рассматривать предметы крестьянского быта не просто как утварь, а как полноценные художественные произведения. Среди них особенно выделяется Василий Сергеевич Воронов (1887-1940). Этот выдающийся исследователь русского народного творчества, организатор музейного дела и педагог, сыграл ключевую роль в становлении советской науки о народном изобразительном искусстве.

В 1921 году В.С. Воронов организовал в Государственном Историческом музее выставку «Русское крестьянское искусство», впервые представив предметы народного быта как полноценные художественные произведения. Этот шаг стал прорывным, поскольку он изменил общественное и академическое восприятие народного творчества. Воронов считается основоположником советской науки о народном изобразительном искусстве и автором знаковой книги «Крестьянское искусство», изданной в 1924 году. В этой работе он четко обозначил главные художественные направления, их стилистические отличия и предложил классификацию по материалам и техникам обработки, описав основные виды крестьянского искусства: резьбу и роспись по дереву, керамику, металл, вышивки, ткачество, набойку и игрушку. Его работы, такие как диссертация о русских прялках и научный каталог пряничных досок, заложили фундамент для системного изучения и сохранения народного искусства.

Значительный вклад в исследование народных художественных промыслов внесла также Нина Ильинична Каплан, кандидат искусствоведения и сотрудник НИИ художественной промышленности. Ее работы, в том числе посвященные искусству Крайнего Севера и Дальнего Востока, расширили научное понимание географии и специфики русского ДПИ, подчеркивая его многообразие и уникальность. Разве не удивительно, как глубокое научное исследование может преобразить общественное восприятие целого пласта культуры?

Идеология и эстетика: Прикладное искусство в контексте нового режима

Искусство в советскую эпоху стало мощным орудием для воплощения догматов нового режима. Од��ако, в отличие от изобразительного искусства (живописи, скульптуры), которое часто подвергалось прямому идеологическому давлению и цензуре, декоративное искусство в меньшей степени подвергалось идеологическому диктату. Его функциональность и глубокая связь с бытом, а также традиционная эстетика, часто воспринимаемая как «народная» и «подлинная», позволяли ему сохранять большую художественную свободу.

Конечно, существовали попытки интегрировать советскую символику в орнаменты и сюжеты (например, звезды, серп и молот), но в целом, основные художественные принципы, техники и даже сюжеты многих промыслов оставались верными своим историческим корням. Это позволило ДПИ стать своеобразным убежищем для художественных традиций, сохраняя эстетическую преемственность в условиях масштабных социальных и политических изменений.

Современное отношение и функции: Прикладное искусство в XXI веке

В XXI веке русское прикладное искусство продолжает свой путь, демонстрируя поразительную жизнеспособность и способность к адаптации. Оно не только сохраняет культурное наследие, но и активно интегрируется в современную жизнь, выполняя множество функций.

Непрерывность традиций и адаптация к современности

Современное русское традиционное прикладное искусство продолжает существовать и развиваться, отражая преемственность художественных традиций. Мастера бережно хранят и передают из поколения в поколение уникальные техники и стили, будь то тончайшая филигрань, яркая хохломская роспись или самобытная дымковская игрушка. Однако это не просто застывшая форма, ибо современное ДПИ активно адаптируется под запросы времени, находя новые ниши и формы выражения. Оно интегрируется в арт-дизайн, создавая уникальные салонные изделия и предметы для частного интерьера, которые идеально вписываются в современные стили и пространства. Художественное стекло, например, остаётся одной из самых живых и развивающихся областей декоративного искусства в России в начале XXI века, постоянно экспериментируя с формами, цветами и техниками, что свидетельствует о том, что прикладное искусство не только сохраняется, но и динамично развивается, находя новые способы быть актуальным.

Культурная, экономическая и социальная роль

Народные художественные промыслы и ремесла в XXI веке выполняют многогранную роль, которая выходит далеко за рамки чисто эстетической ценности:

1. Сохранение и развитие культурных традиций: Они являются живыми носителями исторической памяти, уникальных техник и национального художественного языка.
2. Создание рабочих мест и развитие предпринимательства: Этот сектор способствует созданию рабочих мест, развитию малого и среднего предпринимательства, особенно в регионах, где промыслы являются основой местной экономики. В 2023 году суммарный годовой доход российских предприятий НХП превысил 24 миллиарда рублей. В России насчитывается около 1,3 тысяч малых и средних предприятий НХП с общей численностью работников в 5 тысяч человек, а также более 35 тысяч самозанятых ремесленников.
3. Привлечение туристов: Уникальность и самобытность русских промыслов делают их мощным магнитом для туристов, способствуя развитию различных видов туризма — от культурного до этнографического.
4. Вклад в экономику: Креативная экономика, включающая НХП, внесла 4,1% в ВВП России по итогам 2024 года, с планами увеличения этого показателя до 6% к 2030 году. Эти цифры подчеркивают не только культурную, но и значимую экономическую ценность этого сектора.

Государственная поддержка и будущее промыслов

Признавая стратегическое значение народных художественных промыслов, Российское государство активно разрабатывает и реализует механизмы их поддержки. Государственная поддержка НХП осуществляется федеральными органами исполнительной власти, которые обеспечивают экономические, социальные и иные условия для сохранения, возрождения и развития организаций промыслов.

• Субсидии: С 2016 года порядка 100 предприятий НХП из реестра Минпромторга РФ получают субсидии на компенсацию затрат на производство и реализацию изделий, что является важной мерой финансовой поддержки.
• Стратегии развития: В 2015 году Министерством промышленности и торговли была утверждена «Стратегия развития народных промыслов на период до 2020 года», направленная на системное развитие отрасли.
• Межведомственная координация и образовательные стратегии: В июле 2023 года на заседании комиссии Госсовета обсуждались механизмы поддержки НХП, включая создание межведомственной организации для координации и развития, а также разработку специальной образовательной стратегии. Это свидетельствует о комплексном подходе к решению проблем отрасли и стремлении к долгосрочному планированию.
• Реестры: Поддержка оказывается организациям, включенным в перечень, утверждаемый Правительством Российской Федерации, а также мастерам, чьи сведения внесены в региональные реестры, что обеспечивает прозрачность и адресность помощи.

Эти меры демонстрируют признание ценности НХП на государственном уровне и создают фундамент для их стабильного развития и процветания в будущем. А что еще требуется для сохранения такого бесценного культурного достояния?

Статус мастера прикладного искусства: От анонимности к авторству

Эволюция отношения к прикладному искусству неразрывно связана с изменением восприятия его создателя – мастера. На протяжении веков его статус претерпевал значительные трансформации, пройдя путь от безымянного ремесленника до признанного художника.

Анонимные ремесленники допетровской Руси

В допетровскую эпоху и в период становления Московского царства большинство произведений прикладного искусства создавались безымянными деревенскими ремесленниками. Эти мастера, часто обслуживавшие несколько поселков, владели секретами своего дела, передававшимися из поколения в поколение. Их имена редко оставались в истории, поскольку акцент делался не на индивидуальном авторстве, а на функциональности изделия и соответствии традиционным канонам. Ценность предмета определялась его полезностью, красотой и соответствием образцу, а не уникальным почерком создателя. В этом заключалась особенность крестьянского искусства – его коллективный, анонимный характер, глубоко укорененный в общинных традициях.

Признание художественной ценности: Вклад исследователей

Ситуация начала меняться в XX веке, когда крупные исследователи народного искусства, такие как Василий Сергеевич Воронов, впервые начали рассматривать произведения крестьянского быта не просто как утварь, а как полноценные художественные произведения. В своих работах Воронов не только каталогизировал и классифицировал народные промыслы, но и анализировал их эстетическую ценность, уникальность форм и богатство орнаментов. Его выставка 1921 года «Русское крестьянское искусство» стала знаковым событием, представив публике и академическому сообществу деревенские изделия как объекты высокой культуры. Это способствовало не только повышению статуса самого народного искусства, но и признанию художественной ценности труда анонимного мастера. Теперь его работы воспринимались как акт творчества, а не простое ремесло.

Современный художник-мастер: Требования и роль

В современном мире профессия художника-мастера декоративно-прикладного искусства претерпела значительные изменения. Сегодня это уже не безымянный ремесленник, а полноценный творец, чье имя и авторский стиль имеют большое значение. Профессия требует глубокого погружения в историю и традиции, знания стилей и техник, а также терпения и усидчивости. Современные мастера не просто копируют образцы прошлого, но и развивают их, привнося собственное видение и инновационные решения.

Их роль выходит за рамки простого создания произведений:

• Они создают авторские коллекции, участвуют в выставках и конкурсах, завоевывая признание на национальном и международном уровнях.
• Мастера активно проводят мастер-классы, передавая свой опыт и знания молодому поколению, тем самым обеспечивая непрерывность традиций и развитие промыслов.
• Их работы интегрируются в современный дизайн, становятся частью частных интерьеров и публичных пространств, демонстрируя актуальность и востребованность русского прикладного искусства.

Таким образом, статус мастера прикладного искусства прошел путь от анонимного исполнителя до высококвалифицированного художника-творца, чья работа ценится как за мастерство, так и за индивидуальный художественный вклад.

Заключение

Путь русского прикладного искусства — это многовековая история непрерывной трансформации, отражающая все грани национальной культуры: от «узорочья» Древней Руси, где каждый предмет быта был пронизан глубоким символизмом и мастерством анонимных ремесленников, до динамичного и экономически значимого культурного феномена XXI века. Мы проследили, как отношение к ДПИ эволюционировало от утилитарной функциональности, тесно связанной с бытом и обережной магией, к ценности светского искусства в Российской империи, когда начали формироваться знаменитые центры промыслов и проявился «неорусский стиль».

Советский период, несмотря на идеологическое давление, парадоксальным образом стал временем сохранения и возрождения многих промыслов, а также научного осмысления народного искусства благодаря трудам таких исследователей, как В.С. Воронов, что значительно повысило его статус. В XXI веке русское прикладное искусство не только продолжает существовать, но и успешно адаптируется к современным реалиям, интегрируясь в арт-дизайн и выполняя множество функций: от сохранения культурного наследия и развития туризма до создания рабочих мест и значительного вклада в экономику страны. Государственная поддержка, выражающаяся в субсидиях, стратегиях развития и образовательных программах, подчеркивает его непреходящую ценность на всех уровнях.

Эволюция статуса мастера — от безымянного ремесленника до признанного художника-творца — является ярким индикатором этого пути. Современный мастер ДПИ — это не только хранитель традиций, но и новатор, передающий свой опыт и создающий авторские произведения. Русское прикладное искусство, таким образом, демонстрирует свою многогранность и динамичность, являясь живым доказательством силы традиций, способности к адаптации и неизменного стремления человека к красоте. Оно остаётся неотъемлемой частью национальной идентичности, культурным мостом между прошлым, настоящим и будущим.

Список использованной литературы

1. Бакушинский, А. В. Искусство Палеха. М.: Просвещение, 2004. 102 с.
2. Воронов, В. С. О крестьянском искусстве. М.: Наука, 2005. 176 с.
3. Каплан, Н. И., Митлянская, Т. Б. Народные художественные промыслы: Учеб. пособие. М.: Высшая школа, 2000. 176 с.
4. Моран, А. История декоративно-прикладного искусства. М.: Искусство, 1999. 577 с.
5. Попова, О. С., Каплан, Н. И. Русские художественные промыслы. М.: Знание, 2004. 144 с.
6. Смолицкий, Б. Г., Скавронская, Т. Н. Художественные промыслы России. М., 2005. 150 с.
7. Разина. Художественные промыслы Подмосковья. М., 2002. 75 с.
8. Тангибердиева, З. И., Варваров, В. М. Художественные промыслы РСФСР. 3-е изд., перераб. М., 2004. 92 с.
9. Уткин, П. И., Королева, Н. С. Народные художественные промыслы. М.: Высшая школа, 2002. 159 с.
10. Хохлова, Е. Скопинское гончарство // Народное творчество. 1997. № 6. С. 38–40.
11. Воронов, В. С. Отечественные этнографы и антропологи. XX век. 2019. URL: http://ethnographica.kunstkamera.ru/w/index.php?title=Воронов_Василий_Сергеевич&oldid=7426
12. Декоративно-прикладное искусство Древней Руси. 2020. URL: https://vk.com/wall-21223963_10375
13. Художник-мастер декоративно-прикладного искусства — описание профессии. 2025.
14. Коллекционеры редкостей и древностей на Руси в допетровскую эпоху: истоки, особенности и персоналии // Молодой ученый. 2023.
15. Рахимбаева, И. Э. Русское искусство XVIII века: Учебное пособие. Саратов: СГУ, 2014.
16. Декоративно-прикладное искусство: виды, техники и значение в культуре. 2025.