Японская средневековая скульптура — это не просто вид искусства, это летопись эпохи, запечатленная в дереве, бронзе и лаке, отражающая глубинные культурные, религиозные и политические сдвиги, формировавшие Страну восходящего солнца. Её значимость для понимания японского культурного наследия трудно переоценить, ведь именно в этот период были заложены основы уникального художественного языка, отличающего Японию от её континентальных соседей.
Данное академическое исследование ставит своей целью не просто хронологическое описание, а глубокий аналитический обзор развития скульптуры в средневековой Японии, раскрывающий её эволюцию от ранних заимствований до полного расцвета самобытного национального стиля. Мы рассмотрим, как внешние влияния, прежде всего буддизм, стали катализатором для монументальной пластики, как менялись её формы, материалы и техники, и как выдающиеся мастера и художественные школы воплощали в жизнь новые эстетические и философские идеи. Особое внимание будет уделено социокультурному контексту, взаимодействию скульптуры с архитектурой и живописью, а также формированию тех уникальных черт, которые сделали японскую средневековую скульптуру неотъемлемой частью мирового искусства.
Для полноты картины и создания необходимого контраста с буддийской пластикой, следует кратко упомянуть добуддийские формы, существовавшие на Японских островах. До прихода буддизма японская пластика проявлялась в архаичных, но выразительных формах, таких как глиняные фигурки догу периода Дзёмон, отличавшиеся абстрактностью и ритуальным назначением, а также ханива – полые глиняные фигуры, устанавливаемые на курганах (кофун) периода Кофун (III–VI вв.). Эти ранние формы, хотя и не имели прямого отношения к монументальной скульптуре в привычном смысле, заложили основу для будущих художественных традиций, демонстрируя раннюю склонность к фигуративному искусству и символизму, которые впоследствии будут переосмыслены под влиянием континентальных культур.
Зарождение и раннее развитие: Период Асука (552-645 гг.) и влияние континента
Приход буддизма и формирование культурного ландшафта
Переворот в художественном ландшафте Японии произошел в середине VI века, когда в страну пришел буддизм. Это событие не было просто актом религиозного прозелитизма; оно стало мощнейшим катализатором для развития монументальной скульптуры и всей культурной сферы. Историки искусства называют 552 год (по другим данным, 538 год) датой официального проникновения буддизма из корейского государства Пэкче, которое принесло с собой не только новое учение, но и совершенно новые, развитые художественные формы, прежде всего в области храмовой архитектуры и скульптуры.
Буддизм быстро приобрел не только духовное, но и колоссальное политическое значение. Для правящих кругов Японии, стремящихся к объединению страны и централизации власти, новое учение оказалось эффективным инструментом. Оно позволяло противостоять множественности местных культов синтоизма, предлагая единую идеологическую основу, способствуя созданию более монолитного государства. Ключевую роль в распространении буддизма сыграл принц Сётоку (ок. 574 – ок. 622), провозглашенный впоследствии одним из величайших реформаторов Японии. Будучи регентом при императрице Суйко, он активно поддерживал новую религию, заказывая многочисленные скульптуры для храмов, которые сам же и основал. Среди них — знаменитые Ситэнно-дзи в префектуре Осака и Хорюдзи в Икаруге (префектура Нара), ставшие центрами раннего буддийского искусства и хранилищами бесценных произведений. Ярчайшим примером его покровительства является выдающаяся «Триада Шакьямуни» (623 г.) в Кондо монастыря Хорюдзи, созданная первым известным японским скульптором Тори Бусси и заказанная для упокоения души принца Сётоку, скончавшегося за год до её завершения.
Не менее важным было влияние могущественного клана Сога, который активно поддерживал и продвигал континентальную религию. После победы над кланом Мононобэ, выступавшим против буддизма, Сога укрепили своё политическое лидерство, используя буддизм как идеологическое обоснование своей власти. Глава клана Сога но Инамэ построил первую буддийскую часовню, а его сын Сога но Умако (551–626) продолжил эту традицию, построив часовню для статуи Мироку и способствуя прибытию в Японию монахов, архитекторов и художников из Кореи и Китая, что ускорило культурный обмен и внедрение новых художественных техник. Официальная история буддизма в Японии ведет свой отсчёт с 584 года, что подчеркивает значимость этих событий.
Стилистические и технические особенности ранней скульптуры Асука
Ранние буддийские скульптуры периода Асука, по сути, являлись подражанием китайским и корейским образцам, что вполне объяснимо, учитывая их происхождение. Однако это было не просто копирование, а процесс адаптации и постепенного освоения новых форм. Для этого периода характерно сильное влияние пластики Северной Вэй и пещер Лунмэня, проявляющееся в ряде ключевых стилистических особенностей.
Прежде всего, это линеарность и плоскостность изображений, где акцент делается на контуре и силуэте, а не на объёмной моделировке. Складки одеяний часто симметричны и имеют геометрически четкий, почти графичный характер. Лица скульптур обычно имеют удлинённый овал, широко открытые глаза, а на губах играет так называемая «архаичная улыбка» – загадочная и слегка отстранённая, заимствованная из более ранних китайских образцов.
Что касается материалов, то в этот период активно использовались бронза и камфорное дерево. Бронзовые статуи, часто отлитые по восковой модели, требовали высокого мастерства и демонстрировали технологическое влияние континента. Дерево, как более доступный и традиционный для Японии материал, также активно применялось, хотя поначалу и в манере, имитирующей бронзовую пластику.
Первым крупным японским скульптором, чьё имя дошло до нас, считается Курацукури-но Тори, или Тори Бусси. Его происхождение – потомок китайского иммигранта – символизирует собой тесные культурные связи и влияние, которые лежали в основе раннего японского искусства. Его шедевром, безусловно, является бронзовая «Триада Шакьямуни» (623 г.) в Кондо монастыря Хорюдзи. Эта композиция, изображающая Будду Шакьямуни в окружении двух бодхисаттв, является квинтэссенцией стиля Асука, с его фронтальностью, торжественной статичностью и характерной «архаичной улыбкой».
Подпериод Хакухо (середина VII века – 710 год)
К концу периода Асука, который искусствоведы иногда выделяют как отдельный подпериод Хакухо (середина VII века – до 710 года), наблюдаются первые признаки отхода от строгой архаики. Скульптуры становятся более живыми и округлыми. Появляются статуи Будды с более пухлыми щеками и невинным, почти детским выражением лица. Ярким примером такого стиля является статуя Якуси из храма Хориндзи. Эти изменения указывают на постепенное смягчение стилистики и начало поиска собственного художественного языка.
Важным аспектом развития иконографии в этот период стала особая популярность Бодхисаттвы Каннон (Авалокитешвары). Под влиянием китайской Гуаньинь и традиций ваджраяны, Каннон в Японии часто принимала более женственные черты и представлялась в 33 ипостасях, таких как Одиннадцатиликая, Тысячерукая или Каннон с Головой лошади. Изображения Каннон в этих 33 формах появляются в Японии уже в период Асука, что позднее способствовало формированию традиционного паломнического маршрута по 33 священным местам, связанным с этой богиней милосердия. Это расширение пантеона и вариативности изображений свидетельствует о растущей сложности буддийской иконографии и её адаптации к местным культурным особенностям.
Золотой век и формирование «японского стиля»: Скульптура периодов Нара (645-794 гг.) и Хэйан (794-1185 гг.)
Величие и реализм периода Нара
Эпоха Нара стала подлинным «золотым веком» японской скульптуры, периодом, когда страна переживала подъем, консолидацию государственности и активное формирование японской ментальности. Этот процесс сопровождался усиленной китаизацией, что нашло отражение и в архитектуре – столица Нара была построена по образцу китайской императорской столицы Танган (Сиань). Неудивительно, что японская пластика этого времени ориентировалась на высокие образцы скульптуры Индии и танского Китая, достигая новых высот в мастерстве и выразительности.
Буддизм в этот период широко распространился во всех слоях общества, превратившись в мощную политическую силу, активно поддерживаемую императорским двором. Скульптуры Нара демонстрируют значительно бо́льшую творческую свободу мастеров по сравнению с работами Асука. Произошел кардинальный переход от преимущественно фронтальных к трехмерным изображениям, отличающимся пластичностью и правильностью пропорций. В статуях Каннон, например, стали акцентироваться грация юной женственности, изящество и свобода движений, что придавало образам большую жизненность и одухотворенность.
Материальная база также расширилась. Наряду с бронзой, активно использовались глина (часто раскрашенная), дерево и уникальная для Японии техника сухого лака (кансицу), создаваемого путем наслаивания пропитанных лаком тканей на основу, которая затем могла удаляться (полностью или частично), оставляя полую, легкую и прочную фигуру. Также применялся сухой лак на деревянной основе. Техники включали сложные отливки из бронзы по восковой модели, позволявшие создавать детализированные и крупномасштабные произведения.
Одним из самых характерных черт этого времени стало увеличение размеров статуй, что символизировало величие и мощь буддийского учения и императорской власти. Вершиной этого монументализма стала 16-метровая бронзовая статуя Великого Будды (Дайнити Нёрай) в храме Тодай-дзи, основанном императором Сёму в 743 году. Это колоссальное произведение не только поражает своими размерами, но и является свидетельством инженерного и художественного гения эпохи.
В скульптурах головы Будды, как, например, у Якуси, прослеживается многогранность ракурсов и четкость проработки, что придавало ликам большую выразительность. Бодхисаттвы изображались с живостью и элементами предреализма, а фигуры стражников, таких как Четыре Небесных Царя (Ситэнно) в храмах Тодай-дзи и Кофуку-дзи, отличались невероятной экспрессивностью и динамизмом, часто выполненные из сухого лака или глины, что позволяло передавать мельчайшие детали мышц и эмоций.
К концу периода Нара проявились большая утонченность в работах и появились первые скульптурные изображения учителей с индивидуальными чертами, что стало важным шагом к портретному искусству. Ярким примером является статуя монаха Гандзина, который принес в Японию буддийскую традицию Винаи.
Эстетика утонченности: Период Хэйан и развитие «ваё»
Перемещение столицы в Хэйанкё (современный Киото) в 794 году ознаменовало начало периода Хэйан и повлекло за собой значительные преобразования в художественной жизни страны. Ослабление централизованного государственного контроля и развитие новых культурных очагов в провинциях способствовали формированию уникального «японского стиля» (ваё:).
Буддийская храмовая скульптура сохраняла свое главенствующее значение, но претерпела изменения: потребность в монументальных бронзовых статуях постепенно исчезла, и излюбленным материалом стало дерево. Это было связано как с экономическими причинами, так и с эстетическими предпочтениями, соответствующими более камерному и утонченному вкусу аристократии Хэйан.
Влияние китайского искусства заметно ослабло после прекращения отправки официальных посольств в Танский Китай в 894 году, что стало поворотным моментом, способствующим независимому развитию японской скульптуры.
Период Хэйан традиционно делится на два подпериода, каждый из которых имеет свои стилистические особенности:
- Ранний Хэйан (Конин-Дзёган, 794-894 гг.): Этот этап характеризовался массивными образами с глубоко прорезанными складками одежд, создающими драматический эффект и подчеркивающими монументальность фигур. Примером может служить раскрашенная деревянная статуя Дзикокутэн (839 г.) из храма Тодзи в Киото, демонстрирующая мощь и внушительность.
- Поздний Хэйан (Фудзивара, X-XII вв.): Отмечен переходом к более спокойным, мягким и гармоничным формам. Этот стиль стал классическим примером сформировавшегося «японского стиля», особенно ярко выраженным в работах скульптора Дзёчё. Фигуры становятся изящнее, контуры мягче, а выражения лиц – более умиротворенными.
В развитии техник обработки дерева произошли ключевые изменения. С конца IX века получило развитие изготовление скульптур из одного куска дерева (ичибоку-дзукури). Эта техника требовала мастерства, но ограничивала размеры и создавала риск растрескивания. Начиная с XI века, широкое распространение получил метод блочной скульптуры (киёсэ или ёсэги-дзукури), при котором статуи изготавливались по частям, а затем плотно соединялись. Эта инновация позволила создавать более крупные и устойчивые к растрескиванию произведения.
Скульптор Дзёчё (умер в 1057 г.) считается не только разработчиком метода киёсэ, но и автором классического «японского стиля». Его работы стали эталоном для многих поколений мастеров. Примером его гения является статуя сидящего Будды Амитабхи в Павильоне Феникса монастыря Бёдоин, которая воплощает идеалы красоты и спокойствия периода Фудзивара.
Расширение иконографии: Эзотерический буддизм и синтоистская скульптура
Период Хэйан также ознаменовался значительным расширением иконографии, во многом благодаря утверждению эзотерических школ буддизма Сингон и Тэндай. Эти школы, с их мистическими ритуалами и сложной символикой, обогатили пантеон и ввели новые элементы. Появились такие элементы, как мудры (ритуальные жесты рук), и мандалы – космические картины мира с изображениями божеств, группирующихся вокруг центрального божества Дайнити. Примерами таких мандал являются «Мандала Мира Ваджры» (Конгокай мандара) и «Мандала Мира Чрева» (Тайдзокай мандара), которые служили визуальными руководствами для медитации и ритуалов.
Важным аспектом религиозно-художественного развития стало появление синтоистской скульптуры, известной как синдзо. Впервые антропоморфные изображения ками (божеств синтоизма) стали создаваться в скульптурной форме. Эти фигуры, часто сидящие и задрапированные в одежды, указывающие на их пол и ранг, представляли собой интересный контраст бесполым буддийским божествам. Синдзо отражали национальное своеобразие и попытку визуализировать традиционные японские верования в форме, привычной для буддийского искусства, но сохраняющей свою уникальность.
Реализм, экспрессия и школы мастеров: Скульптура периода Камакура (1185-1333 гг.) и дальнейшие тенденции
Новые идеалы и характерные черты скульптуры Камакура
Период Камакура, начавшийся с приходом к власти самурайского сословия, ознаменовал собой существенную перестройку общественного сознания. На смену утонченным идеалам аристократии Хэйан пришли новые представления о жизненных нормах и духовных ценностях, где ценились бесстрашие, воинская доблесть и прагматизм. Эти изменения не могли не отразиться на искусстве, и скульптура Камакура пережила свой последний подъем, характеризующийся отходом от гармоничной изысканности хэйанской пластики и обращением к монументальной героизации и реализму.
Скульптура приобрела черты большей достоверности и убедительности, приближаясь к народу и отражая драматизм времени междоусобных войн. Вместо отстраненной идеализации, мастера стремились передать сильные эмоции, напряжение и жизненную силу.
Основным материалом для скульптуры по-прежнему оставалось дерево, однако техники его обработки совершенствовались, позволяя добиться более выразительных и детализированных форм.
В этот период особое значение приобрела концепция «живых образов» (сёдзин буцу). Согласно ей, статуи воспринимались не просто как изображения, а как живые Будды, что способствовало развитию натуралистических элементов и детальной проработке внутреннего пространства статуй. Часто внутрь скульптур помещались реликвии, свитки с сутрами или даже внутренние органы, выполненные из дерева или ткани, что придавало им особую сакральную значимость и «оживляло» их в глазах верующих. Этот подход усиливал ощущение реальности и присутствия божества.
Ведущие мастера и школы скульпторов
Период Камакура стал временем расцвета крупных скульптурных мастерских при монастырях, которые работали над восстановлением разрушенных в ходе войн храмов. Наиболее значительной стала школа Кэй (Кэйха), базировавшаяся в храме Кофукудзи в Нара. Её мастера, называемые нанто бусси («скульпторы из южной столицы»), разработали новый, динамичный и реалистичный стиль.
Среди выдающихся мастеров школы Кэй выделяются:
- Кокэй: Отец Ункэя, известный своими скульптурными портретами шести священнослужителей из храма Кофукудзи, которые уже демонстрировали стремление к индивидуализации.
- Ункэй (умер в 1223 г.): Считается одним из величайших японских скульпторов. Он создал новый стиль, характеризующийся драматическим реализмом, гипертрофированной мускулатурой и тщательной проработкой деталей. Его работы излучают невероятную энергию и мощь. Примерами его гения служат статуя Дайнити Нёрай из храма Эндзёдзи и, безусловно, колоссальные фигуры стражей Нио у ворот Нандаймон храма Тодай-дзи (1203 г.), созданные совместно с Кайкэем. Эти стражи, с их напряженными лицами, выпуклыми венами и мощными телами, являются вершиной экспрессии Камакура.
- Кайкэй (активен в 1180-1220 гг.), также известный как Аннами: Отличался от Ункэя более утонченным, но не менее реалистичным подходом. Его произведения сочетают в себе реализм и изысканную красоту. Примером может служить статуя Фудо Мё-о, демонстрирующая его умение передавать как мощь, так и внутреннюю сосредоточенность. Его вклад в создание статуй божественных стражей Нио совместно с Ункэем также неоценим.
Сыновья Ункэя – Танкэй, Кобэн и Косэй – продолжили традиции школы Кэй. Например, Кобэн создал знаменитые статуи злых духов с фонарями – Тэнтоки и Рютоки, которые являются примерами гротескного реализма и фантазии.
Помимо школы Кэй, в Киото активно развивалась мастерская Ситидзё-буссё, также внося свой вклад в скульптурное искусство Камакура.
Развитие иконографии и скульптурного портрета
В иконографии периода Камакура значительно расширился круг персонажей. Помимо традиционных буддийских божеств, появились героизированные типы, такие как мощные стражи Нио, защитники буддийского учения. Также большое распространение получили канонизированные святые, представленные в реалистичных портретах видных монахов. Эти портреты не были идеализированными образами, а стремились к максимальной достоверности, передавая индивидуальные черты лица, характер и даже внутренний мир изображаемого человека.
Скульптурный портрет приобрел новую художественную выразительность, изображая как духовных, так и светских деятелей с острой портретной наблюдательностью и земной силой. Это было отражением интереса к человеческой индивидуальности и реальному миру, характерного для эпохи самураев.
Важно отметить, что вплоть до эпохи Мэйдзи буддисты поддерживали объединения скульпторов (буцуси), которые находились под покровительством храмов, обеспечивая преемственность традиций и развитие мастерства.
Скульптура в период Муромати (1336-1573 гг.)
Период Муромати, последовавший за Камакура, характеризовался дальнейшими изменениями в искусстве. Наряду с усилением китайских влияний, в частности, через дзен-буддизм и культуру династии Сун, происходило слияние хэйанских и камакурских традиций. Это способствовало сложению новой культуры зрелого средневековья, где элегантность и утонченность сочетались с реализмом и экспрессией. Скульптура этого времени часто становилась частью декоративного убранства храмов и дворцов, приобретая более камерный характер.
Синтез искусств и формирование национального своеобразия
Взаимодействие скульптуры с архитектурой
Японская скульптура на протяжении всего средневекового периода не существовала изолированно; она была тесно связана с религией и архитектурой, являясь неотъемлемой частью храмовых комплексов. Это взаимодействие было глубоким и многосторонним.
Скульптура часто определяла архитектурные решения, размеры и организацию внутреннего пространства храмов. Например, для размещения колоссальной 16-метровой статуи Великого Будды в Нара был построен монументальный Большой Буддийский Зал (Дайбуцудэн) храма Тодай-дзи – одно из крупнейших деревянных сооружений в мире. Размеры и расположение статуи диктовали масштаб и планировку всего храма.
Помимо этого, храмовые интерьеры богато украшались не только скульптурой, но и росписью, сложной резьбой по дереву, золотым и черным лаком, инкрустацией перламутром и ажурными бронзовыми пластинами. Храм Хорюдзи, например, является живым свидетельством такого синтеза искусств, где хранится более 265 буддийских статуй и свыше 1500 произведений живописи и декоративного искусства.
В период Хэйан монастыри, особенно горные, становились не только духовными, но и мощными художественными центрами. Их расположение на возвышенностях отражало культ священных вершин. К таким центрам относятся Энряку-дзи на горе Хиэй (школа Тэндай) и Конгобу-дзи на горе Коя (школа Сингон), которые, помимо своего религиозного значения, были колыбелью для развития уникальных архитектурных и скульптурных традиций. Мастера, работающие в этих монастырях, создавали произведения, которые органично вписывались в окружающий ландшафт и архитектурный ансамбль.
Связь с живописью и декоративно-прикладным искусством
Скульптура в средневековой Японии развивалась не только в тесной связи с архитектурой, но и параллельно с живописью и декоративно-прикладным искусством. В эпоху Хэйан, наряду с храмовой скульптурой, в живописи появились и получили распространение эмакимоно – иллюстрированные свитки с горизонтальным повествованием. Эти свитки, часто рассказывающие истории из жизни Будды или светские сюжеты, формировали основу национальной стилистики школы ямато-э, которая отличалась яркими цветами, детализацией и динамичной композицией. Художественные принципы, развиваемые в живописи, находили отражение в раскраске и декоративном оформлении скульптур.
Сама скульптура активно использовала элементы декоративно-прикладного искусства. Например, инкрустация глаз хрусталем, использование золотой фольги (кириканэ) для создания узоров на одеяниях, сложные лаковые покрытия и металлические детали – все это демонстрирует стремление к обогащению скульптурных форм за счет других видов искусства.
Особенности национального стиля
Культура Японии, будучи открытой к внешним влияниям, обладала удивительной способностью трансформировать заимствованные элементы и развивать собственный самобытный стиль. Это проявлялось в избирательности заимствований и их глубокой переработке. Например, в отличие от Китая, где деревянные архитектурные элементы и скульптуры часто окрашивались, в Японии их нередко оставляли в естественном виде, подчеркивая красоту природной текстуры дерева.
В период Хэйан, как уже упоминалось, сформировался отчетливый «японский стиль» (ваё:), который характеризовался более спокойными, мягкими и гармоничными формами, отличающимися от более монументальных и строгих континентальных образцов. Это было связано с эстетикой аристократии Хэйан, ценившей изящество, утонченность и меланхоличную красоту. Отказ от регулярных посольств в Китай в 894 году стал символом этой культурной автономии и способствовал независимому развитию японской скульптурной традиции.
Синтоистская скульптура (синдзо), появившаяся в Хэйан, также представляла собой важный аспект формирования национального своеобразия. Её антропоморфные изображения ками с их ярко выраженными гендерными и социальными атрибутами, а также часто земным и приближенным к человеческому обликом, служили контрастом бесполым и идеализированным буддийским божествам. Это подчеркивало двойственность религиозной жизни Японии и стремление к выражению уникальных национальных верований через искусство.
Заключение
Развитие скульптуры в средневековой Японии — это захватывающая история трансформации, адаптации и, в конечном итоге, формирования уникального национального художественного языка. От первых, подражательных, но величественных буддийских образов периода Асука, принесённых на острова вместе с новым учением, до монументального реализма эпохи Камакура и утончённой гармонии хэйанского «ваё», японская скульптура прошла путь от внешнего влияния до полного расцвета самобытности.
Каждый исторический период оставил свой неизгладимый след: Асука — с его архаичной улыбкой и первыми буддийскими храмами, Нара — с грандиозными статуями Великого Будды и стремлением к реализму, Хэйан — с его эстетикой утонченности, развитием блочной скульптуры и появлением синтоистских синдзо, и, наконец, Камакура — с драматическим реализмом школы Кэй и концепцией «живых образов».
Значение японской средневековой скульптуры для мирового искусства неоспоримо. Она не только демонстрирует выдающееся мастерство японских художников, но и является ценнейшим источником для понимания культурных, религиозных и социальных процессов, формировавших Японию. Её вклад в культурное наследие проявляется в создании уникальных форм, техник и стилей, которые оказали влияние на все последующие этапы развития японского искусства.
Для дальнейших исследований открываются широкие перспективы. Можно углубиться в изучение региональных школ скульптуры, не столь известных, как школа Кэй, но имевших своё значение. Интересным направлением является анализ влияния конкретных философских текстов буддизма на иконографию и стилистику изображений. Также перспективно сравнительное исследование японской скульптуры с пластикой других восточноазиатских стран, что позволит ещё точнее выявить уникальные черты национального стиля. Эти направления могут послужить основой для дальнейших курсовых работ, диссертаций или более масштабных научных исследований, углубляющих наше понимание этого удивительного феномена.
Список использованной литературы
- Борзова Е.П. История мировой культуры. СПб., 2001.
- Виноградова Н.А. Скульптура Японии. III–XIV вв. М.: Изобразительное искусство, 1981.
- Всеобщая история искусств / Под ред. А.Д. Чегодаева. М., 1960. Т. 2.
- Гнедич П.П. Всемирная история искусств. М., 1997.
- Конрад Н.И. Очерк истории культуры средневековой Японии. VII–XVI века. М., 1980.
- Культурология. История мировой культуры: Учебник для вузов / Под ред. проф. А.Н. Марковой. М., 2001.
- Япония от А до Я. Энциклопедия. CD-диск электронного издательства «Директмедиа», 2003.
- «Японский стиль» (ваё:) скульптуры эпохи Хэйан: к истории термина : доклад на конференции // ИСТИНА – Интеллектуальная Система Тематического Исследования НАукометрических данных. URL: https://istina.msu.ru/conferences/papers/104992981/ (дата обращения: 03.11.2025).
- Японская скульптура: поиски и традиции // Искусство стран Востока: Книга для учащихся старших классов / Анисимов А.Н., Гумилев Л.Н., Желоховцев А.Н. и др. 1986. URL: https://www.booksite.ru/fulltext/yap/jap/an_sculpture_of_japan/index.htm (дата обращения: 03.11.2025).
- «Живые образы» против «обмирщения»: альтернативные интерпретации стиля японской скульптуры эпохи Камакура // КиберЛенинка. URL: https://cyberleninka.ru/article/n/zhivye-obrazy-protiv-obmirscheniya-alternativnye-interpretatsii-stilya-yaponskoy-skulptury-epohi-kamakura (дата обращения: 03.11.2025).
- Великие войны и Великие замирения: искусство периодов Камакура (1185-1333) и Муромати (1336-1573) // Музей Востока. URL: https://www.orientmuseum.ru/events/archive/12716.html (дата обращения: 03.11.2025).
- Формирование новой японской скульптуры // ResearchGate. URL: https://www.researchgate.net/publication/338902517_Formirovanie_novoj_aponskoj_skulptury (дата обращения: 03.11.2025).
- Соловьева М.В. Искусство Японии. Учебное пособие. РГГУ. URL: http://www.rggu.ru/upload/iblock/dd2/dd2d341999e28f7d983057e62a050516.pdf (дата обращения: 03.11.2025).